HA HABIDO VARIAS CABRONAS Y HABRÁ MÁS, PORQUE LA OBRA VA A DURAR MUCHO TIEMPO… RUBÉN LARA Por Miryam Almanza
Por tercera ocasión se presentó en Aguascalientes la obra Por qué los hombres aman a las cabronas, y A Escena tuvo la oportunidad de platicar con su productor, el señor Rubén Lara, sobre el montaje y la nada fácil labor de llevarla a varias ciudades de la República Mexicana. Enseguida sus palabras:
Señor Rubén, es la tercera ocasión que visita Aguascalientes con esta obra y sigue siendo un éxito… Y seguirá con el favor de Dios porque es una obra que revela muchas cosas y es del gusto de la gente. Creo que es una obra muy familiar, veo que llegan los papás con sus hijos, es muy reconfortante para uno ver que viene gente muy joven así como adultos, gente de todos los niveles. Creo que es una obra que a todos les llega. Es una maravilla salir y ver el éxito de la obra, cómo aplauden.
Del elenco que ha tenido en su obra, ¿con cuál ha disfrutado más trabajar? Yo creo que con todos, cada actor y actriz que participa en esta obra le da su personalidad y así será con los que faltan porque ha habido varias cabronas y habrá más porque la obra aún va a durar mucho tiempo.
¿Tiene otros trabajos en puerta? Acabamos de estrenar La ceguera del viento en la ciudad de México, y voy a hacer otra obra llamada No seré feliz pero tengo marido, con Laura Zapata, que esperamos traer aquí en octubre o noviembre. Hay otro montaje llamado Ni santa ni golfa, entre otros proyectos que no aún no hay algo concreto todavía.
Qué tal su labor como productor, sabemos que no es nada fácil… Es como todas las cosas, aprendes a amar lo que te gusta hacer. Yo amo mi carrera de productor porque me encanta comunicar, que la gente venga. Cada vez que hago un proyecto y tiene éxito, es satisfactorio que la gente se divierta independientemente del dinero que puedas ganar. Mi mayor satisfacción es que la gente sale complacida.
¿Qué piensa usted sobre la competencia en el área de Producción? Yo creo que no es competencia, al contrario, qué bueno que hay otros productores porque eso crea diversidad. Yo no podría hacer todo el teatro que se hace en México ni ellos. Cada quien tiene su lugar y cada quien lucha por el tipo de teatro que quieren presentar, en mi caso cuido que sean proyectos que tengan calidad y estén bien hechos, he cuidado mucho mi carrera de productor con proyectos que valen la pena.
¿Qué le recomendaría a alguien que quiera iniciar en esto? Que trabajen mucho, como cualquier cosa en la vida, trabajar mucho y tener mucha paciencia. Los jóvenes se desesperan, creen que en un solo día van a conseguir lo que quieren y no, las metas son a largo plazo.
¿Cómo ve el teatro en México? Pues ahí va, está regular, tenemos algunas mejores temporadas que otras pero ahí estamos luchando todos los productores porque venga la gente al teatro, a pesar de la crisis, de la inseguridad, de todo lo que pasa. El teatro es reconfortante, la gente se pasa dos horas disfrutándolo. Ojalá vengan más al teatro y gracias a Aguascalientes porque hemos venido tres veces y las tres nos ha ido muy bien, esperamos venir muchas más, no sólo con esta obra sino con otras.
CREO FERVIENTEMENTE QUE EL TEATRO SE ESCRIBE PARA LA INMEDIATEZ… HERNÁN GALINDO Por Julieta Orduña En los últimos 25 años Hernán Galindo se ha destacado principalmente como director de teatro y dramaturgo , tiene escritas más de 50 obras de teatro y ha dirigido más de 100 puestas en escena en una amplia diversidad de géneros y espectáculos. Ha ganado importantes premios del Instituto Nacional de Bellas Artes y de la UANL y ha sido participante en aperturas de teatros, entidades culturales y educativas, así mismo ha trabajado para importantes firmas en los medios de comunicación y en el ámbito privado. Hoy en día encabeza a una de las más importantes productoras de teatro y espectáculos del país. En el programa radiofónico A Escena lo tuvimos con una entrevista acerca de la dramaturgia nacional:
Está impartiendo un taller de dramaturgia en el Centro Cultural Los Arquitos… Así es, el Instituto de Cultura de Aguascalientes me ha invitado por parte del maestro Juan Manuel Bárcenas a impartir este taller, actualmente soy miembro del Sistema Nacional de Creadores Artísticos y con el apoyo que nos dan se vuelve parte de nuestro compromiso; sin embargo, para mi además es un gusto porque he encontrado gente muy talentosa en los más de 20 integrantes de este taller.
Hace algunos meses realizamos aquí en Aguascalientes un Primer Encuentro de Dramaturgos y a partir de esto, muchos jóvenes se fueron interesando por este tipo de literatura… Sí, me enteré. Una de las cosas trascendentes del taller que ahora estoy dando es que los integrantes son de diferentes procedencias, tenemos maestros de literatura, directores de teatro, algunos compositores musicales, todos ellos son seres muy creativos relacionados con la puesta en escena y creo que todo esto es muy fructífero.
¿Y cuál es su opinión sobre los trabajos realizados por sus alumnos? Con la experiencia que he tenido como maestro de talleres, detecto aquellas personas que tienen talento o inquietud y que si no llegan a ser dramaturgos, podrán ser analistas o críticos de teatro. Sin duda, hay materia para que haya más dramaturgos en Aguascalientes, pero también hay materia para que exista gente preparada y que siga trabajando en esta misión de hacer teatro y de llevar a un público al teatro.
¿Hacen falta más dramaturgos nacionales? Hay una gran explosión de dramaturgos jóvenes, últimamente a partir de los últimos diez y quince años, después de estas generaciones tan importantes como la de Víctor Hugo Rascón Banda, Jesús Dávila, el mismo maestro Vicente Leñero o Emilio Carballido. Se ha dado una influencia muy grande de dramaturgia joven. Yo creo que lo que más bien se necesita es tener conciencia de escribir un buen teatro, un teatro con identidad, un teatro que nos hable al menos del México de hoy, un teatro que sea reflejo de nuestra vida diaria para conocernos mejor.
Y de esta manera los estudiantes harán un teatro que nos identifique, no solo una adaptación de texto… Exactamente, que es muy común que los directores enamorados de muchos textos de otros países, es muy válido que pongan por ejemplo teatro alemán pero lo que no hay que olvidar es que esa puesta en escena va por un público mexicano, entonces hay que ver si realmente ese montaje tiene algo que decirnos a nosotros y si puede ser trascendente. Creo fervientemente que el teatro se escribe para la inmediatez y eso incluye al público en el entorno. Mencionaba en el taller que Shakespeare, Moliere, todos estos grandes dramaturgos escribieron antes que nada un teatro para hablarle a la gente que tenían alrededor, a su país, su ciudad, la maravilla como genios que son es que su teatro se volvió universal por las temáticas que manejaron y de tal manera han brillado por todo el mundo pero principalmente ellos escribían para la gente que tenían alrededor.
Al término del taller, ¿qué va a pasar con los trabajos de estos alumnos? ¿Habrá algún proyecto editorial quizá? Probablemente, con eso hay que tener un poco de cuidado, publicar teatro es diferente al resto de la literatura, el teatro casi siempre necesita primero llevarlo a escena para pulirlo, yo siempre divido estas dos facetas, dramaturgia es mientras el texto dramático este escrito, una vez que pase al escenario se convierte en teatro. El teatro es una literatura de transformación, el teatro se escribe para un ejercicio vivo en el escenario y una vez que se experimenta en el escenario podemos saber qué cosas debemos quitar y qué cosas debemos dejar y qué cosas debemos enriquecer y entonces ya merecerá una publicación. Cuando la dramaturgia haya cumplido esta función. Por lo pronto, nuestro proyecto es hacer un texto breve, completo, redondo, de aquí al final del taller y sembrar la semilla para que cada integrante tenga un plan maestro para escribir una obra de más amplitud.
Platíquenos de la obra que tiene en cartelera en Nuevo León, donde participa la actriz Sylvia Pasquel… La obra se llama El búcaro azul , es una comedia de humor negro, son tres actores, dos de Nuevo León y Sylvia Pasquel encabezando el reparto. Me dio mucho gusto que se anotara en las críticas porque es una comedia que atrás de la posible superficialidad sí maneja un contenido importante en las relaciones humanas, en la cuestión de la soledad. Tenemos el compromiso con el público de invitarlos a una reflexión, de ampliar sus horizontes, de irse a casa con algo con qué platicar y con qué discutir y no el contar chistes que nos llevan a la vacuidad o al olvido. Creo en la comedia inteligente. Sylvia Pasquel es una estupenda actriz, tanto cómica como para otros géneros, como el de la pieza e incluso trágico, es realmente una muy buena actriz.
PARA NOSOTROS, ESTAR EN AGUASCALIENTES, ES APOYAR LA IMPORTANTE LABOR DE LOS GRUPOS INDEPENDIENTES… ROBERTO VÁZQUEZ Por Miryam Almanza
Roberto Vázquez, autor, director y actor de la obra La voz del viento, y Olimpia Zárraga, también actriz de ese montaje, estuvieron en Aguascalientes para presentar la versión que han hecho ellos de dicha obra. Tuvimos la oportunidad de conversar con ellos y esto fue lo que nos dijeron:
Roberto, nuevamente de visita por Aguascalientes… Así es, es un verdadero placer poder compartir nuestro trabajo y que gracias al teatro hemos cosechado bastantes amistades por acá, me he encontrado con amigos de la infancia por acá. Aguascalientes se ha vuelto un territorio bastante amigable con nuestro trabajo y con nuestra persona.
Ahora van a presentar tu versión de La voz del viento, recordemos que Juan Manuel Bárcenas ya presentó la suya… Así es, esta es una obra que escribimos entre Olimpia y yo, ella escribió algunas escenas, yo hice otras, y después hice la dramaturgia final tomando en cuenta ambos trabajos. La escribí hace ya bastantes años, justamente una vez aquí en Aguascalientes la ensayamos y le pedí a Juan Manuel Bárcenas que la viera, ahí conoció él el texto. Nosotros terminamos de montarla y comenzamos a dar funciones. Después fue cuando me enteré que Juan había tomado el texto y lo había llevado a escena y como él no había visto nuestro trabajo ni nosotros el de él fue muy “padre”. Su propuesta nos pareció muy interesante, tanto la lectura que hizo de la obra como la actuación de su reparto.
Ahora, estamos nosotros aquí por dos razones, una es ser parte de esto que es Tercera Llamada y que mejor que con esta obra que para nosotros representa tanto desde que Juan la tomó. Nosotros vamos a tener la develación de las 100 representaciones, Juan tuvo la de cincuenta, y al sumar todas estas experiencias de alguna u otra forma contribuimos a lo que creemos que es el objetivo principal de La voz del viento, ser un acto de denuncia frente a los feminicidios y contra nuestras compañeras, las mujeres.
Olimpia, es la primera vez que presentan su versión en Aguascalientes, ¿dónde más han estado con estas funciones? No la hemos presentado en otros países pero sí al interior de la República Mexicana, hemos estado en diversos encuentros de teatro, especialmente en el Distrito Federal.
¿Cuál ha sido la experiencia, la reacción del público? Ha sido muy diversa, sobre todo en las primeras ocasiones que la presentamos. Las mujeres nos agradecían mucho la forma en que nosotros llevamos esa temática al escenario, por la simbología y porque no nada más se hablaba de un aspecto de la mujer, sino de la importancia de serlo y lo que significa como dadoras de vida, que protegen y dan cariño a los demás, toda esta violencia que se da y que a veces es muy sutil, cómo la relación de pareja a veces se vuelve muy pesada, como una gran carga o cadena que traen consigo y de qué manera puede una mujer liberarse de ese yugo, y no con la idea de ser la protagonista, ella o el hombre, sino de ser complemento.
Para que haya violencia se necesitan dos… Así es, se necesita una víctima y un represor y la idea es que llevemos una relación de manera cordial, equitativa. En la actualidad, el hecho de ser mujer no debe implicar el nacer con una cruz en la frente, marcada por la violencia que ejerce el varón.
Roberto, ¿qué diferencia crees que haya entre tu versión y la de Juan Manuel? En ambas versiones la respuesta del público ha sido muy favorable. Nosotros hemos apostado más por la simbología, la abstracción, por el mundo onírico, llevo a los personajes a un plano irreal, y lo que Juan hizo fue aterrizarlo completamente, por ejemplo: en la escena donde el personaje de él la invita a ella a bailar y después la viola, la escena de Juan Manuel es más explícita: un tipo que saca a la chica a bailar, se escucha música norteña, una balada suave; y esa misma escena nosotros la recreamos como si fuera un sueño, o más bien dicho, una pesadilla. Ese es el punto que hace distintas a ambas versiones. Lo curioso es que el texto es el mismo y la respuesta del público siempre ha sido muy favorable. Cuando Juan me invitó a ver su propuesta me gustó muchísimo, también el trabajo de Gal Dorado y de Rodrigo Pérez. Le comentaba a Olimpia que pocas veces había recibido yo tantas buenas opiniones, abrazos y felicitaciones por ser el creador de una obra, y eso me sucedió cuando vine acá a ver este texto con la Secta Minúscula de los Viajeros Frecuentes. Eso siempre es muy agradable. En el caso de nosotros, la obra ha provocado más que una situación emocional o sentimental en el público, que creo es lo que sucede con la versión de Juan, lo que propiciamos al abstraerla más de la realidad es fomentar la parte reflexiva, que finalmente es lo que nos interesa. Por ejemplo, tenemos otra obra con la que develamos las 50 representaciones con el tema de San Salvador Atenco, donde se expidió un decreto expropiatorio para quitarles sus tierras a los campesinos y construir un aeropuerto, de la que por supuesto los afectados no se dejaron y fue lo que ocasionó la agresión de todos ellos por parte del gobierno del estado. Ese tema lo toca nuestra obra, misma que metimos al proceso de liberación de todos los afectados de Atenco, finalmente se dio la liberación hace dos o tres semanas y se cancelaron las órdenes de aprehensión en contra de los que eran perseguidos; y nosotros, para poder estar con todos ellos y compartir su libertad, metimos esa obra en su campaña para dar nuestro granito de arena para la liberación. Nosotros esperamos que algún día La voz del viento cumpla la misma función y podamos guardarla en un cajón como parte de nuestra historia teatral y de la historia de la sociedad, ojalá que eso suceda para que ya no tengamos que hablar de violencia y de maltrato y de violaciones a los derechos humanos. Finalmente el teatro que nosotros hacemos, más que un divertimento, es para crear un espacio de reflexión que mueva conciencias y de pie a hacer cosas, a protestar, a decir ya basta, a detener tanta violencia que se está gestando en nuestra sociedad. Esa es nuestra trinchera.
Una tarea nada fácil… Para nada, pero si no hiciéramos eso yo no entendería otra razón de existir del teatro, para mí el teatro no tendría otra razón de ser. Hacer teatro sólo para entrener, para decirle a la gente que todo está bien, que tenemos el México que nos merecemos y que por eso debemos celebrar el Bicentenario, sería mentirles, sería decirles que todo es maravilloso. Para eso, que mejor prendan la televisión.
Olimpia, están en Aguascalientes por la develación de las 100 funciones de su obra, ¿qué sigue de aquí? Nosotros mantenemos nuestras obras en repertorio además de que estamos por estrenar otra en el Distrito Federal el próximo sábado, El enano que soñó que también era rey, también de Roberto Vázquez, y también ya estamos organizando el XV Encuentro Teatral con la Muerte, y en septiembre comenzamos con los ensayos de nuestra pastorela.
Entonces tienen actividad el resto del año afortunadamente… Roberto: También estamos viendo con Jaime Muñoz, con Juan Manuel y Martín Layune la posibilidad de venir en diciembre con nuestra pastorela, tal vez del 26 al 31 de diciembre. Estamos buscando la manera de dar funciones en un foro, como última instancia, pero nos encantaría poder llevarla a barrios o comunidades como esta semana, que estuvimos dando varias funciones con La represión infantil en las casas de cultura de los municipios, una obra que va a cumplir las 1,500 representaciones, de la que develamos la placa de las 1,300 aquí en Aguascalientes, en el foro de Al Trote, y nos encantó la respuesta del público. Para nosotros las comunidades siempre han sido la esencia de nuestro trabajo, nosotros hacemos teatro en cualquier lugar, incluso en un teatro. Un teatro es un lugar de cámara negra y luces, pues eso siempre ha sido para nosotros la última instancia, todos los demás lugares son el paso obligado para iniciar una temporada, por eso nuestras obras son hechas con esa dinámica, incluso La voz del viento está pensada para montarla en espacios abiertos. La obra de El enano que soñó que también era rey fue creada por esto de los festejos del Bicentenario, nosotros decimos: ¿qué es lo que tenemos qué celebrar? ¿Independencia? ¿en qué sentido? ¿cuál Revolución? La obra tiene que ver con quien detenta el poder, los que se revelan y lo que eso representa. Finalmente la Revolución como tal para mí es un concepto, no un hecho histórico en concreto, porque como tal no se dio. El planteamiento en la obra es jugar con el concepto porque está tan vivo como Acteal, Atenco, el levantamiento del EZLN, y tantas historias más en las que el concepto de revolución y los personajes de Villa o Zapata están eminentemente presentes en el arraigo cultural. Esa es nuestra propuesta, hablemos de Revolución pero con otro enfoque, no el oficial, porque nos quieren seguir dorando la píldora.
Roberto, para ti qué significa que la develación por las 100 representaciones de La voz del viento se haga aquí en Aguascalientes… Tiene dos significados, dejar testimonio de que nuestro trabajo se está haciendo, es como hacer historia porque en el futuro, si la placa sigue en este lugar, la gente dirá: mira, aquí anduvo Roberto Vázquez. La otra razón de que se haga acá tiene que ver con un fortalecimiento de la amistad y de la actividad teatral. El hecho de que exista un espacio como Tercera Llamada, como Al Trote y todos los demás que vayan surgiendo por las calles de Aguascalientes, es de mucha importancia. Es un espacio independiente con el que puedes hacer lo que se te pegue la gana, y que mantenerlo vivo y activo es de lo más difícil que hay. Poder contribuir con un pequeño granito de arena a eso es para nosotros valorar y darle un voto de confianza a este tipo de espacios que te permiten, de alguna manera, resistir, sobre todo cuando no se cuenta con los apoyos que los creadores deberían tener. Hay creadores que si no existen becas, si no hay apoyos oficiales, hacen nada o hacen muy poco. Este tipo de espacios es lo que hay que impulsar, por eso nuestra presencia, para que eso motive a otros. Y una tercera razón que no por mencionarla al final es la menos importante: gracias al teatro hemos hecho muchas amistades aquí en Aguascalientes, es el estado que más visitamos como grupo y donde más gente de teatro cercana tenemos. Nosotros no conocíamos Aguascalientes como lugar turístico o de la Feria de San Marcos, lo conocimos como un lugar de cultura para ver obras de teatro. Alguna vez llegó Martín Layune a una de las ediciones del encuentro con la muerte para participar con nosotros, ese fue nuestro primer contacto con este Estado. Así fue creciendo la amistad y el contacto con Aguascalientes y de ahí se han dado varias participaciones.
EN CINCO O SEIS MESES LES DAREMOS NOTICIAS DEL 2DO TALLER INTERNACIONAL “ACTUANDO SIN ACTUAR”… PRISCILA ALBA Por Miryam Almanza
El fin de semana se realizó la clausura del Primer Taller Internacional Actuando sin Actuar, organizado por jóvenes emprendedores, Priscila Alba y Hugo López, quienes calificaron de exitoso el evento. Platicamos con ellos después de la ceremonia y muy emocionados nos dijeron esto:
Muchachos, cual es la evaluación que hacen de este primer taller… Hugo: Qué les podemos decir, fue excelente.
¿Cumplieron sus expectativas? Priscila: Sí, hubo gente que se inscribió sin saber a qué venía y se fue muy contenta de conocer el proceso que un actor lleva para hacer una buena interpretación.
¿Qué fue lo más pesado, lo más difícil? Hugo: Poner todas las ideas en algo tangible, el llevar a cabo todo lo que habíamos pensado fue lo más difícil de este proyecto y creo que de cualquiera.
¿Y ahora qué viene? Priscila: El 2do. Taller Internacional Actuando sin Actuar.
¿Ya tienen pensado dónde va a ser, qué maestros vienen? Priscila: Es una sorpresa, tenemos contempladas algunas de las técnicas que se presentaron en éste y otras diferentes, pero todo es sorpresa. En unos cinco o seis meses les estaremos informando.
Y los muchachos qué tal, ¿cómo los vieron? Hugo: Pocas veces ves grupos tan unidos y tan contentos como ellos, los tres grupos que tuvimos se acoplaron muy bien, míralos, se están despidiendo, están llorando, no se quieren ir.
¿Habrá oportunidad para ellos en los siguientes talleres? Priscila: Por supuesto, ellos tendrán prioridad. Podrán completar sus conocimientos y conocer otras técnicas.
EL MERCADO DE “ACTUANDO SIN ACTUAR” ES GENTE QUE YA TIENE EXPERIENCIA ASÍ COMO LA GENTE QUE ESTÁ COMENZANDO… PRISCILA ALBA Y HUGO LÓPEZ Entrevista realizada por Julieta Orduña y Miryam Almanza
En la primera semana de Agosto se llevará a cabo en Aguascalientes el Primer Festival Internacional de Actuación Actuando sin actuar, que presentará las técnicas de actuación utilizadas por los actores más reconocidos del medio nacional e internacional. A Escena tuvo la oportunidad de conversar con sus organizadores y esto fue lo que nos dijeron:
Chicos, platíquennos de este magno evento que iniciará el próximo mes… Es una semana intensiva de talleres, vienen profesores de todo el mundo, un profesor de Rusia, Aleksey Burago con la técnica de Michael Chekhov; Jason Hale de Nueva York, con la técnica de Viola Spolin; Sarah Mann con la técnica de Shakespeare in the Open Air; y un maestro de México, Rabindranath Espinosa Alarcón con la técnica de Héctor Azar. Va ser del 1 al 8 de agosto en la Hacienda Los Cuartos, la idea es que se queden hospedados toda la semana pues aparte vamos a tener actividades todas las tardes, actividades extras ya que viene un productor de Televisa México, Miguel Ángel Fox, para hablarnos sobre las series de televisión aquí en México; viene un casting de Ricardo Hernández (Mx Castings de México) en el que los alumnos realizarán un monólogo, aparte el maestro Francisco Cabrera, de aquí de Aguascalientes, estará también para darnos algo de baile. La maestra Adriana Portillo, del CEA Televisa México, también estará para darnos la clase de expresión verbal. Todo esto tiene un costo de $4,500.00 e incluye todo, hospedaje, comidas y todas las clases de la técnica elegida.
¿A quién están enfocados dichos talleres? ¿A alumnos con experiencia en actuación o a público en general? De hecho, el mercado de “Actuando sin Actuar” es tanto la gente que ya tiene experiencia como la gente que está comenzando. Las clases están diseñadas para ambos y ahora sí que dependerá de cada participante qué tanto jugo le saque a cada profesor. En cuanto a los profesores extras que vienen en la tarde, dependerá del estudiante el acercamiento que tenga con ellos, viene un casting y es una buena oportunidad para alguien que estudia teatro el tener un acercamiento con este tipo de personas que manejan el medio en México, desde dejarles sus currículum hasta entrevistarse con ellos para que tengan un buen contacto ya dentro del medio nacional. El requisito es ser mayores de 18 años. Cuando finalice el taller internacional, ¿habrá alguna función especial para mostrar lo aprendido? Sí, nos vamos a ir al Teatro Víctor Sandoval, va a estar el gobernador del Estado, el director del Instituto Cultural de Aguascalientes, y cada grupo nos va a presentar algo, ya sea una obra o una clase muestra. Todo esto será el sábado 7 de agosto y estará abierto a todo público.
¿Por qué elegir Aguascalientes para traer este proyecto internacional? Nosotros somos originarios de aquí de Aguascalientes y qué mejor que empezar el Primer Festival Internacional en este estado. La idea es cambiar de sede cada año. Ya tenemos algunas buenas ideas para el segundo festival, quisimos traer a Aguascalientes algo de talla internacional y después llevarlo a varios estados de la República.
¿Hay algún plan de pago para los interesados? Sí, los participantes pueden reservar su lugar pagando $1,000 y lo demás lo pueden pagar hasta el 15 de julio que es cuando cerramos inscripciones, incluso va depender de la demanda que tengamos si se amplía el plazo. Una vez apartando su lugar, el participante tiene la oportunidad de ir pagando como pueda. Hay quienes cada semana nos depositan desde $200 o $300 hasta que liquidan el taller. Tenemos incluso dentro del presupuesto algunas becas del 50% para aquellas personas que demuestren que las necesitan. Lo único que tienen que hacer es mandar su currículum a nuestro correo, contacto@actuandosinactuar.com, junto con una carta en la que explique el porqué necesita una beca, y se les evalúa y entrega una respuesta.
¿Van a obtener algún documento con valor curricular? Por supuesto, se les otorgará un reconocimiento que podrán validar como una materia de su carrera. Los invitamos a visitar nuestra página, www.actuandosinactuar.com , ahí podrán encontrar más información de los profesores, las descripciones de las técnicas que van a dar, y encontrarán también el correo y teléfonos de contacto para cualquier duda o aclaración.
Muchachos, ¿cómo le hicieron para poder contar con estos maestros? Nosotros estudiamos actuación en Londres y Nueva York, y fue a través de nuestra escuela que se dieron los contactos.
Muchas felicidades por este proyecto.
TENEMOS LA ENCOMIENDA Y LA NECESIDAD DE QUE “EL DESEO” SEA MUCHO MÁS VIVO... GERARDO DANIEL Por Julieta Orduña Por tercero ocasión vuelve El deseo , original de Víctor Hugo Rascón Banda, dirección de Marcela Morán y producción de Om Dam Producciones, a cargo de Gerardo Daniel quien, en entrevista con A Escena, comenta el proceso de este montaje que ahora estará en el Foro Tercera Llamada:
¿Inicias con la tercera temporada? Sí, vamos estar en el Foro Tercera Llamada del 15 de julio al 22 de agosto, de jueves a sábados, en el foro “Háblame con los ojos”.
Se adaptó la obra a un espacio más pequeño después de estar en el Teatro Morelos… Sí, aquí lo bueno es que la energía se comprime muchísimo y eso hace más delicado el trabajo porque al tener un espacio más pequeño, la energía debe ser mucho más moderada y a la vez lo convierte en algo muy fuerte, es como una olla de presión.
¿Y por qué le apuestas tú, como productor, a reponer El Deseo ? Me sorprende cómo la gente se conmueve y me llama la atención cómo en las dos temporadas anteriores, de cuatro días cada temporada y con poca difusión, fue el boca a boca lo que hizo que la gente acudiera y las funciones estuvieran casi llenas. Uno como actor siente la conexión con el público. Cuando me plantee montar “El Deseo” desde la producción, me gustó la idea porque habla sobre el miedo que nos da una pérdida y todo lo que provoca al perder a alguien a quien amas. En el caso del personaje de Susana, es una postura muy vulnerable, porque es una etapa complicada de la mujer. Ella tiene 55 años y siente que está perdiendo cosas de su vida como el deseo, y no es lo banal y la atracción sexual sino desde lo que implica sentirse amada.
¿Cuál será el cambio en esta nueva temporada? Mira, lo más delicioso del remontaje es hablar de “El Deseo” a través de los cambios que como elenco tenemos, es decir, sorprenden los cambios internos que hemos tenido a lo largo de un año. La experiencia de vida con el abordaje de un personaje ya construido es como reencontrarse con un amigo, con una pareja y ver los cambios que hay.
¿Y tu relación actoral con la protagonista en los ensayos? Este reencuentro ha sido demasiado caliente, en el sentido de lo que está pasando en los ensayos, la vulnerabilidad con la que nos estamos topando y el momento que es muy delicado a nivel social. El reencuentro está siendo fuertísimo y provocativo, por lo tanto, tenemos la encomienda y la necesidad de que “El Deseo” sea mucho más vivo.
¿Pretenden llegar a las 50 funciones? Sí, en este momento la obra tiene 16 funciones y pretendemos llegar a las 50. Esta vez el cupo es limitado, serán 70 personas por función.
¿Sería la última producción de Om Dam este año? Vienen dos proyectos más, uno para octubre y otro para diciembre. Obra: Querido Diego, te abraza Quiela… ANA BERTHA CRUCES
Ahora en A Escena: Entrevistas en audio! Utiliza el reproductor para escuchar la entrevista.
PARECIERA QUE PARA SENTIR MÁS HAY QUE CERRAR LOS OJOS; ASÍ OYES MEJOR, OLFATEAS MEJOR… PABLO MORENO Por Miryam Almanza y Zenaido Muñoz
Hace algunos días estuvo de visita en Aguascalientes el grupo de teatro Carlos Ancira, de Puebla; y su director, Pablo Moreno conversó con A Escena sobre la presentación que él y su grupo hicieron de la obra La casa de los deseos, trabajo que expone cómo sería la experiencia de vivir en un circo sin el sentido de la vista.
Pablo, cómo se sienten después de haber trabajado para la gente de Aguascalientes… Muy bien, estuvo maratónico pero fue “padre”.
Es un esfuerzo sobrehumano el que hacen ustedes porque trabajan el doble para dar a entender todo el concepto de su obra a la gente que sí ve… Sí, nosotros lo hacemos así. Pareciera que cuando la gente cierra los ojos como que percibe más, pero la verdad es que nosotros la pasamos como si ellos la estuvieran viendo. Tal vez los sonidos, la información y todo hiciera parecer que la trabajas diferente pero no es así. ¡Claro! La energía del teatro es muy diferente a la cotidiana sin embargo, trabajamos lo mismo que lo que cualquiera de nosotros trabaja en otra obra. Pareciera que para sentir más hay que cerrar los ojos, oyes mejor, olfateas mejor. Por ejemplo, al llegar aquí y usar la vista, no percibes los aromas, en cambio, si cierras los ojos sabes que huele a palomitas, aserrín, a león, a cirquero (risas). Parece mentira pero cuando cierras los ojos comienzas a utilizar más tus otros sentidos.
Maricarmen, en tu caso, como persona con ceguera, ¿Cuánto tiempo tienes participando con ellos y cómo te has sentido? Pablo me invitó desde hace tres años más o menos. Justo cuando comenzaban con la obra la vi, en aquel entonces yo era débil visual, ahora ya soy ciega, y nunca pensé que yo iba a participar. Ha sido una experiencia maravillosa. Yo lo hago muy feliz porque además es parte de la concientización que hay que hacer para que la gente entienda a otras personas como yo. Por eso es que con mucho gusto estoy aquí.
Y para el resto del reparto ¿Qué ha sido el convivir con gente que es débil visual o completamente ciega, además de la gente que sí ve? Malabarista: Hace diez años que yo entré a “La Casa de los deseos” y mi primer viaje fue aquí a Aguascalientes, y ahora que regreso tengo una emotividad increíble. Trabajar con gente ciega es una experiencia maravillosa. Nosotros creemos que la función la hace la gente, no nosotros, porque si ustedes vieran lo que está pasando depende muchísimo del público lo que nosotros tenemos que hacer. Ellos hacen la función, nos hacen reír, nos hacen llorar, pareciera que es al revés porque nosotros tenemos que estar al pendiente de todos ellos. Es muy gozoso, se disfruta mucho como actriz porque nunca tienes la posibilidad de tener contacto con la gente ya que ellos están siempre en la cuarta pared y aquí los puedes tocar. Es más vivencial.
Pablo, ¿A qué otras ciudades van? Tenemos once años ya con esto y prácticamente hemos visto toda la República Mexicana, centro y Sudamérica, Europa, Taiwán, Israel, Estados Unidos, y la verdad es que siempre ha sido muy interesante y enriquecedor para nosotros. Tenemos próximamente una gira por la zona centro, Puebla, Tlaxcala, Distrito Federal, Estado de México, Oaxaca, Guerrero, Hidalgo, estamos amarrando más fechas. Queremos animar a la Lic. Martha para que nos vuelva a invitar (risas). Estamos bien contentos, hace ya diez años que venimos a Aguascalientes, cuando la obra estaba recién estrenada, por lo que es muy grato para nosotros estar otra vez aquí. La gente que acudió a esta función fue muy cálida, aunque un poco difícil porque estaban muy “participativos” y eso nos costó el control ya que estaban algo distraídos y no nos dejaban trabajar. Algo así nos sucedió en Monterrey pero con gente ciega, porque hacíamos algo en el escenario y la gente aplaudía inmediatamente, y aún sin haber hecho nada, comenzaban a aplaudir otra vez y no nos dejaban trabajar, nos interrumpían. Aquí en Aguascalientes, en especial en esta función, la gente estuvo “muuuuuy participativa” (risas).
¿El grupo lo formaron cuando todavía vivía el maestro Carlos Ancira? No, él ya había fallecido. Él fue mi maestro, y cuando murió recién estaba yo integrando el grupo con unos amigos. El primer montaje que hicimos fue “El Quijote” con títeres. En 1990 fundamos el grupo y seis meses antes el maestro ya había muerto de cáncer de pulmón. Recuerdo que estaba muy contento porque después de una operación nos enseñó su cicatriz y decía que ya iba saliendo de eso, pero seguía fumando. Le quitaron un nódulo del pulmón y después falleció. Después hablé con mis compañeros y les dije que me encantaría que el grupo llevara el nombre del maestro y así fue. Carina Dupré nos invitó después a participar en el programa llamado “Operación Arcoiris”, dirigido a niños con cáncer en etapa terminal, el que ahora se llama “Sonreissste”, y eso también va para el maestro.
Muchachos, muchas gracias por la entrevista.
TRATAMOS DE APOYAR TODOS LOS TRABAJOS LOCALES PERO TAMBIÉN NECESITAMOS ESTE TIPO DE INICIATIVAS… MARTHA MEDINA Por Miryam Almanza
Después de la función de La casa de los deseos, también tuvimos la oportunidad de platicar con la licenciada Martha Medina, titular del Programa de Desarrollo Cultural para la Atención de Públicos Específicos, quien se encargó de traer al grupo Carlos Ancira a Aguascalientes…
Así es, aquí trabajamos de manera bipartita, es decir, Instituto Cultural de Aguascalientes-CONACULTA, y por parte de estos últimos nos proporcionaron un directorio en donde vienen este tipo de trabajos, trabajos especializados, profesionales. A nosotros nos interesó traer “La casa de los deseos” para sensibilizar sobre todo a la gente de teatro para que hagan este tipo de montajes. Por supuesto, nosotros tratamos de apoyar todos los trabajos locales pero también necesitamos de este tipo de iniciativas, que nos parecen muy buenas y que han dado muy buen resultado como en las tres presentaciones que se dieron el día de hoy.
¿Este trabajo se dio también en coordinación con el DIF? Así es, nosotros nos enlazamos con la gente del DIF porque ellos trabajan con este tipo de público, tienen un directorio con los datos de diferentes asociaciones especializadas.
Ustedes, ¿Qué otros proyectos tienen en puerta? Ahorita tenemos cerrados ya diez proyectos para públicos específicos o con discapacidad. Todavía está pendiente Art21, arte accesible para público con síndrome de Down; sigue vigente el pabellón del arte que ofrece arte-terapia para público con discapacidad intelectual y motriz, y seguimos trabajando con el CRIT Aguascalientes, con Desarrollo Familiar y Casa DIF, Casa Club y muchas instancias más con las que estamos llevando a cabo este tipo de proyectos.
Imagino que tú, como persona, debes sentir que tienes una labor excepcional en este trabajo… Sí, la verdad es una satisfacción ver que la gente se lleva el aprendizaje que podemos poner en práctica, especialmente los valores ya que perdemos un poco la sensibilidad. Es nuestra labor acercar a este tipo de públicos especiales a socializar con el público en general.
Martha, mucha felicidades.
QUEREMOS RECORDARLE A LA SOCIEDAD CUÁLES SON NUESTRAS RAÍCES… KARLA MUÑOZ Por Miryam Almanza
Dentro del programa cultural que promueve el ISSSTE por toda la República Mexicana, hay un montaje llamado Camino hacia la libertad, el Bicentenario, dirigido por Alejandro Medina. Ellos hicieron una presentación especial en nuestra ciudad y conversamos con parte del reparto de este magnífico trabajo, mezcla de música, baile, canto y hasta una que otra chispa de comedia.
Muchachos, cómo están… Actor: Muy bien, muchas gracias. Muy contentos por este público tan maravilloso.
Platíquennos de este proyecto, cómo surge… Karla Muñoz: Nosotros venimos de la Ciudad de México y el proyecto nace a raíz de los festejos del Bicentenario. Queremos recordarle a la sociedad cuáles son nuestras raíces, cuál fue el proceso de la Independencia y el proceso de la Revolución, porque en realidad no se conoce, sabemos del resultado de cada movimiento pero no el proceso, y creemos que es importante recordar a todas esas personas que nos llevaron a lo que somos hoy.
¿Cuánto tiempo tienen trabajando el proyecto? Actores: Desde el año pasado iniciamos con la investigación acerca de toda la historia de estos dos periodos de la historia de México, y a principios de este año comenzó el montaje y las funciones.
¿Lo presentarán todo este año? Actores: Sí, y tal vez hasta el próximo.
¿Cómo es que se dio el contacto con el ISSSTE para sus presentaciones? Actores: Alejandro Medina ya tiene mucho tiempo trabajando con ellos, les hemos llevado muchas cosas como leyendas mexicanas, teatro clásico, teatro infantil, y de ahí es que nace esto del Bicentenario.
¿Cuál ha sido su experiencia al trabajar con él? Actores: Alejandro tiene muchos años produciendo, tiene mucha experiencia, para nosotros es un placer trabajar con él en una gira que pinta muy bien, ya tenemos fechas por todo el país ya que conoce muy bien el mercado pues se dedica tanto a la comedia y al teatro infantil como a este tipo de teatro, pues ya conoce muy bien. Es un placer trabajar con él, es gente que sabe moverse, sabe hacia dónde va. Además hacemos muy buen equipo, nos llevamos muy bien, nos dice lo que quiere y nosotros lo hacemos. Congeniamos muy bien. Nos da mucha libertad en este tipo de trabajo.
¿Cómo vieron la respuesta del público? En especial de los niños… Actores: Fue maravilloso, la energía que se sintió aquí en el teatro fue enriquecedora para nosotros, creo que vivieron la historia y eso para nosotros, como actores, nos enriquece muchísimo porque el proceso de creación de un personaje es llevar a un ser humano a escena y que el público lo entienda como tal entonces la reacción fue muy buena. Karla Muñoz: Aparte, es difícil que los pequeños estén tan atentos a la historia cuando son cosas que ellos no tienen mucha idea y sin embargo; estuvieron muy atentos, se reían con los chistes que dijimos en escena, les llamó la atención el baile, imagino que les dejamos mucho a la reflexión y esperamos que se hayan ido con una idea enriquecedora de lo que es nuestra tradición mexicana. Actores: Como actor, es un reto atrapar a ese tipo público porque son muy dispersos, entonces es un compromiso mayor porque les estamos transmitiendo parte de la historia de México y podemos caer en el aburrimiento. Si no está bien contada o no está la esencia o la verdad en el escenario pues se pierde la atención. Se siente cuando están atentos, en silencio, expectantes. Eso es una satisfacción para nosotros.
Llama la atención que es un montaje en el que mezclan danza, canto, actuación, para hacerlo más atractivo, un espectáculo más completo… Karla Muñoz: Esa es otra de las cosas que tiene el señor Alejandro Medina, que no sólo trabajamos actores con él sino también bailarines, cantantes, músicos; es un grupo amplio y al mismo tiempo interdisciplinario, busca que seamos personas completas en el sentido artístico.
Para terminar, qué otras ciudades van a visitar… Actores: Viene Colima, Tlaxcala, Querétaro, son varias y por todo el año. Cada vez salen más.
Muchas felicidades para ustedes muchachos, y lleven un saludo y una felicitación también a su director de parte del público de Aguascalientes.
LA OBRA SE DESARROLLA EN ESTADOS UNIDOS Y NO EN MÉXICO PORQUE EN ESTE PAÍS UN JUICIO DE ESTA NATURALEZA NO PROCEDE… MARÍA LUISA MEDINA Por Sylvia Ríos y Julieta Orduña Fotografía Miryam Almanza
Las diferencias sexuales, la no tolerancia, el abuso de los medios, la justicia, todo esto y más son algunos detonantes que se involucran en la obra Tren nocturno a Georgia , de María Luisa Medina, dirección de Juan Manuel Bárcenas. En entrevista con A Escena, autora y director nos dan sus opiniones acerca de este montaje que llamó la atención del público de Aguascalientes.
Una propuesta contemporánea maestra, ¿Qué quiso decirle al público? En realidad uno como creativo no siempre estamos para decir algo más, esta obra la escribí hace 20 años pasando por una crisis emocional y más bien la escribo para ver mis deseos adquiridos, mis fantasías. Al final de cuentas es una obra que ha resistido veinte años y está escrita desde el fondo de mis entrañas y mi propósito no fue decir algo finalmente nos dice que hay otras formas de ser y hay que respetarlas y convivir con ellas.
En el fondo veo que es la cuestión de la intimidad, de la naturaleza de cada persona pero que traspasa al ámbito público y ahí rompe el respeto de la no tolerancia y esto está vigente y veo cada personaje muy bien delineado, ¿Cómo vio la función, a los actores? En términos generales me gusta, me parece que es una lectura muy interesante por parte de Juan Manuel Bárcenas, resolvió muchas cosas que tenía la obra, en los personajes, la escenografía y el piano. Lo resolvió con intenciones muy al interior de los personajes, con movimientos que apuntan y ayudan. Hay momentos muy logrados por parte de los actores, pero también muchos que no son tan logrados y eso pasa en cualquier puesta en escena, yo creo que con el tiempo van ir saliendo muchas emociones que por los nervios se quedan ahí.
¿Y qué hay acerca del personaje de la estudiante? La obra queda en suspenso, la doctora se va con ella o no. Es un personaje que se redime al final pero que cinco años atrás le da en la torre a la maestra. Es un personaje al que yo amo entrañablemente
¿Y acerca del vestuario, la obra está situada en la época actual, porque pareciera otra época? En realidad la obra está escrita para época actual pero en México uno de los montajes que se hizo, la adaptaron en los años 70, otros en los años 50 pero tienes razón la obra da la sensación que no es en época actual. Aunque en el texto yo no pido una época específica ya es visión del director. Es importante decir por qué la obra se desarrolla en Estados Unidos y no en México, por qué en este país un juicio de esta naturaleza no procede, ya vemos el caso de la niña Paulette, en México la doctora se va de la escuela, le dan su dinero y adiós; en cambio en Estados Unidos sí se han dado juicios de esta naturaleza por eso la desarrollo en ese país.
¿Y la reacción del público al ver esta obra no sólo aquí en Aguascalientes sino en otros lugares? Es muy buena, inclusive se hizo una versión teatro de medianoche y tuvo buena recepción, a la gente le gusta la obra. Yo soy la primera sorprendida porque tengo muchas otras obras y generalmente las que les gusta es ésta, y les dijo “ya cámbienle”.
Es maravilloso maestra que esté aquí, ya que en ocasiones hay estrenos y la mayoría de las veces no vienen los autores y es sumamente importante que esté el autor viendo su obra… Para mí fue muy enriquecedor y emocionante que Juan Manuel me mandara un correo y me dijera que había la posibilidad de que yo viniera y estar aquí esta noche es un deleite infinito
POR LO MENOS, CUANDO SE MONTE UNA OBRA HAY QUE AVISARLE A LOS AUTORES… JUAN MANUEL BÁRCENAS Por Julieta Orduña Fotografía Miryam Almanza
Tus primeras impresiones, sobre todo porque está la autora presente en el estreno… Habíamos dicho en el Encuentro de Dramaturgos que por lo menos cuando se monte una obra hay que avisar a los autores, platicaba ayer con ella, mínimo eso ¿no?. Esta obra la han montado en muchos lugares y se ha enterado y no la han invitado. Yo opino que por lo menos esté enterado el autor.
En charla con ella, comentaba que estaba satisfecha de lo visto en el montaje, el cual es muy demandado por los directores, ¿a ti por qué te interesó? Te voy a contar la anécdota hace como tres años, yo le dije a la actriz Marcela Morán, tú deberías ser Samantha y después me dice “sí quiero ser Samantha” pero quiero que tú la dirijas y de ahí surgió todo. El contacto con la autora fue en Internet, este medio es maravilloso porque nos hemos contactado con mucha gente.
Entonces, ¿Habías visto esta obra o solamente la leíste? No la había visto, no tuve ningún contacto con otro montaje. Hice algunos cambios que creo no le molestaron, cambié un piano por un chelo y otros personajes que ella sugería meter en diapositivas pero me comentó que estaba satisfecha.
¿Cómo te sentiste con el reparto? A mí me encantó el reparto, era un duelo de actuaciones entre todos. Estoy satisfecho con lo que se estrenó hoy, yo particularmente estaba muy nervioso pero estoy contento.
¿Por qué elegiste la Puga? ¿Por ser un espacio intimista? No, cuando acepto montar Tren nocturno a Giorgia, mi primer contacto fue lo voy a dirigir en teatro arena y entonces estuve viendo lo espacios posibles pero creo que éste es el que más se presta.
BUSCAMOS UNA ASOCIACIÓN Y DONAMOS PARTE DE LOS BOLETOS… CHRISTIAN Por Julieta Orduña y Miryam Almanza
Con motivo del fin de curso se presentó, en el mes de mayo, una compañía Homero Producciones, cuyo fin es organizar a grupos de secundaria y preparatoria por lo que cada año montan espectáculos musicales (baile y actuación). Una de sus prioridades es donar parte de las ganancias a la beneficencia pública, en este año lo recaudado se destinó a los enfermos del hospital Hidalgo.
¿Cómo se llama el grupo ? Revista Musical y la empresa es Homero Producciones. Es una revista de secundarias, ya tenemos tres años haciéndolo y con cinco puestas en escena.
¿Qué secundarias participan? Son de varias escuelas, El Alpes, El Marista, El Triana, de repente hay niñas de El Bosque, de El Cristóbal. Yo no voy a las escuelas a invitarlas sino que ellas mismas se enteran de lo que hacemos y llevan a sus amigas y van formando su grupo y nosotros las organizamos.
¿Son sketchs musicales? Si, son originales los sketchs, son cortos, algunas veces han sido obras completas. Los que presentamos en esta ocasión se llaman El camerino, Vieja vieja, El salón de clases. Los sketchs son acompañados de bailes de los 70´s y de comedia musical.
¿Y durante cuánto tiempo están trabajando en cada espectáculo? De septiembre a mayo. Este es el cierre, las veces pasadas hacemos las funciones y buscamos una asociación para donar parte de los boletos y ayudamos a la gente necesitadas, ahorita estamos aportando algo para los enfermos del hospital Hidalgo. Los niños venden los boletos y nosotros somos los directores, Homero Domínguez es el director general y el productor y yo soy su asistente.
¿Se cuenta también con una producción de vestuario? Sí, los vestuarios se diseñan conforme a la música, hay vaqueros, hay 70´s y música moderna. Tengo niñas desde seis años hasta secundaria, además otro grupo de preparatoria, ellos se presentaron en marzo.
¿Les interesa a los jóvenes hacer teatro musical? Si les gusta mucho, primero vienen con los amigos y después se animan unos a otros, les gusta convivir.
¿Bailan y actúan? El grosor es el baile, los actores son pocos.
¿Cuando se termina la función, los jóvenes retoman nuevamente los ensayos para el próximo montaje? En mayo acabamos con ellos ya que en junio son exámenes y julio vacaciones y empezamos el ciclo en septiembre; en ese periodo ellos deciden si se quedan o se van. Tengo gente que tiene conmigo cuatro años bailando, por lo regular se van reciclando.
Ante todo es una labor altruista . Si después de los gastos generados que es la renta del teatro y la escenografía. A veces contratamos un actor profesional para que vaya guiando a los niños.
SOR JUANA NO TIENE EDAD, NI CADUCIDAD, ESA ES UNA VENTAJA… ALMA MURIELPor Miryam Almanza
Hay ocasiones que es tanto el trabajo periodístico que a veces quedan cosas en el tintero, cosas valiosísimas y que por su importancia, no podemos dejar de reproducir para ustedes. A Escena tuvo una conversación breve con la actriz Alma Muriel, después de la presentación de su trabajo más reciente, Por ti… Sor Juana, que estuvo en Aguascalientes hace algunas semanas. Esto fue lo que nos dijo:
Alma, cómo sentiste al público de Aguascalientes… Maravilloso, cálido, comprometido, respetuoso. Bien, como debe ser un público de teatro. Muy dispuestos a escuchar a Sor Juana.
¿Cómo nació este proyecto? Esto tiene una larga historia, hace como catorce o quince años hice un montaje sobre Sor Juana, algo más grande que éste, sobre la respuesta a Sor Filotea de la Cruz. El problema es que la nómina era muy cara, éramos muchos actores y yo no tenía productor, entonces tuvimos que terminarlo. La experiencia fue maravillosa, en el Teatro Insurgentes fue la primera vez que se presentó Sor Juana y nos fue muy bien.
Posteriormente me integro al programa del maestro Andrés Torres, de Difusión Cultural de Bellas Artes, Leo… luego existo, que es a nivel República Mexicana. Yo venía de leer la poesía erótica de Griselda Álvarez. En una de esas participaciones me pidió que hiciera algo sobre Sor Juana y yo le dije que no iba sólo a leer. Él me sugirió adaptar el espectáculo que ya tenía a su programa. Me dejó con la espinita y empiezo a sacar cosas, a volverme un poco loca, a crear y crear y así fue como en cinco días quedó listo Por ti… Sor Juana. Ha sufrido cambios, por supuesto, porque yo quería llevarle un regalo al público en agradecimiento, darles algo muy mío y salió.
Maestra, ¿Cuál cree que sea el papel que hoy desempeña una mujer de teatro? Después de 300 años y con lo que representa Sor Juana para la mujer de hoy... Creo que está mejor que nunca porque cada vez somos más y tenemos apoyo de las instituciones. Yo tengo el apoyo de CONACULTA y del Instituto Nacional de la Mujer desde el año pasado, es ya la segunda gira que nos aventamos y ahí vamos. Ya voy a cumplir dos años con él.
¿Cómo se hace para que los jóvenes vean estos textos con más profundidad y no sólo como letras antiguas y aburridas? Fórmula para eso no hay, es un esfuerzo conjunto entre familia y escuela. Afortunadamente Sor Juana no tiene edad, no tiene caducidad y eso es una ventaja. Hemos hecho mucha labor con los estudiantes y en una ocasión les dije: para que vean que el español es mucho más rico que el “sí guey, no guey”, y afortunadamente el espectáculo les gustó, se divirtieron mucho. Con ellos interrumpo, me detengo, bajo del escenario, hago lo que sea para empatizar con el público.
Maestra, ¿cómo han sido 42 años de carrera artística? Fácil, difícil… Han sido dificilísimos, no es la vida que elegí, yo no la elegí pero le entré, he sido muy valiente y muy terca.
¿Qué proyectos tiene en puerta? Sigo con Sor Juana y probablemente grabe una serie para la televisión, y proyectos de teatro, no sé, ahorita estoy buscando más cosas por hacer, a ver qué pasa.
EL TEATRO ES SENCILLO, COMPROMETIDO, COTIDIANO, COLECTIVO, COMUNITARIO, DE LUCHA, REVOLUCIONARIO INCLUSIVE… ENRIQUE CISNEROSPor Miryam Almanza
El grupo Lotería Teatro develó la placa por las 56 representaciones de la obra Mitote de calaveras y uno de sus padrinos, Enrique Cisneros, el llanero solitito, uno de los más comprometidos impulsores del teatro popular en México, nos concedió una entrevista minutos antes de comenzar la función.
Maestro, de visita en Aguascalientes en una ocasión muy especial… Bueno, dando una vuelta por estos lugares, con la gente que le gusta transformar de raíz a la sociedad.
¿Qué significa para usted ser invitado a esta develación? Primero que nada, no me gustan las develaciones, ni este tipo de eventos. Por lo regular no voy pero esta ocasión es especial por un grupo como Lotería Teatro, un grupo que tiene constancia y tiene consecuencia como ellos, además de que nos conocemos. Somos amigos no porque nos hayamos conocido en una cantina sino porque nos hemos encontrado en las calles, haciendo teatro, y por eso vale la pena echarse la escapada. Termina el evento y me regreso en la noche.
El mérito también por hacer teatro de calle, uno de los géneros más difíciles… Lo que define al teatro no es que lo hagas en la calle o en la sala, pero en nuestro país sí lo define porque en las salas no está quien debería ver el teatro que ellos y nosotros hacemos. Decía Bertolt Brecht que no solamente hay que convertir el arte en un arma sino que también hay que ponerlo en las manos de quien quiera usarla. Hay que rescatar toda la fuerza cultural de las calaveras, no para ponerlas en las manos de algunos intelectuales para que se regodeen, no tiene sentido; hay que ponerla en manos de la gente para que adquiera conciencia de nuestros valores, desde la parte indígena hasta nuestra cotidianeidad. Las calaveras de Posada, en términos gráficos, y los versos que las acompañaban, como los del poeta Crescencio Suárez, son toda una recuperación histórica de nuestra concepción de la muerte. Cuando Crescencio Suárez dice: “es calavera el inglés, es calavera el italiano, lo mismo Maximiliano y el pontífice romano. Reyes, duques, concejales y el jefe de la Nación, en la tumba todos son iguales, calaveras del montón”. Que esto lo recupere teatralmente un grupo de Aguascalientes y lo lleve a las calles es sumamente importante.
¿Es lo mismo el teatro de la calle que el teatro popular? En esto hay una gran serie de discusiones porque he visto cosas en la calle que, para mí, son verdaderas fumadas. Ahora que está de moda en Europa hacer teatro en las calles y sacar una muñeca gigante con un elefante que lo manejan unas 20 personas, y ahí va caminando por las calles y juntando mucha gente, y te dicen que eso es teatro popular o teatro callejero. El teatro es sencillo, comprometido, cotidiano, colectivo, comunitario, de lucha, revolucionario inclusive. Es un teatro que puede hacer cualquiera sin necesidad de tener toda esa infraestructura y que retoma los temas que son de necesidad para la gente. Ellos no sólo se quieren comunicar sino también reflexionar e intercambiar puntos de vista distintos a los que los medios de comunicación difunden y que por lo regular te llevan siempre a la mediocridad. El teatro popular puede hacerse en la calle o en una sala, solo que cuando la gente está en la calle es más probable que vayas a encontrar un teatro verdaderamente popular, sin embargo, hoy otras cosas que también se presentan ahí y distan mucho de ser populares. Están los tradicionales festivales de música con mariachis cantando que con dinero y sin dinero sigue siendo el rey, y no tiene absolutamente nada de popular en términos de compromiso social sino que ese tipo de manifestaciones llevan a la conformidad de la gente.
Para terminar, ¿cómo ve el teatro a nivel nacional? Siempre escucho que los que están metidos en las salas se quejan de que el teatro se muere y que no hay público. En el CLETA, desde 1973, no nos quejamos ni por falta de público o comprensión, falta de recursos la tenemos pero buscamos la manera de superar los problemas y creo que ahora, más que nunca, el teatro, al que yo le llamaría teatro vivo está en un momento de repunte junto con las luchas del Sindicado Mexicano de Electricistas, con los de Atenco y todas las demás que hay, ahí sí vamos a encontrar teatro, al que luego le llaman performance por no decir panfletos, pero te encuentras manifestaciones de altísima calidad artística como la del grupo Lotería Teatro.
Maestro, unas palabras para los muchachos por la develación de su placa… Mira, creo que más de lo que ya les he dicho, de lo que hemos conversado entre nosotros, de lo que nos hemos peleado sobre lo estético y demás, sólo les ofrezco una leve inclinación de cabeza y un guiño del ojo por saber resistir en un lugar tan difícil como Aguascalientes. A mí me resulta impresionante llegar aquí y ver la estatua del Papa cuando fue el principal defensor del Maciel. Eso refleja en qué ciudad tienes que hacer tu teatro o en qué contexto histórico y eso lo hace tremendamente difícil. Les dejo también un saludo para la gente escucha su programa, que viva el teatro y que viva la revolución.
¿Veremos próximamente algún trabajo de usted, aquí en Aguascalientes? Yo espero que sí, cada año organizamos en Guanajuato el CLETA callejero y el año pasado trajimos varios grupos de otros países así que vamos a ver si podemos ponernos de acuerdo con algunos de ellos para que se den una escapada para acá, estamos muy cerca.
ESTAMOS PREPARÁNDONOS PARA HACER CADA VEZ MEJOR LAS COSAS… MARTÍN LAYUNEPor Miryam Almanza
En la develación de la placa de Mitote de calaveras conversamos también con el director del grupo Lotería Teatro, Martín Layune, sobre este festejo:
Martín, están festejando las 56 representaciones de tu obra, ¿cómo estás? Muy bien, muchas gracias. Siento mucho gusto y a la vez nostalgia porque tal vez esta sea la última función, no estamos seguros porque queremos darle paso a nuevos proyectos y no quedarnos en algo que ya cumplió un ciclo y que nos sirve de apoyo para las nuevas cosas que vengan.
Estás aquí con tu grupo y con los invitados especiales que te acompañan, ¿estás emocionado? Siento un orgullo muy grande de que Rogelio Guerra y Enrique Cisneros reconozcan nuestra labor y que para ellos también represente algo especial por el teatro que se hace en Aguascalientes. El hecho de que viniera Enrique desde el D.F. únicamente a la develación es un motivo de gran orgullo porque es una persona que siempre anda ocupada en muchas cosas. Rogelio también tiene otras ocupaciones ahora un poco alejadas del teatro pero también, aquí está. Que acepten ellos asistir a nuestras funciones y seguir nuestras ideas locas dándonos su respaldo es de mucho gusto.
¿Qué viene para Lotería Teatro? Espero que sean muchas cosas nuevas y que las que ya tenemos se consoliden, que se puedan mejorar los trabajos en muchos aspectos: la ejecución actoral, la música, la dirección escénica. Estamos preparándonos para hacer cada vez mejor las cosas. Queremos aprovechar todos los recursos de un espacio cerrado y de un espacio abierto y la experiencia que vamos acumulando que nos sirva también de apoyo para atraer más público, especialmente el de nuestro Estado porque creo que hay que hacer más labor local.
¿Continúa Lotería Teatro sólo con teatro de calle? O abordarán otros géneros… Tenemos otros proyectos. Como también ya hemos hecho teatro para niños, títeres, hay algunas cosas que se están cocinando, hay un proyecto de teatro de sala muy al estilo clásico y diferente a lo que la gente conoce de nosotros en la calle. Lo de los niños queremos prepararlo muy completo para fin de año o principios del otro, es algo especial sobre la obra de “Falsa crónica de Juana la Loca”, que dirigirá Juan Manuel Bárcenas, y ahí se involucra todo el grupo y actores invitados, con todos los requerimientos que implica una sala y el formalismo de un espacio cerrado. Será una nueva experiencia como grupo. Espero que funcione y que le guste a la gente.
AHORA ES MUY DIFÍCIL QUE LOS JÓVENES LEAN COSAS QUE PARA ELLOS SON COMPLICADAS, COMO LA CONSTRUCCIÓN LITERARIA DE UNA OBRA… OMAR PACHECOPor Miryam Almanza a
La Escuela de Teatro Fernando Wagner tiene dos montajes en temporada, Pecado en la isla de las cabras, que está por develar la placa de las 50 representaciones; y Los cuervos están de luto, recién estrenada. Después de estar en la presentación de esta última, conversamos con Omar Pacheco, director tanto de la escuela como de ambos trabajos, y esto es lo que nos comentó:
Omar, tienes dos temporadas simultáneas de teatro, ¿cómo te sientes por esto? Muy contento, estamos haciendo lo que nos gusta para que vean que sí lo sabemos hacer y pues estamos muy activos porque termina la segunda temporada de “Pecado en la isla de las cabras” con 50 representaciones, misma que remontaremos después porque hay otra sorpresa por ahí con otra obra que está por estrenarse, además de la de “Los cuervos están de luto”.
En esta última hay alrededor de doce jóvenes en escena, nuevos talentos, ¿cómo ves su trabajo? Estoy muy contento con ellos porque a pesar de que algunos son muy jóvenes han hecho muy buen trabajo. Su acercamiento al teatro creo que es muy bueno, ellos son alumnos del taller que tenemos aquí en la escuela y entre los que están ahí arriba junto con los que estamos acá en la producción pues está creciendo el equipo. Estoy muy orgulloso.
Viene la próxima develación de una placa para Pecado en la isla de las cabras, ¿cuál dirías que fue la respuesta de la gente? En especial por lo fuerte del tema… Hubo opiniones a favor y en contra, no por la obra en sí ni por las actuaciones o producción sino por el tema, cada persona tiene su opinión y hubo a quien le pareció fuerte, duro, y salen algo conmocionados pero creo que es parte de un todo. La obra, más que ser algo morboso, tiene un mensaje sobre lo que puede estar sucediendo en este momento en cualquier lugar.
Llama la atención que ustedes están montando obras muy reconocidas, no la típica comedia de enredos, con jóvenes que tal vez tienen poco tiempo de preparación pero ya los lanzas a hacer buenas obras de teatro… Fíjate que hemos tenido muy buena respuesta en el taller que impartimos y eso nos enorgullece más porque, aunque yo estoy a cargo de ellos, también Iris Flores, la subdirectora de la escuela, está muy al tanto. Ha habido un buen acercamiento a la lectura del teatro, que es por donde hay que empezar, y tú sabes que ahora es muy difícil que los jóvenes lean cosas que para ellos son complicadas, como la construcción literaria de una obra. En mis alumnos ha nacido el gusto y eso es muy bueno.
¿Los ves muy motivados? Bastante, de hecho ahorita están preparando otro proyecto que les va a costar mucho trabajo y esperamos estrenarlo en septiembre. Es algo mucho más complicado, más ambicioso, no quiero decir el título aún pero parece que están muy motivados por hacerlo y vamos a ver qué respuesta hay. Por nuestra parte, por ahí de junio, presentaremos la obra “Pequeña historia de horror (y de amor desenfrenado)”, de Alejandro Bichir, una farsa satírica en la que actuará el elenco principal de nuestro grupo de teatro. Creo que ha habido muy buena respuesta por parte de nuestros alumnos y del público al acercarse a nuestro foro para ver teatro que comúnmente no se ve.
Qué mensaje les dejas a tus alumnos… Que le sigan, el que nació para esto después de que se sube a un escenario ya no se quiere bajar, difícilmente se va a bajar. Van entendiendo lo que hacen, analizándolo, y creo que lo están haciendo bien.
TU MONSTRUO, MI MONSTRUOPor Julieta Orduña y Sylvia Ríos Foto Miryam Almanza
Siguen los logros teatrales en este 2010 y las obras infantiles no se quedan atrás, Aguascalientes participa en un encuentro apoyado por Alas y Raíces para los Niños, Tu monstruo es mi monstruo de Carlos Güemer, puesta en escena elegida, participan niños de la Escuela Primaria Jardines de Aguascalientes. En charla con los niños, la coordinadora de Alas y Raíces, Erika Ortíz, y el autor y director Carlos Güemer nos comentan sus impresiones y como lograron llegar a obtener el primer lugar.
Los niños opinan:
Itzel Dayana Silva Cruz Llevo año y medio en el teatro. Entré porque no tenía nada que hacer en la casa. Me siento muy feliz al estar en un escenario y no me da nervios, siento como que estoy jugando, como si fuera la vida real. En esta obra ensayaba diario ya que al tener el parlamento tenemos que darnos una idea de cómo hacerlo. Me gustaría participar en otra obra. Con el montaje de Tu monstruo fue muy divertido y me enseño cosas, como por ejemplo que todos los niños deben de enfrentar su miedo.
Ernesto Zahimir Solís Rodríguez Es la primera vez que participo en un concurso de teatro y vamos a ir a Pachuca, con relación al tema, cuando era más pequeño si tenía miedo a los monstruos pero ya después me di cuenta que no existen y el mensaje que les doy a otros niños es que no tengan miedo y corran a sus monstruos para que ya no los molesten.
Acerca de la logística
Erika Ortiz, jefa del departamento de Alas y Raíces en Aguascalientes Es impresionante la diversidad de trabajos que tenemos con los directores, ellos estuvieron capacitándose a partir de diciembre. Hubo dramaturgos, escenógrafos y gente especialista, un trabajo bien fuerte desde las 8 de la mañana hasta las 9 de la noche con todos los directores seleccionados. Es muy difícil para un director que siempre ha trabajado con adultos, trabajar ahora con niños, es un tratamiento muy diferente y queremos que sea un trabajo de niños para niños y no de adultos para niños. En el caso de los niños ellos tienen mucho trabajo de colocación de voz, aunque te encuentras con niños que les hace falta más trabajo o de directores que no supieron cómo llegar con el proceso a ellos. La responsabilidad es del director, desde la dramaturgia hasta la resolución. Con relación a Tu monstruo es mi monstruo la dramaturgia es colectiva, los niños y el director la construyeron a partir de un cuento. La convocatoria es con todos los gastos pagados para los niños, para el grupo técnico y el staff a través de subsidio de Alas y Raíces.
¿Cuántos grupos van? Es un encuentro, y van de todos los estados de la República, estamos hablando de 32 grupos; por otra parte, lo que nos encantó es que hacen teatro como en los cines, consiguen un proscenio chiquito y ahí arman las torres. Hay algo muy interesante, la dramaturgia está fluida, surge de ellos la propuesta y entonces saben cómo resolver los problemas que se vayan suscitando, cada uno es solista. A mi me encantó como resolvieron la parte de los monstruos con las colchas, son recursos teatrales ya no tienes ninguna estructura telón y el caso es que a partir del actor y de los recursos que puedas tener se genera una atmósfera propia, estadios. Al final de cada puesta, de cada día, hay una junta con los directores para hablar de su proceso, hay entrevistas con los niños, hay esa apertura.
Y la dirección…
Carlos Güemer, autor y director Realmente la obra la hicieron los niños, yo lo que hice fue darle la estructura básica de las escenas y les decía “en este tema se habla de esto” y ellos lo iban improvisando. Las escenas fueron creadas entre todos por eso fue una creación colectiva basada en tres cuentos: Salvemos a nuestros monstruos, Lucy y el monstruo, Miedo el mundo de a lado, se tomaron fragmentos de los tres e hicimos un pequeño rompecabezas para crear esta obra de teatro.
¿Estos niños fueron elegidos por ti? Son niños de la escuela Jardines de Aguascalientes, yo soy maestro en el programa de educación artística de PROARTE y me tocó la suerte que en esta escuela me dejaran tres niveles y estuve hasta siete meses y al estar tanto tiempo en la escuela tuve la oportunidad de conocer bien a los niños, identificarlos fácilmente y nos ayudó un poquito que al cierre de PROARTE presentáramos una obra de teatro, en esa ocasión eran 15 niños y de esos seleccioné a seis pero al final quedaron cuatro. Son niños de la primaria.
¿Se van a Pachuca y después harán temporada en la ciudad de Aguascalientes? Ahorita no tenemos nada planeado, nuestro objetivo es irnos a Pachuca, los niños en esta segunda función estuvieron bien ya que es complicado con niños que nunca habían tenido experiencia teatral tener dos funciones seguidas y pudieron solucionar algunos detalles técnicos que existieron dentro de la obra. Yo creo que el trabajo es muy valioso tanto de ellos como del proceso que se llevó.
A ESCENA RADIOPor Miryam Almanza y Angélica Rangel
El pasado 18 de mayo el programa de A Escena se engalanó con una entrevista hecha a la primera actriz Susana Alexander, quien comentó acerca de la obra El primero, un trabajo de Israel Horovitz que se presentó el 25 de este mes en el Teatro Aguascalientes.
Sra. Susana, buenas noches, mucho gusto de tenerla en el programa de radio A Escena… No saben qué contenta estoy de poder ir a presentar “El primero” porque en Aguascalientes terminaremos esta temporada, que fue tan hermosa, de muchas cosas muy personales como reunirme con Salvador Sánchez con quien llevo 40 años de amistad y nunca habíamos estado juntos en un escenario, y esto fue maravilloso porque él está haciendo el papel de su hermano, Guillermo Gil, quien hacía el papel de Fleming, y ahora los dos estamos honrando la memoria de su hermano haciendo esto. En la vida hay pequeños recuerdos, pequeñas memorias y pequeños momentos y si va usted juntándolos, se va haciendo un rosario de felicidad.
Sra. Susana… ¿usted en qué quiere ser la primera? ¡Uy! (risas) pues en esto la competencia siempre ha sido conmigo misma, yo creo que la competencia debe ser siempre con uno. Esta obra es importante que la vea la gente se va a reír mucho, se van a divertir, de pronto se meten en la obra y para los diez minutos ya entraron en la historia y entonces todo mundo anda viendo en “cómo hacerle para que no me quiten el lugar”. Es maravilloso como la gente interactúa y lo que dice la obra es totalmente actual a pesar de que yo la hice hace 37 años. La gente se insulta, se empuja con tal de llegar a ser el primero. Ser el primero es nada más tener el poder y una vez que llegan a ser el primero cada uno de los personajes tiene una actitud y cambian, y creen que tienen el derecho de decidir por otras personas. La obra dice tantas cosas pero de una manera tan divertida, es un gran juego, lúdico.
Qué bueno que estará de nuevo en Aguascalientes después que nos quedamos con ganas de verla hace un mes… Vengo saliendo del doctor.
¿Y le dio permiso de venir? Ya pasó todo, pero es que fue terrible y estuve con mi proctólogo, que no quisiera decirle pero se llama el “culólogo” (risas) y es el que me tiene que atender a mí porque estoy operada del colón, ya no lo tengo y entonces, cuando se viene una infección se complica todo y me tomó mes y medio para poder decir “ya estoy bien”.
Nos da mucho gusto maestra, sobre todo porque va estar con nosotros el 25 de mayo con El primero … Ay si, por favor, vengan y celebren con nosotros nuestra temporada, ríanse, aplaudan y jueguen con nosotros, esteremos tan felices de estar en Aguascalientes haciendo “El Primero” y enseñándoles todo lo que se puede hacer para llegar a ser “El primero”.
Claro que sí señora, muchísimas gracias por haber estado cono nosotras aquí en A Escena y después de la obra de teatro la tendremos posteriormente con esa plática que quedó pendiente para la Universidad. Por allá nos vemos.
TENGO UNA FORMACIÓN TEATRAL, TRATO DE METERME POR TERRENOS DIFÍCILES Y NO BUSCAR EL GUIÑO FÁCIL DEL PÚBLICO… MARCELO PERALTAPor Julieta Orduña, Miryam Almanza, Sandra Sánchez y Zenaido Muñoz Fotografía: Miryam Almanza
Entre la diversidad de eventos con títeres que se presentaron en la Feria Nacional de San Marcos 2010 llegó Amoratado , de Marcelo Peralta. Desde Argentina vino a mostrar su espectáculo al Teatro Morelos y parte del equipo de A Escena conoció sus opiniones. ¿Es la primera vez que viene a Aguascalientes? Sí y espero que no sea la última.
¿Hay tradición de títeres en Argentina? Sí, sobre todo a partir del año 36 en que García Lorca visita Buenos Aires y después de sus obras de teatro, daba funciones de títeres para adultos, al mismo tiempo había un movimiento en Argentina con un titiritero llamado Javier Villapani que fue poeta también, y en los últimos ochenta años se dio una continuidad muy sólida que ha permitido una dramaturgia en teatro de títeres. Hay titiriteros de Argentina por todos lados.
¿Y acerca de su grupo? Empecé a hacer títeres en París por necesidad, estaba allá mi hermano que era titiritero, fue en la época de la dictadura en Argentina y me enseñaron a hacer títeres. A los quince días fui solo al metro haciendo funciones dentro de los vagones, el sketch de “El idiota” es una historia que nace justamente dentro del metro, entonces yo tenía 20 años. De mis títeres “El idiota” es el preferido de la mayoría porque está vivo, porque despierta diferentes sentimientos.
¿Es difícil hacer espectáculos de títeres para adultos? A mí esto es lo que más me gusta y lo que me sale más natural, y cuando tengo que trabajar para niños hay que esforzarme mucho más. Cuando uno hace un espectáculo, por ejemplo, yo me pongo en el lugar del espectador y trato de que me agrade el espectáculo como adulto, y cuando trabajo para niños me tengo que convertir en niño, es un poco más difícil.
¿De dónde surgen las historias? Yo tengo una formación teatral, trato de meterme por terrenos difíciles, no buscar el guiño fácil del público sino buscar algo que me conmueva y hasta me perturbe, de esa forma busco conmover y perturbar.
¿Conmueven más los títeres que ver al actor en escena? Sí, no tengo ninguna duda. Lo que pasa es que cuando ves a un actor, ves a la persona y te cuesta ver al personaje, tienes que ser muy buen actor para que vean al personaje y dejes de ver al actor. En cambio acá, el personaje aparece inmediatamente. El actor no se ve, está en un segundo plano, esto hace que el público entre en este mundo de fantasía y lo admirable es que si el adulto se deja llevar, ocurre lo mismo que con el niño, entra a un mundo de fantasía.
Carlos Converso también es argentino, ¿es de la época de usted? Sí, más o menos, por desgracia no lo conozco. Ahora está en Veracruz y no he tenido la suerte de conocerlo, sé que hace trabajos muy serios y profundos también. Hablaba de un pequeño inconveniente que se dio durante la función… Tenían que haber entrado diferentes tracks de música y no fue así, esto ocasionó que se “comieran” otras escenas antes, yo tenía que andar viendo eso. Pido una disculpa. Lo que pasa es que me intimidó el teatro, si yo hubiera estado en otro espacio no habría tenido problema en comunicarme con los técnicos y hubiera entrado de manera más directa, pero en un teatro así uno quiere respetar todas las reglas del espacio.
La improvisación entonces, ¿es un momento importante para el teatro de títeres? La improvisación se da después de tener bien asimilado todo, yo alguna vez le dije a un director de teatro que en mi trabajo había mucha improvisación y lo tomó en el sentido de que había agarrado los títeres y que había inventado todo ahí. No me contrató más. Yo hablo de improvisación en otro sentido, en tener todo asimilado para poder improvisar. Se tiene un plan y se puede romper si encuentras cierta salida.
¿Los títeres usted los crea? Algunos yo, otros mi hermano. Por ejemplo, “El idiota” nació cuando recién comenzaba a hacer títeres porque era una historia con una duración de ocho minutos. La trama la vas haciendo según las posibilidades que tiene el muñeco. El personaje de “La Viejita” es cada vez más mexicano. Cada vez que vengo a México le incorporo algo nuevo al personaje porque veo a este tipo de viejitas en la calle, aquí es muy cotidiano.
Cómo selecciona la música con la que da forma a sus historias… Escuchando bastante y de todo tipo, y voy viendo también que coincidan los tiempos para la trama de mis historias. Te tiene que gustar la música. En esta ocasión elegí temas de Elton John y Tchaikovsky, entre otros.
¿Se puede mover este espectáculo a todas partes? Sí, este lo he llevado lo mismo a un jardín de niños que a un cabaret y ha funcionado muy bien en los dos espacios porque los niños hacen una lectura y los adultos otra. Lo importante es que estén vivos los muñecos y la atención sea captada.
¿A dónde va después de su visita a Aguascalientes? Ya estoy en retirada, en una semana me voy. Todavía tengo que ir a Saltillo, voy a formar un elenco de titiriteros y tengo la mitad de mi equipaje ahí y puede ser que el fin de semana que viene tenga algunas funciones en el DF.
¿Qué futuro le ve a los títeres? Enorme. A veces lo confrontan la televisión o el internet pero los títeres tienen su espacio ganado. El espectáculo de títeres no lo produce otra cosa u otra forma teatral, el poder pasar de una emoción a la otra en forma tan rápida.
AMORATADO / teatro de títeres para adultos / Argentina Marcelo Peralta 3 de mayo 20:30 hrs. $50 y $30
AGUASCALIENTES TIENE UN PÚBLICO QUE VA A VER TEATRO, TIENE SENSIBILIDAD… EDWIN SALAS ACOSTAPor Claudia Muñoz Fotografía Diana Muñoz
Unos hilos en el muñeco y el alma entregada a él, bastaron para que los titiriteros de Italia dejaran un grato sabor de boca con su espectáculo Cuadros de una exposición a cargo de la Compañía de teatro de marionetas Brujerías de papel. Durante la función apreciamos cómo algunos personajes salían de las pinturas para tomar vida y así acompañar al espectador en un precioso recorrido. Sobraron las voces de éstos para expresar algún sentimiento o acción pues el manejo de los títeres y la música hacían fácil captar aquello. El público salió emocionado al ver este espectáculo, cabe mencionar que hubo total lleno en el teatro. Anterior a esto, se impartió el taller de marionetas Ponle hilos al toro , en el que enseñaron a pequeños y grandes cómo hacer que una simple figura tome vida con hilos. En charla con A Escena, Edwin Salas Acosta nos platicó acerca de su espectáculo:
¿Cuánto tiempo tiene con este montaje? Con éste son siete años. Lla compañía ya tiene diez.
¿Y manejan diversas técnicas? Sí, dos técnicas: muñecos de mesa y marionetas de hilo.
¿Cómo surgió la idea de conjugar títeres con música clásica? Alguna vez nos hicieron una invitación para inaugurar un concierto, un festival de música clásica en Italia, cerca de Venecia, entonces elegimos unas obras y la que más nos gustó para montarla con esos elementos fue esta suite de piano.
¿Cómo ha sido la aceptación del público que viene a la feria? Muy buena, es un público al que le han invertido bastante en la cultura de Aguascalientes, que va a ver teatro, que tiene una sensibilidad.
¿Habían venido anteriormente a Aguascalientes? No, es la primera vez.
ESTE PROYECTO ES TOTALMENTE HIDROCÁLIDO, APOYADO POR EMPRESARIOS E HISTORIADORES…GUILLERMO GÓMEZPor Claudia Muñoz Fotografía Diana Muñoz
Zapatos de hierro, cinturones, guillotinas, jaulas, ruedas y más instrumentos fueron utilizados para la tortura de las personas alrededor del año de 1600. Algunos de estos objetos se exhibieron en el Museo de la Tortura durante el periodo de Feria. Instrumentos de tortura poco conocidos. El recorrido nos hizo pensar cómo fueron esos años en los que la gente que no estaba de acuerdo con el gobierno u otras cosas, era sometida a dolorosos castigos. Para explicar algo de lo que fue y será parte de nuestra historia hasta llegar a lo que hoy conocemos como derechos humanos. En charla con el encargado del Museo del Tortura, Guillermo Gómez, esto nos comentó:
¿Cómo es que se planea traer esta exposición a Aguascalientes? Hay que recordar que hace tiempo Banamex trajo una muestra de instrumentos de tortura. Nosotros nos interesamos en el proyecto y nos dedicamos a la investigación, a estudiar un poquito de Historia y a buscar instrumentos de tortura que fueran diferentes y novedosos. Se creó un staff, un equipo de trabajo de historiadores, ilustradores, arquitectos, herreros, y nos dimos a la tarea de buscar en qué época, en qué país de Europa fueron utilizando esos instrumentos. Revisamos en Inglaterra, Francia, España, Suiza y demás. Al mismo tiempo de hacer la investigación fuimos haciendo réplicas lo más apegado posible a los originales y ahorita tenemos una muestra de poco más de 70 instrumentos de tortura que nos pueden dar una idea de lo que fue la tortura en el mundo.
¿Encontraron en México elementos de tortura? Tenemos que recordar que en tiempo de la Conquista, cuando llegaron los españoles, trataron de aplicar algunos pero nos los traían con ellos. Sin embargo, les quemaban las extremidades de los cuerpos a los que ellos consideraban que habían cometido alguna imprudencia.
¿Era más lo de la hoguera con la Santa Inquisición? Claro, pero eso lo podemos hacer hasta nuestros tiempos. De quemar una extremidad o apretarla con un instrumento de tortura aquí en América no hay mucha historia que buscar.
¿Cómo se conjuga la idea de iniciar con la defensa de los derechos humanos? Cuando hicimos la investigación realizamos también jornadas de trabajo con la gente de Derechos Humanos porque creímos importante que el público se de cuenta lo que fue y lo que es ahora. Podemos decir que estamos inmiscuidos en una situación de mucha violencia, tortura y demás, pero nada comparado con lo que fue. Ahora tenemos derechos, oportunidades de demostrar que somos inocentes aunque alguien nos diga lo contrario. Hay tiempo para que podamos presentar pruebas y Derechos Humanos está detrás de nosotros como un guardián. Hoy día tenemos muchas garantías individuales y antes, con el simple hecho de que alguien atentara o dijeran que atentó contra un rey, lo mandaban a la guillotina sin juicio alguno. Hay que recordar el tiempo de Enrique VIII, con el simple hecho de que su séquito dijera que alguien era culpable de algún rumor, sin lugar a dudas lo mandaban a la Torre de Londres o directamente a la guillotina. Derechos Humanos hoy en día, pese a cualquier opinión contraria, es un ángel de la guarda para cualquier ciudadano, por eso nos sumamos e instalamos esta muestra que no es nada cara para que la familia completa venga a verla y que el papá pueda platicar con sus hijos para darles una muestra de historia del mundo.
¿De dónde viene el equipo que conforma esta exposición? Este proyecto es totalmente hidrocálido apoyado por empresarios e historiadores, y no hubo necesidad de buscar a nadie de otro Estado.
¿Con esta exposición se han trasladado a otros lugares? Tenemos 18 meses trabajando en el concepto y pensamos visitar después diez ciudades importantes que tengan feria. La Asociación Nacional de Ferias de México estará aquí en fechas posteriores para visitar la muestra y esperamos tener los contactos y convenios necesarios para salir. Queremos renovar la muestra para estar de nueva cuenta aquí en Aguascalientes.
En algún momento dado ¿se puede incluir algo de teatro como elemento adicional? Fíjate que no porque el echar a andar un instrumento de tortura como la guillotina sería algo muy complicado, yo creo que el sólo hecho de ver el instrumento ya es bastante impactante. Hemos tenido como 6,500 visitantes y hay personas que salen muy impresionadas. Si conocemos cómo fuimos, estamos más conscientes de lo que no deberá ser nuestro futuro. El darnos cuenta de todo lo que se hacía antes sí da vergüenza, como lo dijo una visitante. Considero que esta exposición es parte importante del programa cultural de la Feria y podemos verlo desde dos puntos de vista: es útil para que la gente conozcan cómo fuimos, que tengan una muestra de lo impactante de la historia universal pero a la vez, que nos demos cuenta de que fue el camino que tuvimos que recorrer para que al día de hoy tengamos una Comisión de Derechos Humanos. Estaremos hasta el día 9 de mayo en la Feria de San Marcos.
ESTAMOS MUY PREOCUPADOS DE QUE NO SE PIERDA ESTA TRADICIÓN PERO CADA VEZ ES MENOS LA GENTE QUE SE INTERESA… ANDREA HERRERA Por Claudia Muñoz Fotografía de Diana Muñoz
El Teatro Morelos acogió a una pareja de titiriteros provenientes de Yucatán, quienes mostraron las diferentes técnicas de cómo manejar títeres. El show de Ángel y Andrea también se caracteriza por la interacción del público con los títeres, lo cual permite que los niños se fascinen más o se interesen por la cultura en general. Durante el show se escucharon canciones de Cri-Crí , todas actuadas, bailadas e interpretadas por los títeres. Al igual que otros eventos de este tipo, hubo lleno en el teatro y una gran aceptación por parte del público. En charla con A Escena, Ángel y Andrea, Titeradas , nos comentan acerca de este espectáculo para chicos y grandes:
¿Cuántos años tiene esta compañía? Empezó en el año 1972.
¿Cómo surgió la idea de combinar la música tradicional y los títeres? Surgió porque en Mérida no había muchas opciones para show de títeres y se nos ocurrió hacer uno para fiestas, es decir; llevamos el teatro a las fiestas con canciones originales, recreando canciones de Cri-Crí , con el fin de llevarle a los chavitos algo diferente.
¿Y se puede manejar como un rescate de rondas infantiles? sobre todo que se están perdiendo hoy en día… Claro, y hacerlo de una manera profesional.
Estoy sorprendida por todas las técnicas de títeres que proyectaron. ¿Hay más? Sí, tenemos otros de sombras, japonés, etcétera. Hay muchas técnicas pero nos fue imposible traer más cosas, tratamos de elegir lo más que podíamos acerca de éstas, precisamente era mostrar lo que tenemos en Yucatán.
Y es un espectáculo muy didáctico... La ventaja es que Andrea es educadora y yo soy maestro y ambos tenemos contacto con los niños directamente en el salón, y eso nos ha ayudado. Algo de lo que estamos bien preocupados es que no se pierda esta tradición pero cada vez es menos la gente que se interesa y queremos sembrar esa semillita y esa curiosidad en los chavitos para que se acerquen. Queremos hacer talleres de construcción para que los niños se acerquen al trabajo de los títeres.
Sí, porque aquí en México hay muy pocos grupos de títeres... La ventaja es que en Yucatán hay teatro de títeres, de ahí surgimos.
¿De la música qué nos pueden comentar? Los arreglos musicales los hace mi hermano Pedro Carlos Herrera. Todos trabajamos en familia y amigos.
Y aparte aprendemos maya… Tratamos de dar algunas palabras en maya. Queremos que se acuerden de eso y que aprendan nuevas palabras también.
Un mensaje que quieran dar para finalizar con la entrevista… Decirles a los chavitos que dejen de ver tantos videos y que se acerquen a este tipo de trabajos que son enriquecedores para el alma, para el espíritu y para el corazón.
DONNOVAN SANTOS, A 8 AÑOS DE LA CREACIÓN DE JADEVOLUCIÓN-ARTEPor Sylvia M. Ríos Casanova
Joven promotor de la cultura es Eduardo Donnovan Santos, actor, director y fundador de la Compañía Artística Multidisciplinaria Jadevolucion-Arte, la cual el 02 de febrero arribó a su 8° aniversario. En una larga entrevista llena de recuerdos, en el único y tradicional restaurant ubicado en la Casa de los Azulejos en el Centro Histórico de la ciudad de México, Donnovan nos narró los aconteceres y avatares de esta compañía:
Donnovan, cuéntanos, ¿cómo nace la compañía de Jadevolucion-Arte? Nace a iniciativa de cuatro jóvenes egresados de diferentes escuelas de educación de artes escénicas, del Instituto Nacional de Bellas Artes, la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y del Centro Virginia Fábregas: Aramis Sandoval, Yessica Magnolia, Luis Guillen y yo, nos unimos para crear en aquel entonces una agrupación teatral. Todo comenzó a raíz de un concurso de teatro de arte libre en la Carpa Geodésica de la UNAM, en la cual nos presentamos con la obra llamada “La vida que nos tocó vivir”, del autor venezolano Luis Beaperthuy, del cual salimos ganadores y el premio fue una temporada en esta carpa. Este triunfo nos lo otorgaron porque gustó nuestro trabajo y sorprendió a los organizadores del concurso que fuéramos un grupo de reciente creación.
¿Y cuánto tiempo duró su primera temporada en ese teatro? La temporada duró un mes, y en la cual, las dos primeras funciones asistió escaso público por la falta de difusión. Pero poco a poco y con una mayor difusión que nosotros tuvimos que hacer, lo que implicó que empezamos a involucrarnos en todo ese proceso de la divulgación y de las entrevistas. Nosotros tuvimos que gestionar todo esto para que fuera más gente. El resultado fue que asistió un mayor número de público y nos fue mucho mejor. Descubrimos que era un camino difícil. En ese momento desertó, al concluir la temporada, nuestra compañera Yessica Magnolia, por desesperación.
¿Y después de la Carpa Geodésica que pasó? Esta obra se fue a otros espacios, y empezamos a preparar una nueva: “De la Calle”, de Jesús González Dávila, con la que participamos en el“Encuentro de los Amantes del Teatro y en el Festival del Cine Universitario, y nos fue muy bien bajo la dirección de Javier Barragán. En ese momento nos definimos como teatro de búsqueda, lo que implicó tener una mayor preparación así como entrenamiento físico. Era el año 2003 y los tres que quedábamos, más otros jóvenes actores invitados, denominó entonces al Grupo JADE, que son las iniciales de sus integrantes, y en otro sentido también significa “jóvenes amantes del teatro”.
Una vez que surge JADE, ¿qué rumbo toman? En 2004 se pone mayor énfasis en integrar más estudiantes de teatro a la compañía, y también de otros talleres, como por ejemplo del Foro de Arte Contemporáneo del maestro Ludwik Margules. En este mismo año nos contactamos con estudiantes de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, con quienes se monta la obra “Réquiem”, basada en la obra “Réquiem por un sueño”, de la cual se hizo la adaptación de la película a obra de teatro y la llevamos al Festival de Teatro Mexicano en la Ciudad de México, para el Instituto Mexicano de la Juventud, obra que fue apoyada por el sindicato de trabajadores de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público.
Veo, por tu expresión, que algo pasó por esos días, ¿qué fue?
En el año 2005, en otra participación del grupo dentro del festival del Encuentro de los Amantes del Teatro, estaba el grupo programado pero ya no teníamos a todo el elenco original, y fue una función desastrosa. Lo recuerdo como una experiencia terrible. Sin embargo, el año pasado ese trago amargo fue uno de los mejores de la compañía, a la cual se siguen uniendo jóvenes, casi 30 nuevos integrantes; es cuando la compañía se vuelve multidisciplinaria al conjuntar al teatro, la danza, la música, y da inicio a nuevas propuestas como el performance, arte objeto… Fue un año de muchas producciones y de esta etapa surge “Collage Mexicano”, una de las obras con la que mayor éxito hemos tenido, y que nos permitió por vez primera develar una placa por 50 y 100 representaciones con la presencia de los maestros Miguel Tenorio, Etna Ochoa, Carballido, entre otros, en el Teatro del Pueblo.
¿Cuándo surge el Encuentro Nacional de las Artes Escénicas y Alternativas? Es en el 2005 cuando surge el Encuentro Nacional de las Artes Escénicas y Alternativas, ENAEA, con muchas carencias. Con el apoyo de la Delegación Cuauhtémoc, con espacios y foros, más la participación de aproximadamente 40 artistas fue como nació el ENAEA. En 2006 creamos el Festival de Teatro Emilio Carballido, con 10 grupos del Distrito Federal y el círculo de lecturas dramatizadas “De todo un poco” con seis grupos. Recuerdo este año como otro difícil, ya que varios integrantes, por diversos motivos, se van de la compañía y me quedo solo, y es cuando se integra alguien de gran valía: Cristian Morales. En el año 2007 realizamos el Festival Alternativo en el Centro Cultural La Romita, que en ese entonces era un espacio abandonado, pero es ahí donde hacemos este festival. El resultado fue que logramos restaurar este espacio, que cabe recordar fue donde se grabó la película “Los olvidados” de Luis Buñuel. Este rescate no sólo fue de la casa, que ahora es el centro cultural dependiente de la delegación Cuauhtémoc del Gobierno del Distrito Federal, sino de todo el entorno que incluye el jardín, la iglesia, las calles. Es importante este dato porque de ser un lugar olvidado se devela una placa con motivo de la película mencionada y se da un nuevo auge a este lugar gracias a la vida cultural de la casa Romita. Fue el rescate de este espacio de la ciudad.
Y en los años más recientes, ¿las actividades se multiplican? En 2007 dan inicio las giras nacionales. El grupo visita Aguascalientes a invitación del Foro Cultural La Musa, y después vamos al estado de México, Querétaro, Oaxaca, Durango y Guadalajara. Logramos vínculos con asociaciones como la Agrupación de Periodistas Teatrales, El Foro Cultural La Musa A. C. y Cultura en Red. En 2008, gracias al ENAEA, nos vinculamos con Arte en V, con 3D2 Fanzine y con el joven promotor cultural Mane Vargas. En 2009 nos convertimos en asociación civil y contamos con el apoyo de la Secretaría de Desarrollo Social del Gobierno del Distrito Federal. Para finalizar comento que para los festejos de nuestros ocho años, vamos a realizar actividades en mismo número de espacios, entre ellos, los que nos vieron nacer: la Casa del Pueblo y el Centro Cultural José Martí, entre otros. Sin duda, han sido ocho años de mucho trabajo. Nos despedimos de Donnovan quién con su juventud, sonríe feliz, y su mirada refleja la satisfacción de todo lo logrado y la decisión ante los retos por venir.
ESTA OBRA ME DIO A CONOCER EN FESTIVALES DE TEATRO DE ALGUNAS CIUDADES DEL EXTRANJERO…JUAN MANUEL BÁRCENASPor Julieta Orduña Fotografía Miryam Almanza
A finales del mes de febrero el grupo La Secta Minúscula de los Viajeros Frecuentes develó la placa por las 50 funciones de La voz del viento , obra que ha sido vista no solamente aquí en el Estado sino que ha trascendido más allá de las fronteras de nuestro país, aclamada y premiada por su fuerte mensaje social en contra de la impunidad por el caso no cerrado de las muertas de Juárez. En breve entrevista con el director Juan Manuel Bárcenas, nos comenta su experiencia durante el proceso de este montaje:
Festejan las 50 representaciones de la obra La voz del viento y cierran temporada, misma que inició en 2007, ¿qué ha pasado desde entonces Juan Manuel? Hemos estrechado lazos, tanto a nivel nacional como internacional, hemos obtenido mucha experiencia, mucho aprendizaje en cada uno de los escenarios que hemos estado, tanto en la calle, escenarios muy pequeños hasta llegar a escenarios tan grandes como éste, el Teatro Morelos. La obra va más allá de la participación técnica, se enfoca más en el mensaje. Nuestro aprendizaje es saber que mediante el teatro se puede manejar el teatro social, el teatro de denuncia y el de reflexión.
Después de estas 50 funciones, ¿sigue La voz del viento? La dejamos un tiempo por ahora, ya que cada uno de nosotros tenemos distintos compromisos que atender, por lo pronto yo creo que en una larga temporada, digamos seis o siete meses, vamos a estar ocupados en otros lados y el Teatro Morelos es un digno lugar para cerrar este ciclo esperando que haya una función esporádica. Alejandro Zúñiga, el músico, se va a Chile a vivir un tiempo y Rodrigo Pérez y yo estamos con otros compromisos pero seguimos dentro de esta Secta Minúscula de los Viajeros Frecuentes.
¿Es la obra que más satisfacciones te ha dado? Sí, la tengo en mi corazón ya que esta obra me dio a conocer en festivales de teatro de algunas ciudades del extranjero, y la tengo guardada junto con “La Cristiada”, que fue la primera obra que me publicaron o “La guerra” que fue la obra que me abrió puertas a nivel local.
Gracias Juan y que sigan esos triunfos de La Secta Minúscula.
MI IMPULSO FUE EMPEZAR A DISCAPACITAR TAMBIÉN AL TEATRO… EMMA GUADALUPE HERNÁNDEZPor Claudia Muñoz y Zenaido Muñoz En la Casa de la Cultura se presentó una obra que cautivó a muchos de los que estuvimos presentes: Los ciegos , del Grupo Cieos con Luz, de Guanajuato, pertenecientes al Circuito Artístico del Fondo Regional para la Cultura y las Artes Centro-Occidente. Las funciones tuvieron el apoyo del Conaculta y en charla con A Escena la directora nos comentó sus experiencias: Venimos como espectadores y no como periodistas y no hay palabras, ¿cómo surgió la idea de hacer teatro con personas ciegas? Bueno, primero porque yo estudié en la Universidad Nacional Autónoma de México y en el camino me encontré a muchos ciegos, me contaban su mundo y pues como teatrero es bien interesante ir a éste. Siempre me ha interesado el teatro experimental. Después, cuando ya empecé a darles clase el impulso fue empezar a “discapacitar” también al teatro, preguntar qué pasa si le quito la vista al teatro, le quito los ojos, y entonces hay que explotar los otros sentidos para poder generar una sensación y una emoción en el público pero desde otro lugar.
Hemos escuchado que visitaron varios lugares, la aceptación ¿cómo la ha vivido el público? Superbien, nosotros estamos en Irapuato, Gto. Hubo aceptación pero no tanta, nadie es profeta en su tierra y ahora que hemos salido de gira la gente ha respondido excelente, me siento muy feliz, estamos muy conmovidos. Con otra perspectiva como la discapacidad, como la del teatro, dentro de las posibilidades de la cultura.
Es que esa es la magia que te hace ver el teatro y también te hace apreciarlo como las personas ciegas. Uno está con la idea de qué hacer si se quedara uno ciego y aquí te hacen ver que también es bonito… Sí, muchos de ellos pasan por la sensación de muerte porque se quieren suicidar y demás, y es el típico terror que todo el mundo siente en la primera parte pero ya después, te puedes dar cuenta de cómo hay sentidos que hemos dejado morir por darle parte a la visión, la imaginación se ha perdido y la idea también. Fue recuperar los sentidos, la magia que hay en cada uno de ellos. Por ejemplo el olfato, vas directo a lo irracional, hueles un nardo, y no tienes que pensarlo, enseguida se conecta con tus emociones. Es como mostrarle al público que la ceguera no es tan horrible, que hay otra parte que hemos dejado de ver y que nosotros estamos ciegos en otros sentidos. Yo he estado con ellos y he recuperado esa sensación extra porque la visión es tan fuerte que te absorbe.
¿Has pensado en trabajar con otro tipo de personas discapacitadas? Sí, el año pasado empecé a hacer pruebas piloto, trabajé con sordos, con downs, incapacidad intelectual y motriz, fueron como dos o cuatro clases. La más larga fue la de sordos, les di un mes de clase pero lo vimos como piloto porque también los apoyos económicos están muy difíciles y solamente es amor al arte.
YA TENEMOS UN PÚBLICO DE TERCERA LLAMADA…JAIME MUÑOZPor Julieta Orduña La actividad teatral se ha incrementado de manera considerable, de 50 estrenos en el 2008 pasamos a 73 en el 2009 y lo más sorprendente es que muchos de ellos son de calidad. Se está notando el profesionalismo y las ganas de cada uno de los integrantes de las compañías por hacer bien su trabajo; ahora, el espacio ya no es el problema. Gracias a dos foros independientes la comunidad teatral ya tiene dónde presentar sus proyectos sin trámites burocráticos, solo bastar agendar sus fechas y listo. Los responsables de todo esto son el director José Claro Padilla y el empresario Jaime Muñoz, ambos fundadores del Foro Al Trote y Tercera Llamada, respectivamente. Justamente, hicimos una entrevista a Jaime Muñoz, con motivo del primer aniversario de su local:
Plátícame Jaime, de este año, ¿cuál fue la idea al planear un proyecto de este tipo? ¿qué alcances has logrado? La idea no existió, se fue dando. El antecedente inmediato fue el haber estado con José Claro Padilla en el momento que se le ocurre hacer un foro y que coincide su inquietud con mi integración al grupo Al Trote. En la primera junta a la que asistí se expuso el proyecto y para no hacer larga la historia, el foro se instaló en la casa de mi abuelo. Me di cuenta que me gustaba muchísimo el teatro, algo que yo no sabía, y me agradaba también la idea de tener un foro donde se podían desarrollar muchas ideas.
¿Se veía como una necesidad por hacer algo, no solamente por la comunidad teatral sino también para todos los artistas locales? Porque era un grito de auxilio al no tener dónde presentarse por varias circunstancias, ya que empezó una efervescencia de talentos que querían aparecer en escena… Sí, la había y sí era un grito fuerte pero también era la coincidencia de un salir de una época de oscurantismo personal, con circunstancias muy difíciles que pasé, y cuando salgo de eso descubro que me encanta el teatro y que sí se puede llegar a hacer negocio, además de ayudar a los artistas a tener un ingreso, y eso me satisface mucho, me gusta tanto. Siento como si justificará mi vida.
La emoción es mutua, los teatreros están muy motivados, se nota esa productividad de trabajo pues de los 73 estrenos del año pasado, el mayor número de temporadas se dio en tu foro… En esta casa no les hemos dicho que no a nadie, solamente se dieron dos casos aislados en los que no era posible por la agenda apretada pero si el espacio no está disponible, se modifica el día. Hemos tenido en el mismo patio a una hora “Zircuszelt” y media hora después “Háblame como la lluvia”, fue pesadísimo recorrer butacas, cambiar iluminación… era una danza simpática y pesada. Ahora equipamos la casa con tres espacios más, tenemos una sala con más butacas, el foro “Óyeme Con Los Ojos” y el patio, que es bastante grande y se convierte en escenario. Aquel espacio que estaba sirviendo como camerino ahora es escenario.
¿La respuesta del público se ha multiplicado? Sí, están los que vienen como de costumbre, les ha gustado el lugar, se toman su café y les gustan las obras, las cuales están bien cuidadas. Les gusta el espacio, el trato, la disponibilidad de sentarse y ver teatro con su cafecito o “palomitas” y hasta cerveza, según la edad del público. Y les llevamos hasta la sala el servicio de cafetería, esto ha sido un asunto apreciable y la gente regresa. Ya tenemos un público seguidor de Tercera Llamada y de los grupos que han sabido cautivarlos, es una unión de todos. Ahorita tenemos una exposición, talleristas que nos ofrecen dramaturgia, malabares, clown, creación de personaje, y esto hace que la casa este viva y activa.
Y se ha dado un fenómeno muy interesante: esta casa (el Foro Tercera Llamada) es mágica, ha reunido a diferentes grupos, ha logrado inyectar compañerismo. Aquí vemos circular a toda la comunidad teatral saludándose e invitándose a proyectos… Sí, tengo que hacer dos comentarios: hace poco empecé a hacer teatro y conocí a Daniel Abundiz, que venía del Distrito Federal pensando en juntar a una gran familia e iniciar una compañía estatal. Lamentablemente no lo logró, se desilusionó y se fue. Aunque la casa no se buscó con ese afán de “todos vamos a ser amiguitos”, hubiera sido muy “padre” que cada quien tuviera su propio salón, oficina, taller, y el patio para sus ensayos. Esa primera idea no se logró pero sí hemos visto que se junta la gente de La Concordia, Arquitos e ICA. Se fue haciendo este roce agradable y llegó el momento de que se conocieran, que no se prejuzgarán, y que aprendieran a trabajar juntos.
¿Y después de este año, qué planes tiene Jaime Muñoz para el Tercera Llamada? Seguir con lo mismo, tenemos una fachada oscura (un pequeño detalle) y hay muchos proyectos más. Iremos trabajando y mejorando, este fue el primer año, no somos una cafetería ya madura, somos bebés que estamos aprendiendo y buscando. Quisiéramos ser muy atractivos para los pintores, fotógrafos, artesanos. Hemos hecho proyectos que no han funcionado, por ejemplo un tianguis cultural, y definitivamente con el teatro está el compromiso a flor de piel, con una amistad muy linda e intensa con los teatreros. Es increíble la cantidad de obras que hemos tenido, que se empezaron a gestar, aunque estaba destinadas a otro lugar como el Teatro Morelos y Leal y Romero, pero aquí se unía la banda para leer, ponerse de acuerdo, hacer sus castings; fueron madurando esos proyectos hasta llegar a los escenarios. Lo que valió la pena fue que la casa estuvo disponible y le gustó a la gente.
Es así como el Foro Tercera Llamada abre sus puertas en este primer aniversario y los invita a todos a conocerlo, Álvaro Obregón 355, zona centro.
HE APRENDIDO A AMAR ESTA CIUDAD, VA A SER MUY DIFÍCIL DESHACERME DE ESTE SENTIMIENTO… RAFAEL PANIAGUAPor Miryam Almanza
A Escena tuvo la oportunidad de platicar con uno de los directores que ha promovido con mucho éxito el teatro musical en Aguascalientes, Rafael Paniagua, para conocer algunos de sus siguientes proyectos ya que él inicia una nueva etapa ahora como actor, pues fue seleccionado para formar parte del reparto del musical Sessions que se presentará en la ciudad de Guadalajara. Visiblemente conmovido y emocionado nos platicó de las satisfacciones que ha tenido en tierras hidrocálidas y de sus planes de trabajo:
Rafael, comienzas una nueva etapa, platícanos… Así es, aquí en Aguascalientes tengo un nuevo proyecto, una obra que aún estamos preparando y que tiene en el reparto a puros cantantes, para meterlos en el rollo de lo que es la actuación. Estuvimos trabajando dos meses el año pasado y ahorita ya están más metidos en esto del teatro. Son casi 40 personas y es un proyecto que la verdad va a quedar muy bien. Me duele mucho no estar aquí para seguir con ellos, ya terminé de marcar la dirección y todo se queda en manos de Alan Santacruz. Verdaderamente me duele mucho no poder estar con ellos…
Y ahora retomas tu carrera de actor, ¿verdad? Mira, el año pasado develamos la placa de “Harvey, galleta de chocolate” y vino mi amigo Mauricio Cedeño, uno de los directores de teatro musical más reconocidos de este país. Hizo un viaje a Broadway el año pasado y vio una obra que le gustó mucho, tanto que contactó al productor y compró los derechos del montaje. Se llama “Sessions, the musical”, entonces se llegó a una muy buena negociación y ya con los derechos pagados pues convocó a un casting y yo acudí a Guadalajara dos veces. Afortunadamente la semana pasada me avisaron que me había quedado en el reparto. La obra es un musical acerca de un terapeuta y ocho de sus pacientes, todos con una historia muy interesante, gente en terapia. Aún no está definido qué personaje voy a hacer pues hice casting sólo para uno pero Mauricio me dijo que me tenía contemplado para dos, así que sabré bien hasta después de la primera junta de producción. A mí me emociona mucho este nuevo proyecto porque he descuidado mi parte actoral ya que mi última participación como actor la hice en “La fiesta de cumpleaños” el año pasado, es la única obra que he hecho como actor en los tres años que tengo aquí en Aguascalientes, y me interesa seguir desarrollándome, seguir creciendo, seguir aprendiendo de gente como Mauricio.
Rafa, tú has dado un impulso muy fuerte al teatro musical en Aguascalientes… (Muy conmovido) Miryam, si esa no es nuestra misión ¿entonces cuál es?, he aprendido a amar esta ciudad, a la gente que está aquí y va a ser muy difícil que me desprenda de ese sentimiento, muy difícil. Siempre me daré tiempo, si no es para vivir aquí sí para venir algunos meses y seguir trabajando con los muchachos porque ellos necesitan mucho apoyo. Vemos que ahora en Aguascalientes están surgiendo jóvenes actores que se suman a los que ya tienen tiempo trabajando en la ciudad, mis contemporáneos, y creo que es momento de que nosotros nos afiancemos con trabajos apropiados. Qué bueno que esto se de así, porque habrá más oferta teatral.
Te vas a Guadalajara pero aún tienes varios montajes en puerta bajo tu dirección… Así es, el más inmediato lo estrenamos en abril pero aún quiero reservarme la información, ya les platicaremos más adelante; sólo espero poder estar aquí en el estreno porque estaré ocupado con la obra de Guadalajara, la que también se tiene pensado presentarla en Broadway, y hay otros proyectos más para Aguascalientes en los siguientes meses del año.
PARA HACER TEATRO EN PROVINCIA LOS GRUPOS HACEN UNA LABOR ÉPICA POR SOBREVIVIR, LUCHAN MÁS QUE SEGIZ…VERÓNICA MALDONADOPor Julieta Orduña
La obra Segiz, la historia del príncipe dormido en la torre del dragón, basada en La vida es sueño de Calderón de la Barca, y dramaturgia de Verónica Maldonado, finalizó su corta temporada con algunas complicaciones climáticas y ausencia de público. Su directora comenta para A Escena el proceso que tuvo este montaje:
Verónica, platícanos acerca de estas nueve funciones de Segiz, ¿qué apreciaste en el público y los actores? Fue un poco difícil porque nos tocó una mala temporada climática, la bodega es fría y la gente se desanimaba en venir; además, es un lugar que no es muy conocido, lejos del centro, de muchos lugares donde normalmente van a ver espectáculos, pero también fue muy emotivo porque se empezó a correr la voz y esa poquita gente le contaba a otra que la obra le gustaba, que estaba interesante, que vinieran a verla y la gente que ha venido fue por eso. Vinieron un par de escuelas y fue muy “padre” con los adolescentes ya que es una obra destinada a ese público. Lo triste es que no hubo mucho público y es necesario también hacer un llamado a las autoridades. Ahorita el ICA nos está apoyando con la beca pero ojalá que el apoyo fuera también en el sentido del público, de promocionar. Yo creo que hay mucho talento en Aguascalientes y que merece el apoyo por este gran esfuerzo. Yo soy una directora invitada pero en la experiencia que tengo en teatro en provincia los grupos hacen una labor épica por sobrevivir, luchan más que Segiz por lograr la vida, entonces como que merecerían mejor suerte. Tener veinte funciones más en una temporada no es nada, las obras dan para más.
Sabemos que la publicidad más eficiente, además de la difusión masiva, es aquella que va de boca en boca, y lamentablemente cuando la obra está empezando a ser conocida, la cancelan… Así es, tenemos algo de esperanzas a ver si en la Feria de San Marcos hay algo o en la temporada de teatro escolar en septiembre. Nos vamos con buen sabor de boca, y con la tristeza de que no hubo mucho público pero que el esfuerzo se hizo, que fue un trabajo muy difícil en el sentido que los chicos tuvieron que sacrificar vacaciones.
¿Cuánto tiempo estuvieron ensayando? Mes y medio pero de manera intensiva, de nueve de la mañana a una o dos de la mañana, sólo era descansar una horas para comer.
¿Tú hiciste el casting? El grupo propuso y sobre las propuestas de éste se fue depurando el trabajo. Más que casting la gente que tenía que quedar se quedó.
Y acerca de la escenografía, esta inmensa torre, supongo que fue una labor titánica conseguirla… Sí, fue muy accidentado el proceso de la creación. El boceto escénico lo hice yo y el desarrollo escenográfico es del maestro de la Rosa, sí le costó mucho trabajo sobre todo la realización, ya el plano lo tenía muy claro pero el problema es que no hay personas especializadas en hacer escenografías y tuvimos que recurrir a herreros que no sabían qué funcionalidad iba a tener la torre. Otra es que no había el dinero suficiente, cualquier proyecto ve crecer el presupuesto y ya no hay dinero y tuvimos que recurrir a la chatarra.
¿Se visualizó esta bodega para el concepto de Segiz? Sí, había un teatro pero yo prefería una bodega y cuando la vi pensé: “ésta es como la que soñé” y el espacio empezó a proponer cosas, es como un ser humano, nos dice qué podemos hacer sí y que no. Hubo un problema de la acústica y el del clima, yo creo que los que más lo sufrió fue el público.
¿Y si realizan alguna estrategia de funciones para el público de las escuelas? Sí, de hecho estamos viendo con Alas y Raíces si podemos estar en el Teatro Morelos, es la idea, todavía no cantamos victoria. En este espacio (la bodega) ya no se puede porque empiezan las labores para adecuarlo ya que se va convertir en la escuela de teatro así que Los Arquitos se pasa para acá y el espacio ya va a tener otra función. Ojalá que la bodega se pudiera adecuar como teatro, una parte por lo menos, que tuviera como todas las escuelas de teatro, su espacio de aulas y su teatro para las funciones de los alumnos.
¿Cuáles son tus próximos proyectos? Voy a seguir ligada con Lúdica Teatro, aparte de que son amigos míos y es gente que quiero mucho, así que voy a apoyarlos en dramaturgia y dirección. Por lo pronto, tengo otra invitación para dirigir una obra infantil en Querétaro con el grupo La Cartelera, un texto que tengo, Valentina y la sombra del diablo, sobre abuso sexual infantil dirigida para niños.
Del 15 de enero al 14 de febrero Segiz, la historia del príncipe dormido en la torre del dragón Basado en La vida es un sueño, de Calderón de la Barca Dirección de Verónica Maldonado Grupo Lúdica Teatro
SI CONOCEN A UN ACTOR QUE QUIERA HACER ESTE MONÓLOGO, HABLEN A OCESA PARA SU AUTORIZACIÓN…CÉSAR BONOPor Julieta Orduña Fotografía Miryam Almanza
La obra Defendiendo al cavernícola, que desde hace nueve años se presenta en la ciudad de México y algunas giras por provincia, estuvo en nuestra ciudad el 17 de febrero. La genialidad y profesionalismo del primer actor César Bono, quien dio la función 2715 en el Teatro Aguascalientes, se hizo patente y comentó para A Escena el nuevo proyecto de OCESA de ceder los derechos de esta obra a compañías locales:
Señor César Bono, un mensaje para el público de Aguascalientes… Me gustaría decirles que sigan apoyando el teatro. Este Teatro Aguascalientes es precioso, tengo el honor de haber sido uno de los primeros actores que vino después de su inauguración, que si mal no recuerdo fue una compañía rusa la que lo inauguró; y la segunda obra fue un montaje donde participaba el Sr. Pompín Iglesias y Omar Fierro, en fin; un gran elenco y ahí estábamos nosotros. Es un teatro de los más bellos de México y como suelo decir en todas las ciudades del interior de la República, apoyen el teatro. El teatro es cultura, para que las obras sigan viniendo a su ciudad es necesario que la gente acuda a las taquillas y eso se los digo sin ningún interés personal, yo soy un actor contratado, que gano lo mismo si hay cien personas o dos mil, pero se los digo porque hay que apoyar el teatro. El teatro es un libro escenificado, entonces, por más comedia, por más divertido que sea, a fin de cuentas es un libro. Apoyen los libros, apoyen la cultura, aprovechen su bellísimo teatro.
¿Nos puede platicar acerca de la obra? Es un monólogo que ha roto record en todo el mundo. Ésta es la obra no musical con más representaciones en toda su historia, y por supuesto en Nueva York. Se dice fácil pero no lo es. El autor, Rob Becker, estuvo más de once años y medio en Broadway gracias al éxito del montaje, incluso hay una calle en Nueva York que se llama “El Cavernícola”, y también hay un día en julio que es El Día de El Cavernícola. En Alemania por ejemplo, nada más hay 10 montajes de Defendiendo al cavernícola. El dueño de los derechos, que ya no es el autor sino otro señor, quiere poner en Europa occidental 100 Defendiendo al cavernícola, en América Latina otros tantos más, aquí en México ya se estrenó simultáneamente en Monterrey, y tengo entendido es la primera vez que se monta con un actor local. Primero fue Monterrey y se irá haciendo luego en Guadalajara, después puede ser Mérida y por qué no, también en Aguascalientes.
Es muy buena la propuesta de descentralizar el teatro y darle esa actividad a los grupos locales… Claro que sí, cuando me dijeron que otro actor iba a hacerla en Monterrey me preguntaba el productor, Morris Gilbert, que si me molestaba y le dije que no, que al contrario; es algo con lo que he luchado con “Defendiendo al cavernícola”. En muchas ciudades, entre ellas Aguascalientes, nos presentábamos en cines adaptados como teatros cuando salíamos de gira porque no había teatros en muchas ciudades. Ahora sí hay teatros estupendos, les digo que éste es uno de los diez mejores que hay en México, entonces como actor y como amante del teatro uno siente mucha tristeza de que estos locales, por ponerlo en números, tengan al año 20 espectáculos. De menos, deben tener 52, uno por semana, aunque ahora es muy difícil traer a la gente, pagar avión, hotel, pero ¿cuál es la otra solución? Las compañías locales. Ahí les dejo la semillita, si conocen a algún actor que quiera hacer este monólogo sólo hablen a OCESA, la compañía para la que yo trabajo, y que lo pongan. En la ciudad de México hago esta obra de jueves a domingo, seis funciones a la semana porque yo así podía pero por qué no hacer la prueba con “Defendiendo al Cavernícola” o con “Monólogos de la vagina”, en fin, con obras de OCESA que tienen mucho éxito y se ha comprobado que funcionan muy bien en la ciudad de México. Son obras que tienen años en la ciudad y por qué no hacerlo en provincia.
¿Estaría César Bono haciendo la supervisión de las compañías locales? No, la verdad es que yo no tengo el tiempo pero por decir algo, en Monterrey la montó el señor Héctor Bonilla, que fue quien me dirigió a mí, pero la dirección la hizo el asistente de director, que es Jaime Matarredona por compromisos de Héctor, que es de los actores que más trabaja en México. Así que imagino que estaría aquí el asistente como va estar en Guadalajara y les digo, sería un camino ideal, también hay que pensar que al hacer esto se pueden reducir costos y por ende, el boleto puede ser más barato. Estoy muy orgulloso de que la obra Defendiendo al cavernícola sea la que de inicio a este proyecto de descentralización, una obra en la que trabajo, y ojalá que sea una semilla que de muy buenos frutos.
Cuál es el sentir de la obra… ¿Que se tome como terapia para las parejas? Si, es una terapia el conocer las diferencias que hay entre hombre y mujer, voy a comentar un ejemplo clarísimo; en la ciudad de México, en el teatro en que me presento, una vez llegó una pareja a comprar 76 boletos y por supuesto que el taquillero le dijo: “oiga, ¿cómo que 76 boletos, que va a revenderlos?” y resulta que eran para una asociación civil que ayuda a las parejas en sus problemas cotidianos. Y por qué se logra este resultado?, no es por el actor, ¿quién es el importante ahí?, pues el escritor. El autor para escribir esta obra estuvo documentándose tres años, tú como autor teatral tienes la oportunidad de decir: “yo digo que la mujer es así y el hombre es así porque a mí se me ocurrió y porque se me da la gana“, en cambio este cuate, en lugar de tomar esa actitud, se puso a estudiar desde la época de las cavernas, por eso se llama Defendiendo al cavernícola, entonces; todos los datos que se dan en la obra están basados en estudios científicos. No hay nada que el cuate se haya sacado de la manga, el número de palabras que hablan las mujeres, por qué cuando vamos de compras lo hacemos de manera distinta, etc. Por decir algo, la función que vieron es la 2715, llevo la cuenta porque me las apuntan en el camerino, y digo que sé en qué función voy pero no he contado los codazos que se dan las parejas cuando ven la obra.
¿Va a seguir César Bono “Defendiendo al cavernícola” mucho tiempo más? Sí, hasta que me corran, me siento un actor muy afortunado de que el señor Morris Gilbert haya pensado en mí y el actor Héctor Bonilla, y creo que sería una persona muy malagradecida si renunciara a este enorme montaje.
17 de febrero Defendiendo al cavernícola De Rob Becker Con César Bono Dirección de Héctor Bonilla.
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