DEVELAN PLACA POR LA CONCLUSION DEL 2o. CICLO DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO DE INBA-CONACULTA

Comunicado No. 1165, Conaculta

***La presidenta de  Conaculta, Consuelo Sáizar, develó la placa en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes

***El cierre del segundo ciclo de la CNT fue también la conclusión de la temporada de la obra Egmont

 

La noche de este domingo, en el cierre de la temporada de la obra Egmont , en Teatro de las Artes del Cenart, la presidenta del Conaculta, Consuelo Sáizar, develó la placa por el cierre del segundo ciclo de la Compañía Nacional de Teatro que dirigida por Luis de Tavira ha llevado a escena 12 obras.

Al cumplirse el segundo ciclo de la Compañía Nacional de Teatro, que coincide con el segundo año desde su reestructuración bajo la dirección artística de Luis de Tavira, cuenta a la fecha, con un repertorio de 12 obras, con 347 funciones a las que  han asistido 58 mil 646 espectadores, se ha presentado en 17 teatros, tanto dentro de la ciudad como en el interior del país, y 11 instituciones culturales  se ha sumando al proyecto de la CNT.

     En la creación artística de los diversos montajes se ha contado con el trabajo de 13 autores, seis dramaturgos, además  de 10 compositores de música original, 12 directores de escena, un director de orquesta y un director musical, ocho escenógrafos, nueve diseñadores de iluminación, 10 diseñadores de vestuario, cinco coreógrafos, tres sopranos y 33 actores invitados.

     La Compañía Nacional de Teatro ha erigido puentes de colaboración con distintas instituciones culturales del país, lo que ha permitido la realización de acciones conjuntas en favor del público mexicano.

     El Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, el Centro Nacional de las Artes, el Festival Internacional Cervantino, el Instituto Nacional de Bellas Artes, ha hecho posible la realización de este proyecto.

     Este segundo ciclo de la Compañía Nacional de Teatro concluye una etapa más de la construcción del repertorio basado en la permanencia del elenco estable, en busca de la diversidad y la pluralidad.

                                                                                                                La Compañía Nacional de Teatro ha construido un repertorio que integra las siguientes obras: Pascua de Strindberg , versión de Héctor Mendoza, Ni el sol ni la muerte pueden mirarse de frente de Wajdi Mouawad, versión de Esther Seligson, Edipo en Colofón de Flavio González Mello, Ser es ser visto , paráfrasis de Luis de Tavira y Stefanie Weiss basada en textos de Botho Strauss, Galileo un foso , Egmont de Goethe, versión de Juan Villoro. Horas de gracia de Juan Tovar, Zoot Suit de Luis Valdez, El malentendido de Albert Camus, Natán el sabio , de G.E. Lessing, versión de Stefanie Weiss y Luis de Tavira.

LA VIOLENCIA SOCIAL SEGÚN RASCÓN BANDA

Por Elidet Soto, Noticias 22

 

Dana Stella Aguilar lamentó que actualmente sólo se destinen recursos para el Bicentenario, descuidando a las artes escénicas

 

DISTRITO FEDERAL, México, 05/08, (N22).- A manera de homenaje al escritor Víctor Hugo Rascón Banda, la agrupación Conjuro Teatro estrenará en el Centro Nacional de las Artes (Cenart) la producción Historias de contrabando , una obra basada en la novela de Contrabando, recientemente publicada y que recibió el Premio Nacional de Novela Juan Rulfo.

"Escogimos esta pieza porque nos agrado mucho la narrativa y todo el mundo que se presenta en la novela, no realizamos una adaptación dramática porque quisimos jugar y mostrar nuestra interpretación de la misma, sin sujetarnos mucho a líneas de diálogo que te exige la dramaturgia, simplemente nos avocamos a trasladar la novela al montaje", expresó para N22 Dana Stella Aguilar, directora de la puesta en escena.

Para la directora, la importancia de presentar una obra con esa temática, radica en analizar cómo ha cambiado la forma de hablar sobre el narcotráfico y la dimensión que ha tomado en los últimos 20 años. "Creemos que la manera de abordar la temática es mucho más deshumanizada ahora que como lo narró Víctor Hugo, ahora es muy amarillista y todo el mundo ya está acostumbrado, entonces la idea es humanizar el conflicto, abordarlo de manera diferente".

Historias de contrabando se sitúa en un pequeño pueblo del municipio de Uruachi, al norte de Chihuahua, es ahí donde poco a poco el narrador comienza a develar las historias en las que el narcotráfico trastoca la vida de los habitantes, genera temor entre la población y deja mujeres de luto y niños huérfanos.

Entre los retos a los que se enfrentó Stella para montar la obra fue encontrar la manera de contar la historia sin necesidad de utilizar la dramaturgia. "Yo no soy dramaturga, ni tampoco los chicos de la compañía, así que fui sacando algunos fragmentos y los pegué a mi gusto de contar, sé que es un riesgo, pero queremos ver si funciona".

Afirmó que en ciertos momentos hubo un temor a parecer ingenuos, ya que al paso de los años el tema ha cobrado otras dimensiones. "No queremos que la gente diga que lo que contamos es de niños, pero la intención es dar a conocer el origen social y político del tema, el cómo la gente de un pueblo pobre se va involucrando en diversas actividades con el fin de subsistir".

De acuerdo con la también fundadora de la compañía Conjuro Teatro, la fuerza de la pieza recae más en la capacidad actoral que en lo visual, pues aseguró que la pluma de Rascón Banda tiene que saber interpretarse y va más allá de los recursos escenográficos. "No tenemos una gran escenografía porque confiamos en el actor, en su capacidad para darle vida a los personajes, además porque la crisis teatral no da para despilfarrar en cosas innecesarias, estamos en una época donde la creatividad cobra más fuerza que el dinero".

Sobre ese tema, enfatizó que hacer teatro en México siempre ha sido un poco complicado por la cuestión de apoyos, sin embargo, lamentó que desde el año pasado la situación se haya agudizado debido a que la mayoría de los recursos son destinados a las celebraciones del Bicentenario de la Independencia.

"Nos ha sorprendido que se le metió mucho dinero a esa celebración y se descuidó un poco a los artistas que no tienen una propuesta para el Bicentenario, aunque eso no nos ha limitado, pues siempre encontramos pequeños patrocinadores como el Cenart que nos facilitó el teatro y la compra de funciones; sin embargo, la producción se hizo a través de donaciones en especie", señaló la artista.

La temporada de la obra Historias de contrabando, se llevará a cabo del seis al 29 de agosto, los viernes a las 20 horas, sábados a las 19 y domingos a las 18 horas, en el Foro de las Artes del Cenart ubicado en Río Churubusco y Calzada de Tlalpan. Para mayor información consultar: www.cenart.gob.mx

JADEVOLUCION-ARTE ANUNCIA A LOS PARTICIPANTES DEL ENAEA 2010

Promoción y Difusión JADEvolucion-arte. DF .

 

A unos meses de que se realice en la ciudad de México el Sexto Encuentro Nacional de las Artes Escénicas y Alternativas México 2010, la Compañía Artística Multidisciplinaria JADEvolucion-arte A.C., anuncia a los participantes del ENAEA 2010 que en el mes de mayo y junio enviaron sus propuestas para formar parte de este magno encuentro.

Espacios como el Centro Cultural José Martí, Centro Cultural Xavier Villaurrutia, Casa de Cultura Romita, Centro Cultural de la Diversidad e Instituto Mexicano de la Juventud se convertirán en sedes oficiales de ENAEA 2010, además se otorgaran premios especiales a promotores y artistas destacados como Benjamín Bernal, Fernando Vesga, Canelo Kot y al Grupo Informativo A escena , del estado de Aguascalientes.

 

A continuación los seleccionados para participar en el ENAEA 2010:

Artista/Grupo: Toputshi Teatro

Propuesta: Sonrisas para el mundo

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Andamio Teatro

Propuesta: Monólogos para una coladera

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Canelo Kot

Propuesta: Voces del amor

Disciplina: Música

Artista/Grupo: Toral

Propuesta: Paranoico

Disciplina: Música

Artista/Grupo: Cuarto Menguante Teatro

Propuesta: Librándola

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Compañía Teatral 30arte

Propuesta: La Tolvanera

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Mandinga

Propuesta: TAM-TA-MASK

Disciplina: Artes Alternativas

Artista/Grupo: Juana Noriega

Propuesta: Imágenes y Mural

Disciplina: Literatura

Artista/Grupo: Ulises Ortiz Castillo (PlasCK)

Propuesta: El cartel activista

Disciplina: Artes Plásticas

Artista/Grupo: Compañía de Teatro Yohualtonalli

Propuesta: El oso

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Carlos Alejandro Ruiz Pérez

Propuesta: Iz.Saru

Disciplina: Música

Artista/Grupo: Eduardo Zittle

Propuesta: Ser Libre

Disciplina: Música

Artista/Grupo: Sueño Lucido

Propuesta: La segunda parte de un silencio

Disciplina: Música

Artista/Grupo: Compañía Teatral La Gruta

Propuesta: Ellas

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Bla Bla Bla Producciones

Propuesta: Limpieza

Disciplina: Cine

Artista/Grupo: Edgard Gómez-Farías Castillo

Propuesta: Sin título y Vuelo

Disciplina: Cine

Artista/Grupo: Compañía Teatral Cempoa

Propuesta: Hierro y Memoria

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Arturo de la Cruz

Propuesta: La puta piadosa

Disciplina: Literatura

Artista/Grupo: Marcelo Romero Hernández

Propuesta: Las animas benditas

Disciplina: Literatura

Artista/Grupo: Compañía Teatral Alfa y Omega

Propuesta: El Uzamaki

Disciplina: Artes Alternativas

Artista/Grupo: Compañía Teatral Cempoa

Propuesta: Ríos de Noche

Disciplina: Teatro

Artista/Grupo: Rocío Portilla

Propuesta: Espasmos en el viento

Disciplina: Artes Plásticas

CONGRESO LOS 7 CAMINOS DEL ODIN TEATRET

Del 31 de agosto al 5 de septiembre de 2010, en Guanajuato, México

Patrocinado por La Fundación Cervantista Enrique y Alicia Ruelas AC  y c on el apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), la Universidad de Guanajuato y la Dirección de Extensión Cultural, se hará el congreso Los Siete Caminos del Odin Teatret.

Del 31 de agosto al 5 de septiembre, en el teatro Principal,  el auditorio general de la Universidad y el teatro Cervantes de Guanajuato se realizará el segundo congreso internacional que en torno al concepto Siete Caminos Teatrales que se organiza en México desde el año pasado.

Las inscripciones ya están abiertas. Para mayores informes los interesados pueden consultar las páginas  www.fundacioncervantista.com y www.jeitoproducciones.com o escribir a información@jeitoproducciones.com

En esta ocasión el Congreso Siete Caminos del Odin Teatret gira en torno a una de las compañías teatrales más importantes del mudo. Directores, actores y pedagogos especialistas en artes escénicas, encabezados por Eugenio Barba, impartirán talleres, cátedras, ejercicios escénicos y presentarán espectáculos de su repertorio.

El motor principal de Siete Caminos Teatrales es motivar la reflexión acerca del teatro, la tendencia de las artes escénicas en el mundo y, a través de las experiencias de especialistas reconocidos, encauzar las vocaciones de actores, directores, dramaturgos, escritores y productores mexicanos.

La historia de la compañía Odin Teatret nació en 1964 en Oslo, Noruega. En 1966 se trasladó a Holstebro (Dinamarca). En la actualidad sus integrantes provienen de una decena de países y de tres continentes diferentes.

El Odin Teatret ha creado hasta el momento 81 espectáculos que han sido representados en 63 países y contextos sociales diferentes. Durante el transcurso de estas experiencias ha nacido y crecido una cultura específica relacionada con el Odin, fundada en la diversidad cultural y la práctica del “trueque”: los actores del Odin se presentan a través de su trabajo en un determinado ambiente, el cual responde con canciones, músicas y danzas pertenecientes a su cultura local. El “trueque” es un intercambio de manifestaciones culturales y ofrece no sólo una visión de otras formas de expresión, sino que es también una interacción social que desafía prejuicios, dificultades lingüísticas y diferencias de pensamiento, juicios y creencias.

Dentro de las actividades académicas y de preparación de actores y directores, en 2009, durante el Congreso Internacional de Teatro Siete Caminos Teatrales, el Odin Teatret ofreció becas para que algunos de los participantes se integraran a la compañía y vivieran la experiencia teatral con una de las agrupaciones más influyentes del mundo. 

Ahora el Odin Teatret estará en Guanajuato, en un congreso donde intercambiarán con la comunidad teatral mexicana todo su bagaje académico, sus técnicas actorales y de dirección, todo a través de puestas en escena, montajes, ejercicios escénicos y teorías del la propia compañía.

El congreso Siete Caminos del Odin Teatret brinda la oportunidad de convivir profesionalmente con directores, actores, productores y creadores escénicos, preparando espectáculos para presentarse ante el público en ejercicios abiertos.

Los integrantes del Odin Teatret que estarán en la Universidad de Guanajuato del 31 de agosto al 5 de septiembre vienen encabezados por su director y creador, Eugenio Barba. Italiano de nacimiento, Barba es considerado uno de los directores teatrales más importantes del mundo. Con más de 40 años al frente del Odin Teatret , ha dirigido 72 producciones y se ha consolidado como un generador de creadores, actores y directores escénicos.

Acompañan a Eugenio Barba en el Congreso en México, Julia Varley , actriz, directora y pedagoga, Kai Bredholt , músico, actor y compositor, Iben Nagel Rasmussen , actor, director, maestro y escritor, Jan Ferslev , músico, compositor, actor y maestro, Augusto Omolú , bailarín de ballet clásico y danza moderna, actor y director, Sofía Monsalve y Luciana Bazzo, productoras.

Un evento único en México que se realiza en Guanajuato, México, del 31 de agosto al 5 de septiembre organizado por Jeito Producciones www.jeitoproducciones.com las inscripciones están abiertas.

TERCER ENCUENTRO DE LA VOZ Y LA PALABRA CEUVOZ
VASTA´S ANNUAL CONFERENCE

Ciudad de México, Capital Iberoamericana de la Cultura 2010

 

El Centro de Estudios para el Uso de la Voz, CEUVOZ , institución pionera y única en México, dedicada al estudio profesional de la Voz y su última y principal consecuencia, la Palabra, en conjunto con Voice and Speech Trainers Association VASTA , convocaron a creadores escénicos mexicanos con trayectoria de toda la república y a parte de los miembros de VASTA, a participar en el Encuentro Internacional, “MUCHAS LENGUAS, UNA VOZ / MANY LANGUAGES, ONE VOICE ” en la Ciudad de México, Capital Iberoamericana de la Cultura 2010, que se llevará a cabo en el Gran Hotel de la Ciudad de México del 1 al 6 de agosto de 2010, con el apoyo del CONACULTA y de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal.

El Encuentro reunirá a profesionales de la voz de todos los estados de la República Mexicana y de otras nacionalidades, para favorecer el intercambio académico con maestros nacionales y extranjeros, con lo que obtendrán el conocimiento de diversos métodos de trabajo vocal y corporal, mediante la participación en talleres y mesas de trabajo que generen la reflexión conjunta sobre el quehacer artístico y cultural. Participarán dos creadores escénicos de cada una de las entidades federativas del país, ambos fungirán como delegados de su Estado y tendrán la encomienda de compartir en sus localidades la experiencia obtenida.

Se solicitó a los delegados que en su participación consideraran de qué manera el intercambio pedagógico y artístico con otras culturas beneficia el trabajo creativo en su estado y fomenta la amistad y el respeto entre los pueblos; qué acciones de política cultural propone su entidad en beneficio no sólo del trabajo vocal, sino artístico en general; y en el marco de las celebraciones del Centenario de la Revolución Mexicana y del Bicentenario de nuestra Independencia qué personajes emblemáticos existieron y qué sucesos relevantes de la Independencia y de la Revolución Mexicana se dieron en su estado, durante ambos hechos históricos.

EL HOGAR COMO CÁRCEL DE DOS DESADAPTADOS Y EL LENGUAJE MEDIO DE LA INCOMUNICACIÓN

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Hogar, dulce hogar, reza la frase popular. Sin embargo, éste puede convertirse en la cárcel –con sus respectivas torturas- de una pareja cuya principal característica es la desadaptación con su entorno y con sus sentimientos, con la agravante de que el lenguaje –tanto oral como corporal- sólo sirve para incrementar la incomunicación.

En estas ideas se resume la trama de la obra Antes del desayuno , de Eugene O'Neill, bajo la dirección de Juan Carlos Cuéllar y las actuaciones de Itari Marta y Ammel Rodrigo, quienes dan vida a dos desolados personajes que transitan por la vida como dos autómatas, sin ninguna ilusión, sin ninguna finalidad, simplemente toda su existencia transcurre en la monotonía.

El lugar escogido para la representación es Espacio Urgente2 , ubicado en la sede del Foro Shakespeare; un cuarto de unos 12 metros cuadrados, que incluye un baño integrado (antiguamente fue una recámara de la casona), que apenas puede albergar 16 espectadores. La escenografía se reduce a una mesita, dos sillas, un perchero y una repisa con algunos objetos, destacando una cafetera, cuyo sonido del hervor del agua que contiene se convierte en un efecto sonoro.

Como ya se mencionó, la habitación es el calabozo de dos almas enfermas, masoquistas y dependientes de sus frustraciones; dos seres que aparecen y desaparecen en y del mundo, sin mayor trascendencia que comprobar su inutilidad como seres humanos.

La dirección opta por un ritmo semilento, a tal grado que transcurren muchos minutos desde el inicio sin que pase nada, sin que se pronuncie una sola palabra, se trata, por decirlo de alguna forma, de escenas de situaciones. Transcurrido un buen tiempo, la mujer comienza su perorata y entra de lleno a un prolongado monólogo.

A través de éste, nos enteremos que su marido es poco menos que un mantenido, un poeta –al menos es lo que él cree- venido a menos y abandonado por su padre económicamente bien acomodado, además un botarate del dinero de su “amada” y un bohemio desobligado y sin la menor intención de trabajar.

Ella de clase media baja, es un dependiente emocional, una masoquista que consciente de su realidad no tiene el valor de abandonar a su querido. Pelea, repela, llora, pero ahí sigue; el aprovecha la estupidez mental y emocional, como dice el refrán “a quién le dan pan que llore”.

Itari, logra una excelente actuación, domina el monólogo, está consciente de la problemática del personaje y como si se tratara de su propia vida, enfrenta la situación de forma loable. Va de más a menos a medida que se desarrolla la puesta y el final es apoteótico, la actriz se entrega y alcanza niveles histriónico impresionantes, sobre todo por la expresión corporal –en particular de sus brazos y manos- para convencer a propios y extraños de la tragedia que viven muchas de las parejas actuales y mujeres en particular.

Juan Carlos no pronuncia una sola palabra en todo el montaje, es una especie de autómata. Sin hablar, su actuación es pobre y poco convincente; su personaje se encuentra en el momento en que se la está bajando la borrachera e inicia la cruda. Su estado etílico no coincide con su caracterización, sin que tenga que caer en el realismo de lleno. Lamentablemente Juan Carlos no está a la altura de Itari ni de la propuesta del director, un cambio de actor le vendría muy bien a la puesta, al menos para futuras ocasiones.

El título hace referencia a lo que acontece en una pareja que pasa por las citadas circunstancias, esto es, lo que sucede antes de que desayunen, digamos que es como el abrebocas: el reclamo, el insulto y la indiferencia, la rutina.

Antes del desayuno se representa en Espacio Urgente 2, del Foro Shakespeare, de la Ciudad de México, los viernes a las 19:30, sábados a las 20:00 y domingos a las 18:00 horas. Se debe reservar con anticipación y la entrada es de cooperación voluntaria.

TEATRO, DANZA, ACROBACIA, EXPRESIÓN CORPORAL Y LA IMAGNACIÓN EN HADAS

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

El escenario da cabida a todo lo que creatividad pueda concebir, sin importar los recursos financieros con los que se cuenten, esto es, teatro, danza, expresión corporal y, sobre todo, la imaginación, tiene como punto de encuentro la puesta en escena Hadas.

Roberto Manzano, en calidad de autor y director del espectáculo, pensado para los niños pero que igual o más disfrutan los adultos, está dividido en tres partes y en concreto aborda el tema de los cuentos de hadas, esos seres maravillosos, no tan irreales como se pudiera creer, que han alimentado a generaciones milenarias de hombres y mujeres que abren sus corazones al mundo fantástico y que en más de alguna ocasión sirve de parapeto para olvidar momentáneamente la dura cotidianeidad de la vida.

Las partes en que está dividida son intitulan: La Luz, El Circo y El Final Feliz. La propuesta se basa, fundamentalmente, en la danza, aún cuando hay una dramaturgia previamente concebida. Cómo suele suceder con esta disciplina, una cosa es lo que se lee en el programa de mano y otra lo que se ve en el escenario. Sin embargo, en este caso es lo menos importante, lo relevante es la belleza plástica con la que se atrapa la atención de los infantes y de sus progenitores y acompañantes.

El espectáculo pareciera no estar dirigido a un público específico por sus edades y de ahí lo que se le debe alabar a su creador-director, ya que en estos tiempos cuando se promueve una obra para niños, la mayor de las veces los adultos se aburren o, difícil pero imposible, que se atrape a los adultos y los niños sean los que salen aburridos y/o fastidiados, por ello el agradecimiento a Roberto que ha pensado en todos.

Ocho bailarines-acróbatas dan vida a un mundo mágico, de ensoñación y cuadro a cuadro dar vida a una historia, que se torna imagen visual frente al espectador y junto con los personajes emprender un viaje fantástico, que en tiempo real tiene una duración de alrededor de una hora, pero que al concluir perdura en la memoria, junto con su colorido, el uso del multimedia, la música, múltiples cambios de vestuario, iluminación y hasta danza aérea.

Aurora Nava, Carlos Daniel Luis Jamez, María Fernanda Garfias, Mike Saenzú, Natalia Rychert Slawinska, Valeria Lorduguin y Vicente Amparan, son los responsables de convertir en realidad el mundo onírico de Roberto Manzano. Jóvenes casi en su totalidad, que se entregan en cuerpo y alma en el teatro, no sólo en el escenario porque se rompe la cuarta pared, salen de los lugares más inesperados, vuelan por el espacio del recinto e interactúan con el público.

No hay un texto, todo queda en el lenguaje del cuerpo, sin embargo en algunos breves momentos esos seres intercambian algunas palabras en un idioma propio de ellos, inentendible para los asistentes, pero que por lo desarrollado en el escenario, se convierte en parte del mensaje del autor, apoyado en la pantomima, además de otros elementos antes mencionados.

Tal vez lo único cuestionable –ya no tan raro en la sociedad contemporánea de la Ciudad de México y tópico que con más frecuencia se empieza a plantear en el teatro para niños- es que se aborda el tema de los matrimonios gay, al menos es una lectura personal, lo que hay que reconocer es que se hace de una forma elegante, sutil y, lo más importante, artística. Lo cuestionable es que, como en otros casos, no se advierta a los padres de lo que verán sus hijos en escena.

Hadas es un espectáculo interdisciplinario, multitemático, estético y, ante todo, propositivo, que puede disfrutarse en el Foro Shakespeare, de la Ciudad de México, los sábados a las 13:00 horas.

UN NUEVO DIÁLOGO ENTRE LOS TROYANOS PROTAGONISTAS
DE LA TRAGEDIA HOMÉRICA

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Un nuevo diálogo entre los troyanos protagonistas de la famosa guerra narrada por Homero en La Ilíada , es llevada a escena en una peculiar lectura a cargo de Fernando Bonilla, quien a partir de una ficción emanada de su conocimiento sobre el tema y la imaginación desbordada, Paris, Helena, Héctor y Andrómaca dejan al descubierto sus sentimientos, su concepción sobre la guerra y la paz, los valores que a cada uno los motivo bajo las circunstancias y sensaciones encontradas entre el amor y la defensa de su ciudad.

La obra lleva por título Otro mar e inicia con la narración de un sueño de Helena y una disertación de Paris que considera que la paz se reduce a su amada y él juntos por siempre, por lo mismo para ambos la guerra a acabado a pesar de estar sitiados por los griegos.

Los diálogos son estremecedores, cada uno fundamentando sus posturas, un debate frontal sobre las razones que los mueven: Paris pensando sólo en el amor; Héctor en la batalla, en la defensa de su pueblo y lamentando la cobardía de su hermano que se traduce en la deshonra de todo lo que considera está por encima de los intereses de los involucrados; Andrómaca ávida de amor, de cariño y comprensión por parte de su marido y Helena en una tormenta existencial producto de la traición y del cariño, que la llevan a una cierta apatía.

Paris más que un cobarde es un pragmático, renuncia a combatir aunque se augurara la victoria de los troyanos. Héctor considera que al huir su libertad será su propia cárcel; París siente que igual muera un cobarde que un valiente. Surge una máxima: la guerra la organizan los viejos, la pelean los jóvenes y sin embargo los niños siguen con sus juegos y no por ello son indignos aún cuando sus padres mueran o sean torturados.

Fernando Bonilla lleva más lejos la tragedia que el mismo Homero. Lo que se ve en escena rebasa la crueldad de la guerra y se adentra en la batalla interna que se da entre los involucrados, el verdadero sufrimiento no está en lo general sino en lo particular, en los seres humanos que se debaten entre el deber ser y el ser.

Seres que transitan por un laberinto existencial que no tiene más que una salida: la muerte, primero la del alma y luego la del cuerpo. Héctor lo sintetiza en: “La tristeza es nuestro destino”.

Las actuaciones están a cargo de Daniela Arroio (Helena), José Carriedo (Héctor), Bernardo Gamboa (Paris) y Micaela Granajo (Andrómaca). José mucha enjundia, menos actuación, más pasión que histrionismo. Micaela en un  papel en apariencia pasivo, de resignación, convence. Daniela con altibajos, momentos buenos y otros donde pasa desapercibida. Bernardo es quien se roba la puesta, un trabajo certero, domina diferentes estados emocionales, gran manejo de voz, se posesiona de las situaciones y es quien logra que los diálogos se vuelvan interesantes, histriónicamente hablando.

Fernando asume también la dirección. Opta por un espacio vacío, grava en el suelo y un pozo al centro. Como ya se ha vuelto una costumbre en el teatro cultural de la capital del país, todo el peso de la puesta recae en el trabajo actoral. El vestuario diseñado por Myriam Méndez suponemos quiso que fuera intemporal, pero la verdad, sobretodo en el caso de los hombres, recuerda a los combatientes de la Guerra Civil Española y nada que ver con los troyanos.

Un texto interesante, una interpretación libérrima –como diría el maestro Luis de Tavira-, un montaje alternativo para aquellos amantes de los clásicos griegos. Otro mar se puede disfrutar en el Foro Shakespeare, de la Ciudad de México, los lunes a las 20:30 horas.

EL AMOR, LA ILUSIÓN Y EL DESEO TERMINAN CON EL MATRIMONIO Y EMPIEZA LA RETIRADA

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cuando el amor, la ilusión y el deseo terminan empieza la retirada, al menos de uno de los cónyuges, sin importar que la relación haya durado más de 30 años; cuando una de las partes ya no quiere porque ha encontrado nuevos horizontes, la otra debe asumirlo con dignidad aunque esto no siempre suceda.

La catástrofe matrimonial es relacionada con lo que sucedió en Rusia, en la época napoleónica cuando el entonces más poderoso ejército del mundo, el francés, fue masacrado por el frío, más que por sus enemigos. William Nicholson, dramaturgo inglés, hace una metáfora entre los dos hechos, que se sintetiza en: la sobrevivencia.

“¿Debe uno sacrificarse por el otro aún a costa de poner en riesgo la propia vida? ¿Es culpable él que decide salvarse y abandonar en la nieve a un semejante, pudiendo arriesgarse a salvarlo? Metáfora contundente y fascinante porque pone en debate al hombre, no al héroe, sino al hombre de todos los días”, refiere Jorge Arturo Vargas, responsable de la puesta en escena La retirada .

Así las cosas, Eduardo (Rogelio Guerra) decide un buen día abandonar a su esposa, quien se caracteriza por una intolerancia hacia su marido, principalmente por algunas de sus formas de pensar, por algunos de sus gustos o placeres en la vida y, en general, por su comportamiento como hombre; le dice a su único hijo: “tu padre es un cobarde y evasivo”

Por su parte Alicia (Nuria Bages) es una mujer de fuertes principios religiosos, pero como todo lo que se lleva al extremo convierte a la gente en fanática, lo bueno que puede tener se convierte en lo malo para quien la rodea, paradojas de la vida; a pesar de que su exigencia se reduce a querer un matrimonio real; ser que se aferra por conservar su matrimonio, hacerlo funcionar con la voluntad de los dos, aún cuando en realidad es con sus deseos y conceptos propios.

El tercero afectado es el hijo, Jaime (José María de Tavira), quien se mantiene, hasta donde le es posible, al margen de las diferencias de sus padres y trata de ser un conciliador en la separación, entre la intolerancia de la mujer y el desinterés de su padre con relación a su madre, aceptando que éste mantenga una nueva aventura.

Como parte del subtexto queda la polémica sobre la existencia de Dios, por qué en caso de existir permite todo el mal que acontece en el mundo; la trascendencia del ser humano más allá de la muerte y sobre los alcances y límites del libre albedrio.

Jorge Arturo Vargas es un director conocido y reconocido en el ámbito cultural, sus propuestas escénicas siempre son polémicas y en ocasiones se duda si en realidad se trata de teatro o algún otro género como performance o instalaciones escénicas o lo que se quiera.

Ahora incursiona en el teatro comercial con buenos resultados y a una obra con características dramáticas indiscutibles, la convierte en una propuesta atractiva para todo tipo de público, está en los límites de lo que separa al teatro comercial del cultural. En concreto, hace realidad aquella idea de que el teatro comercial puede hacerse con dignidad artística, porque el mismo trabajo cuesta hacer algo bien que algo mal.

Con pocos recursos económicos recurre a una escenografía sin mayores pretensiones que recrear un hogar de clase media, con una maqueta al fondo que remite a la derrota del ejército de Napoleón, eso sí con una iluminación precaria y un vestuario sencillo propio de la condición de los personajes.

Lo más destacado de la puesta en escena es el trabajo de Nuria Bages, quien a pesar de que la mayor parte de su carrera teatral la ha desarrollado en el teatro comercial, es de las pocas actrices que por sus dotes histriónicos puede caracteriza cualquier tipo de personaje –incluyendo clásicos-, cualquier género –desde la tragedia hasta la comedia-, en verdad es un placer ver como se desenvuelve en el escenario y dominar tantos y tan variados estados anímicos, provocar la risa a partir de la seriedad, en concreto llenar el escenario con su sola presencia.

Rogelio Guerra hace gala de su experiencia y logra un buen trabajo, incluso cuando la trama entra de lleno en la comedia fina. Su estado de salud –esta en plena convalecencia de un fuerte accidente- no lo limitan en el escenario. Por último, José María de Tavira, a pesar de su juventud no se amedrenta y saca avante a su personaje y es el eslabón escénico entre los progenitores de su existencia en la obra.

La retirada (The retreat from Moscow), que plantea que después de un tiempo la infelicidad es aburrida y hay que pensar en otra cosa, se representa en el Teatro Libanés, de la Ciudad de México, los viernes a las 19:30 y 21:30, sábados 18:30 y 20:30 y domingos 17:30 y 19:30 horas.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Penealogías

 

En un bello recinto, el Teatro Hipódromo Condesa Penealogías, tiene buenos actores, Juan Velázquez, Daniel Aguila y Juan Antonio Gómez dan una conferencia sobre la sexualidad y genitalidad, para que nos divirtamos enormidades. Vestidos con smoking y tenis, como les vimos a los Beatles, durante más de dos horas nos hacen disfrutar una noche de lujo. Así nos vamos enterando de las tradiciones bíblicas, sexología, dichos populares y de ocurrencias para que salgamos más cultos y divertidos después de una semana de trabajo,   bien rematada por una sesión en que había mujeres y hombres de todas las edades, se divirtieron mucho.

Usan bromas gastadas como invitar  a la calma”Dalai”, aseguran que “Tocaremos algo que nos sobrecoge a todos. Se quiso suavizar  el tema llamándoles Penélope, tilín, pipi, ¿qué tiene de malo decir Pene? En la calle se le dice el cabezón, la corneta, la sin hueso, minotauro, no ve y tiene ojito, no es analgésico pero quita el dolor, sin pertenecer a ningún club le llaman miembro, todo un caballero se para que te sientes” Vaya, sigue un método parecido a Monólogos de la Vagina, a pesar de que fingen leer, todo está memorizado.

¿Cuántas veces pensó usted en el las recientes 24 horas? No lo niegue, dígalo, acomodando, rascando, viendo a una chica. La porra, dame una P. Dame una E. Dame una P. Dame una E. ¿Qué dice? Se siente mejor después detener esa palabra… ¿En las mañanas no se ve especialmente inquietito? Al pasar por los puestos de periódicos nos obliga a ver las portadas de revistas con encueradas. Se  discute en  los programas de radio y TV si “ellas” les ven el paquete. No, no se toma el biagra como si  fueran Halls. En realidad todo el tiempo es para planear el viernes, llamamos a la novia,  a la esposa, vamos a ver un show, a tomar una copa y a darle gusto al…

¿Para qué se inventaron las copas? Para perder el miedo a seducir. ¿Y ellas? Para perder el miedo a de ser seducidas. Alguien ha jugado competencias para ver quién tiene más… Acerca de la medida (talla) mundial informan que 13 a 18 cms. 23 es extraordinario. 12.5 se va  a examen extraordinario. El fenomenal y extraño caso de 45 cms. El público ríe a carcajadas  y los comediantes se los cotorrean.

Mencionan a los dioses que usan esta símbolo: Shiva, Osisris, Dionisos, Priapo, también  de brujería: pasarse un huevo por todo el cuerpo para el mal de ojo (si yo se que parece imposible)  ¿Por qué será que las mujeres lo conocen más?  Corren ciertas leyendas  populares sobre él, se dice que el pie  indica su tamaño, la nariz el color, así que se enamoró del payaso. No hay estéticas que hagan Penicure. No  no existe el medicamento que se llama p*t* bismol.

Un porno escritor hizo un prepucio, pucio y postpucio.  Existe una chamarrita de prepucios, claro, el calor y frio lo haría incómodo. Es divertido el segmento que habla de las reacciones, si ella es asmática, religiosa, torera, matemática, positiva, las asesinas seriales (si se  sale te…)¿ Y el piercing? Se habla de la etimología de la palabra Fuck (siglas de la  autorización del rey pa`ponerle Jorge al niño.

 Chistes gastados también hay: ¿en que se parecen las mujeres a los mosquitos? ¡Que se levantan, frotan los ojitos y ¡a molestar! Una encuesta dice que es como que las discas, todas las gatas lo prefieren. Si sospechas  que traigo aquí… (oh, así canta Cri Cri) Termina el show con una poesía para relajar el relajo creado y All you need is love. Recomendable, en la esquina de Ave. Revolución y Jalisco.

 

El Principito, 1943-2010

 

En esta obra hay un pequeño elenco, Eden Pintos (El show de terror de Rocky), Lorena Villegas, Victor Leon y Ioné Cervantes, con dramaturgia del mismo Ione y dirección de Sergio Cuéllar. Es un teatro cómodo para llegar en autobús, metro bus o en auto. Se encuentra en la esquina de las avenidas Revolución y Jalisco, donde antes fue un cine. Si no busca usted las comodidades y lujos de otros teatros, este es el lugar adecuado. Ya fui una función de adultos y otra de niños, en las dos me sentí a gusto. Es un montaje casi profesional.

Quizá los trajes y caracterizaciones necesiten una revisión, las giras internacionales que van a realizar lo ameritan. Son clásicos el Rico, el Rey, la vanidosa, elementos para que se comunique el complejo texto de Saint Exuperio, en mi lejana juventud se creyó que era un libro para niños, pero creo que no; más bien es una inteligente crítica a los padres. Siempre queremos tener la razón, al ver teatro para chavitos juzgo por sus rostros y la dificultad que tienen los padres en tenerlos quietos. En este caso, veo que los papas por momentos les tienen que llamar la atención para que se callen. Eso se modifica en algunos momentos, como cuando aparece un personaje que parece payaso, es reconocible y le prestan atención, esperan ver qué tiene que hacer para entretenerlos.

Me gustó la reacción cuando está al frente el bebedor, ese que dice “bebo por la vergüenza” ¿de qué? “Pues la vergüenza que me da beber” Es un momento menos abstracto que otros, donde los conceptos tienden más a impactar el público de mayor edad. En esta época todos los espectáculos tienden a la música fuerte, colores chillantes y rápida sucesión de diálogos con conceptos de uso cotidiano. Claro, si fuera cotidiano ver en la calle robots, vampiros y pájaros que persigue un zorro tonto.

 “No hay que entender a las flores, sólo admirarlas” es una buena referencia a conceptos que después se generalizarían, a fin de cuentas es de 1943, que no me digan que es concepto universal, porque en nombre de esta frase se siguen cometiendo errores garrafales como escenificar la Bella Durmiente en una época donde las madres visten a las niñas de nueve años como adolescentes. Y los mercadologías aprovechan esa anticipación para venderles de todo. El Farolero tiene un buen momento al apagar y encender, quizá le ayudaría coordinarlo con la cabina.

Es un segmento que generalmente logra el interés del público, obras infantiles que atraen a la gente, los grandes corporativos atienden a los niños sólo con precios de primer mundo, es una actividad que por eso tiene jalón en un foro céntrico donde se pueda llegar cómodamente. Es cierto que el mensaje de El Principito es atractivo a los padres y abuelos, en tanto los medios masivos le apoyen, dando espacio para que vuelva a ser un personaje tan famoso como los Transformes.

Organizan en este foro algo como el grupo Odesa, un club de amigos del teatro para tenerles informados de los estrenos y ofertas, ya que un alto porcentaje de padres, hijos grandes y pequeños checan sus correos constantemente, es buena idea para crear otro tipo de redes que antes se comunicaban por medio de la charla. Es el más poderoso medio de difusión, cuando alguien dice “véala, mis niños salieron contentos“ Eso es lo que vale.