RECIBE PASO DE GATO DOS IMPORTANTES RECONOCIMIENTOS
Paso de Gato noviembre 2010 . Seleccionada de entre once revistas latinoamericanas de teatro, tanto digitales como en papel, el pasado jueves 25 de noviembre Paso de Gato, Revista Mexicana de Teatro recibió la noticia de la decisión del jurado de concederle el Premio Teatro del Mundo en la categoría de mejor revista.
Los Premios Teatro del Mundo son otorgados a partir de una selección que realizan jurados integrados por historiadores y críticos del Área de Historia y Teoría del Teatro del Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires, de modo que “es un orgullo recibir este reconocimiento –señaló Jaime Chabaud, director de Paso de Gato - que queremos hacer extensivo a todos los autores e instituciones como CONACULTA, INBA, FONCA, UNAM, Sistema de Teatros del DF y a los Consejos y secretarías de Cultura de los Estados de la República que durante estos nueve años de vida de Paso de Gato han contribuido a hacer de ella una propuesta de periodismo, crítica y reflexión inteligentes para el desarrollo y difusión de las artes escénicas, pues no habría sido posible sin su colaboración, así como la de nuestro Consejo Editorial, constituido por compañeros y cómplices en esta aventura.”
En el marco del 35 Aniversario del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral ( celcit ), institución dedicada a la difusión, formación e investigación del teatro iberoamericano, la Junta Directiva del Centro decidió otorgar —como parte de su programa de actos— una serie de reconocimientos “a aquellas personas e instituciones que se han venido destacando por emplear sus mejores esfuerzos y energías al desarrollo y difusión del teatro iberoamericano, entre los que está tu trabajo al frente de Paso de Gato, que con gran acierto vienes dirigiendo”, señalaron Elena Schaposnik, coordinadora general del celcit, y Luis Molina, director del mismo, refiriéndose a la labor de Jaime Chabaud, por la que ha recibido de dicha institución la Medalla Especial así como el nombramiento de Miembro Honorario.
Estos reconocimientos se entregaron el pasado 28 de octubre en el XXV Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, en una ceremonia en la que fueron distinguidos también la directora de la revista Conjunto, Vivian Martínez Tabares, y el director de Tablas, Omar Valiño, ambas publicaciones de Cuba, así como Juan Villegas, director de Gestos: Revista de Teoría y Práctica de Teatro Hispánico del Departamento de Español y Portugués de la Universidad de California, entre otros.
En su discurso de agradecimiento, Jaime Chabaud señaló: “La Medalla Especial que hoy nos otorga el celcit de España no sólo nos llena de orgullo sino de gratitud hacia las instituciones que en distintos momentos nos han apoyado pero sobre todo a las plumas que dan vida y hacen de nuestras publicaciones organismos vitales de interlocución”.
Paso de Gato cumplió recientemente 9 años de trabajo constante y sólido publicando la revista (que va en su número 43), TOMA, Revista Mexicana de Cine (que cumplió dos años en octubre) y, entre otras cosas, 90 títulos de sus colecciones de libros Cuadernos de Dramaturgia Internacional, Cuadernos de Dramaturgia Mexicana, Cuadernos de Dramaturgia para Joven Público y Cuadernos de Ensayo Teatral que suman poco más de un cuarto de millón de ejemplares que se distribuyen en Argentina, Chile, Colombia, Costa Rica, España y Venezuela además de la República Mexicana.
TEATRIKANDO
Por Benjamín Bernal, presidente de la APT
El Coleccionista
Después de ver Rain Man , otra obra que despertaba la sana curiosidad era El Coleccionista , The collector , filme dirigido por William Wyler. El texto es de Mark Heally, atribuyen enorme parecido a sus propuestas y que las acciones suceden en interiores. En cine tiene mayor agresividad, lo que han contenido para dejar que aflore la lucha psicológica que se da entre ambos. El es Bruno Bichir y ella Bárbara Mori, quienes logran una de sus actuaciones de mayor fuerza y limpieza de las respectivas carreras.
Una escenografía funcional, además de bella, es la que muestra un sótano donde la tiene encerrada para lograr tenerla cerca. El rol de él es minucioso en su construcción, detallado en su caminar, hablar, manejar las frases y pausas, para dejarnos ver una persona que realmente tiene un problema con el medio ambiente social. Ella, por el contrario es una chica normal, como cualquier persona de la familia que simplemente un día sale a sus actividades cotidianas y se ve inmersa en una situación límite que desafortunadamente sucede a cada momento en México, la diferencia es la construcción de la personalidad de Frederick, a quien encarna el de la dinastía Bichir.
La mente de él es diferente a todas las que usted ha conocido, se ha enamorado de Miranda, jovencita que piensa sólo en su escuela y en el arte, en tanto que Frederick se ve favorecido con un golpe de suerte que le hace soñar en tener lo que sabe será imposible. O quizá sea perfectamente realizable, todo es cuestión del azar, esa es la labor del dramaturgo, mantenernos atentos a la escena que viene, donde es apreciable la inteligencia del personaje femenino que avanza, retrocede, para ir conociendo a un hombre que tiene sus manías, tics, deseos, frustraciones, para mantener a cada aficionado al teatro como un psiquiatra en activo.
Benjamín Cann es quien dirige, también la adaptación, el tiene una larga trayectoria, entre las que recordamos Una vida en el Teatro , Enemigos de clase; Máscara contra Cabellera , obra de Víctor Hugo Rascón Banda, obra absolutamente visual, que versa sobre el sindicalismo en el medio de las luchas, el pancracio pues, recordamos la obra con cariño y admiración, ahora que ya se está olvidando al Chihuahuense, al morir todo mundo le rendía homenajes y ahora sus obras están en los anaqueles, se montan obras extranjera y sólo se le menciona en los discursos. Pero regresando a El Coleccionista , podemos asegurar que vimos un trabajo equilibrado, en el que cada elemento está en su lugar. Ha trabajado cada escena de una manera fina, con inmersiones en el alma humana para divertirnos y aprender un poco más de esto que llaman el síndrome de Estocolmo, empezar a tener simpatía por el captor y hasta complicidad, aunque usted no lo crea.
Una obra que usted puede ver en el Helénico de Avenida Revolución 1,500, en San Ángel. Puede usted tener la seguridad de que verá una obra diferente al filme, ya que al ser dos lenguajes, un director y dos actores distintos, cada equilibrio y momento dramático cambia, es fino, pero es chilango.
Fue una de las alfombras rojas con mayor lucimiento del año: Pepe Solé, Alejandro y Odiseo Bichir, Lilia Aragón, Paty Pascual, Ignacio López Tarso, Shanik Berman, Laura Luz, para acompañar otra producción de Pedro y Jorge Ortiz de Pinedo.
Rain Man , del cine al teatro
Uno de los más esperados estrenos del año, que reunió una amplia colección de figuras del espectáculo, ya sabe usted, en la calle de Versalles, el Teatro Diego Rivera. Como era de esperarse la función empezó tarde. Platicamos con Alejandro Gou (que celebra el 29 cien funciones de Timbiriche ) José María Yazpik, Rafael Perrin y Manuel Landeta, entre muchos famosos que acudieron a ver el éxito de esta obra que protagonizaron Tom Cruise y Dustin Hoffman en cine, en 1998 ganó algunos premios Oscar. Me llama la atención que crean que es interesante revivir los éxitos ochenteros, el público es quien tiene la última palabra.
Nos recibe una escenografía un tanto rara, pues los principales momentos suceden al fondo en vez de al frente (proscenio) madera y beige, la ropa refleja esa era en que todavía se adoraba a los Beatles y anunciaba que vendría el baile Disco con John Travolta. Podían haberlo ambientado con multimedia, en vez de utilizar una escenografía de Sergio Villegas que seguramente no ganará premio alguno. Nos enteran que Rain Man era un amigo imaginario de su infancia, del joven interpretado por Alfonso Herrera, expresa que a su padre “nada de lo que el hiciera le parecía suficiente”, quien interpreta a un Yuppie (Young urban profesional) que tuvieron toda una legendaria época, por sus pocos escrúpulos para generar dinero. El billete era como un dios.
La dirección es un tanto convencional, habían muchas formas de ir resolviendo el avance de las escenas, la que escogió no resulta del todo bella y ágil. Insistimos con un poco de multimedia y trasladar los momentos más emocionantes a proscenio hubiera ganado fuerza narrativa. Pero, pues así está dirigida. La novia de Alfonso es Paola Núñez, quien logra cumplir con una actuación sincera, en tono medio, con la función de ser la conciencia del ambicioso hermano. Su padre ha dejado un testamento que no le satisface ni tantito. Pero no es mi estilo contarle la trama, sino las sensaciones que usted podría tener con este elenco de primer nivel.
El autismo es un tema de moda, en aquellos años apenas se empezaba a difundir a nivel general. El autista es Plutarco Haza, el Yuppi es Alfonso Herrera, quien lleva el enorme peso de ir viviendo distintas etapas y emociones porque a nadie la gusta hacerse responsable de un hermano con una psicología diferente. Probablemente usted ha visto el filme que ya pasa por tv abierta. Esta forma de percibir la realidad deja que desarrolle ciertas percepciones, pero niega el acceso a otras. En este caso el hermano tiene una gran capacidad matemática que da lugar a momentos jocosos. La actuación de Plutarco gana la simpatía del público que le premia con aplausos durante el desarrollo de la obra.
Por su parte Alfonso Herrera tiene el hueso duro de roer, un tipo duro, con avaricia, que deberá sufrir transformaciones, ose lo que juzgamos un personaje complejo sobre los escenarios. “Esta desmaplizado y deslibrizado” Plutarco son de los momentos de especial humor de esta obra. Los gestos del autista con frecuencia afectan el sonido del micrófono, hay que cuidarlo.
Una obra que irá perfeccionándose con las funciones, pero que ya desde el estreno para prensa se puede apreciar que es un gran trabajo, en que dos actores se lucen y mandan a casa al público con una reflexión: respetar y amar a nuestra familia si es “diferente”.
MEDARDO TREVIÑO RESPONSABLE DE UNA IMPRESIONANTE REINTERPRETACIÓN DE MACBETH
Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro
Fotografía Zvi Ziman
William Shakespeare, probablemente sea el dramaturgo que más es llevado a escena en el mundo, tanto por la belleza de sus textos como por la profundidad de los temas que trata. Ningún director se considera pleno si no ha montado alguna de sus obras, sea en la forma tradicional o convencional, o por arriesgar hacia nuevas propuestas, relecturas, adaptaciones, estilos, cambios de géneros o un largo etcétera.
Medardo Treviño, director tamaulipeco no es la excepción. Tuve la oportunidad de conocerlo alrededor de hace 20 años, en Ciudad Victoria y desde ese entonces su ímpetu juvenil lo llevaba a asumir propuestas de vanguardia, en una época donde las dificultades eran muchas, donde la moral provinciana no aceptaba que los directores se salieran de los convencionalismos estéticos y éticos, sin embargo a él eso no lo detuvo.
Al frente de un grupo de entusiastas, retadores e irreverentes actores se comprometió con sus ideales teatrales, lo que a la postre lo convirtió en uno de los más destacados representantes del teatro del noreste de la República Mexicana. El tiempo ha pasado y para fortuna de quienes lo conocemos y respetamos, su necesidad de apartarse de lo fácil, de no agradar a quienes no ven más allá de sus narices, Medardo continúa sorprendiendo, provocando, retando al espectador para que amplíe su panorama teatral.
Su teatro podrá o no gustar, lo cierto es que no pasa desapercibido, siempre quedan en la memoria sus montajes. En el caso que nos concierne para efectos de esta nota, la puesta lleva por título ¿Quién es Macbeth?, adaptación sobre la obra de William Shakespeare.
Si bien el “nuevo” texto conserva la esencia y las condiciones propias de los personajes, Medardo le da un enfoque actual, contemporáneo, pero por ello no se debe entender o creer que lo que hace es traer la trama y a los protagonistas a nuestro México contemporáneo.
Lo que concretiza es extraer el fondo con otra forma para penetrar, taladrar y ensangrentar el alma de aquellos cuya indiferencia a la violencia, traiciones, impunidad y… reaccionen. Creo, a título estrictamente personal, que al igual que Shakespeare -toda proporción guardada- Medardo toma una historia que sucede en cualquier parte del mundo para mostrar la realidad que acontece en el mundo real en el que vivimos los mexicanos.
Un escenario en penumbra, donde los personajes transitan como fantasmas de una realidad que existe pero que no se quiere ver. Aquí cabe destacar que la mayor parte de la iluminación se realiza con lámparas de mano -creo que se les conoce comúnmente como sordas- manipuladas por los mismo actores y dos personas de apoyo en el proscenio. Un efecto difícil de explicar con palabras, porque el teatro es para verse no para contarse. Lo cierto es que a partir de una concepción lumínica de los más sencillo, logra efectos de luz y sobras impresionantes.
Otro aspecto a destacar es la unidad del espectáculo. De principio a fin es homogéneo con el planteamiento de Medardo no hay “locuras” u ocurrencias a medio camino. Un montaje inmerso en la violencia, pero no descarada sino a partir de simbolismo que adquieren, si se me permite la estupidez, un tono poético; un modo de asumir la fealdad de la humanidad para crear una belleza teatral. La sencillez llevada hasta sus últimas consecuencias para crear una complejidad a partir de la nada, que en principio es injusto, porque la “nada” es el talento para crear a partir de la imaginación, de lo onírico, de la necesidad de ser y estar.
La sangre corre por el escenario, dos estructuras se transforman en todo sin dejar de ser nada. El vestuario desgarrado es el alma misma de quienes se debaten en la lucha por el poder. La traición y el asesinato en la que viven nuestros políticos queda a la luz en medio de la penumbra que demuestra la vasca que es la política en todos los tiempos. Medardo conjuga a la perfección reflexión y arte.
El elenco, integrado por tan sólo siete actores, se compenetra de lleno en el planteamiento del director; ninguno se antepone al resto, una unidad actoral impecable, asumiendo riesgos físicos e histriónicos. Todo o nada.
¿Quién es Macbeth? se presentó en la Ciudad de México, con tan sólo dos funciones en el teatro Jiménez Rueda, provocando la admiración del respetable, que en más de algún caso se conmocionó y sorprendió con el buen teatro que se hace en el interior de la República Mexicana, en concreto en Tamaulipas. Se programo una función más en el Círculo Teatral y sin haberla visto y prejuzgando no es el espacio conveniente para la puesta, partiendo de sus limitadas dimensiones.
En fin, para aquellos que tengan la oportunidad de ver esta puesta en escena no lo duden ni un minuto, si no quedo a merced de sus reclamaciones aunque termine como Macbeth.
LUMI CABAZOS Y CARLOS ARAGÓN PROTAGONIZAN
LA LARGA CENA DE NAVIDAD
Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro
Fotografía Zvi Ziman
 
Una de las grandes fiestas que se celebran en buena parte del mundo es con motivo del nacimiento de Jesús, ocasión que reúne a las familias en torno a la mesa para compartir los alimentos e intercambiar regalos, además de que es la oportunidad ideal para olvidar rencores y perdonar ofensas. La Nochebuena también es motivo de tristeza para muchos, sobre todo cuando por primera vez no estarán los seres queridos que se han adelantado al más allá.
Este es el punto de partida de la puesta en escena La larga cena de Navidad , de Thornton Wilder, bajo la dirección de Otto Minera, que tiene como peculiaridad –en clara alusión al título- que el convivio tiene una duración de noventa años, a pesar de que el montaje se desarrolla en tan sólo hora y media.
Se trata de una pieza, que como tal tiene poca acción, muestra aspectos cotidianos que a pesar de ser poco complejos aunque si frecuentes, sirven al o a los personajes –y al público- para extraer conclusiones importantes que transforman sus vidas. Más que una acción externa hay una acción interna.
Cabe destacar la excelente dramaturgia del estadounidense, quien con sólo una palabra o un diálogo logra que el espectador capte que han pasado uno o varios años, aún cuando no hay cambios bruscos de escenas, apagones o telonazos. Cuatro generaciones transitan frente al público y transmitirán su sentir, su devenir y mostraran mucho de lo que hay en su interior.
El texto no es un tratado sobre la condición humana o sobre las tradiciones sociales, de forma sencilla aborda la cotidianidad de la vida y de la muerte; de cómo las familias ven llegar nuevos miembros y a la par otros parten; generaciones que dan paso a las siguientes, porque el mundo continúa girando y sólo los protagonistas se van sucediendo.
Sin embargo, una cosa es el texto donde el dramaturgo puede escribir y sugerir todo lo que desee y otra, muy diferente, es que el director logre el cometido. En este caso concreto, Otto Minera –también responsable de la traducción y adaptación al ámbito de la sociedad mexicana- con algunas modificaciones en el vestuario o aditamentos como anteojos o pelucas y algunos toques de maquillaje que se hacen frente a los espectadores, concretiza en el escenario el trascurrir del tiempo.
Otto, con el apoyo de Humberto Spíndola (arte), Atenea Chávez y Auda Caraza (escenografía), Cristina Sauza (vestuario) y Marcela Flores (iluminación), recrean un comedor sencillo, se puede decir que simple, que consta de una mesa que se “abre” en tres partes, para dejar hacia el proscenio una especie de altar tipo ofrenda. Además de dos “puertas”, por la que llegaran los nuevos miembros de la familia y partirán los que han cumplido su ciclo existencial.
El principio de la puesta da la impresión, tal vez por la época, que la concepción escénica del director se aproxima más a una pastorela, inclusive el “decorado” reafirma la impresión inicial, sin embargo a medida que transcurre la misma, se olvida el espacio tan simplón donde de desarrolla la pieza, para adentrarse en la esencia misma del texto.
El elenco lo encabezan Lumi Cabazos y Carlos Aragón. La primera retorna a los escenarios después de una larga ausencia y a pesar de ello demuestra que tiene la suficiente experiencia para subir al tablado y explotar su talento. Con relación a Carlos no hay mucho que agregar, es un primer actor y en este caso sólo lo vuelve a demostrar.
Otros que destacan por su histrionismo y capacidad “camaleónica” son Sofía Padilla, Emilio Guerrero y, en forma especial y callada (su personaje no tiene diálogos) Victoria Santaella, a quien injustamente le dan un lugar de tercera en el programa de mano, cuando su trabajo es muy superior (valga la redundancia) con respecto a otros con más fama.
Una excelente obra que invita a la reflexión, no aquella que obliga a la profundidad del pensamiento que trata de razonar todo, en este caso la sencillez de la cotidianeidad es lo que queda en el centro de la temática.
Texto ideal para esta época, que como cada año reunirá en torno a la mesa a la familia y -aunque sea en espíritu- a los que nos han dejado aún cuando sobrevivan en el recuerdo de quienes los aman.
La larga cena de Navidad se representa en el teatro Wilberto Cantón, de la Ciudad de México, los viernes a las 19:30 y 21:30, sábados 19:00 y 21:00 y domingos 18:00 y 20:00 horas
MUERE CLAUDIO OBREGÓN A LOS 74 AÑOS DE EDAD
CIUDAD DE MÉXICO (14/NOV/2010).- El actor mexicano Claudio Obregón, destacado por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) como Número Emérito, por su amplia participación en teatro, falleció este sábado a los 74 años, a causa de un paro respiratorio.
Sus restos fueron velados en una conocida agencia funeraria de esta capital, tras su deceso ocurrido en el Hospital de Nutrición de la Ciudad de México; le sobreviven sus hijos Claudio y Gerardo Obregón Clairin. La directora general del INBA, Teresa Vicencio Alvarez, lamentó el fallecimiento del histrión, al expresar que su muerte es una pérdida irreparable para las artes escénicas y el cine mexicanos.
Destacó que la institución a su cargo fue casa del actor potosino, ya que en numerosas ocasiones participó en sus propuestas teatrales, y recordó que en 2005 recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes por sus 45 años de carrera artística, en el marco de la obra de 'El Rey Lear', con la Compañía Nacional de Teatro del INBA.
De la misma forma, Vicencio refirió que gracias a su trayectoria, que reconoció como ética y apasionada, es un ejemplo a seguir para las nuevas generaciones de histriones. Por su parte, el director artístico de la Compañía Nacional de Teatro, Luis de Tavira, lamentó la pérdida y desde Guadalajara, Jalisco, donde se realiza la Muestra Nacional de Teatro, expresó su más sentido pésame.
El teatro mexicano pierde a uno de sus más grandes actores. Claudio Obregón es un actor que en su trayectoria objetivó la condición de creador en el arte de la actuación. Es un referente, un paradigma y una unidad de medida de la condición artística en el teatro", refirió. Agregó: " La Compañía Nacional de Teatro del INBA se siente profundamente agradecida de que Claudio Obregón haya dedicado los últimos años de su fecunda y generosa vida teatral a este proyecto."
La última ocasión en que el actor de Número Emérito de la Compañía Nacional de Teatro interpretó un personaje sobre el escenario, fue en la obra "Endgame" (Final de partida), de Samuel Beckett, en el papel de 'Ham', bajo la dirección de Abraham Oceransky, montaje para el que también hizo la traducción y escribió su adaptación.
A CLAUDIO OBREGÓN, UN ACTOR ÚNICO.
BREVE HOMENAJE
Por: Sylvia M. Ríos Casanova
Foto:http://www.jornada.unam.mx/2010/11/14/index.php?section=cultura&article=a04n1cul
Como no lamentar la irreparable pérdida de unos de los actores más grandes que ha tenido México, Claudio Obregón. Tuve la inmensa fortuna de verlo en un escenario por vez primera en el Festival Internacional de Poesía que se realizaban en la ciudad de Morelia a principios de la década de los 80´s, su participación leyendo poemas era de una exquisitez y sensibilidad extraordinaria, que tenía a todos el público que llenaba el auditorio absortos y conmovidos, como dijera la dramaturga Sabina Bermann en concordia. Desde entonces seguí el trabajo de este gran actor, y la admiración por sus actuaciones creció al ver la entrega y dominio del escenario.
Años después en el Poliforum Siqueiros, con la obra Isabel reina de Inglaterra , tuve la fortuna de ver una cátedra de actuación y cuyo clímax era el desnudo integral que Claudio Obregón realizaba, era la cúspide de la obra y su desenlace, entendí lo que es un desnudo de gran belleza y a la vez de desgarrador contenido, al servicio de la obra.
Además de teatro, hizo cine y televisión y en sus inicios fue locutor de radio. Hombre de convicciones y pensamiento fue un hombre de compromiso social y militante político. Un recuerdo para este hombre que dio al teatro mexicano un nivel de dignidad y excelencia inolvidable.
ASEGURA BENJAMÍN BERNAL QUE EL TRABAJO DE OBREGÓN ERA SINÓNIMO DE ARTE
Por: Fabiola Estrada Pineda
México, 14 Nov. (Notimex).- Benjamín Bernal, presidente de la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT) reconoció que, siempre que veía anunciada una obra en la que participaría Claudio Obregón, era sinónimo de arte, pues pocos como él, tenían una enorme devoción por su trabajo.
En entrevista con Notimex, Bernal destacó como lamentable la muerte de Obregón, ocurrida este sábado a causa de un paro cardiorrespiratorio.
"Nosotros lo recordamos con cariño, fue sólido y trabajó en todas partes, en televisión, cine y teatro", subrayó el presidente de la APT.
De Obregón también recordó cuando, en la década de los 70 se separó de la Asociación Nacional de Actores (ANDA) para formar el Sindicato de Actores Independientes, que luego desapareció.
"Me acuerdo cuando estuvo con el sindicato de actores que fue un movimiento contra la ANDA , con él estaba Héctor Bonilla y otros más que ya no están con nosotros, y eso de sindicato actoral en México hizo que pusieran personas con talento y poco después desapareció", indicó Bernal.
Algunas de las producciones en las que trabajó fueron "Contradanza", "El rey Lear", "Salomé", "Ser es ser visto" y "Casanova", con la que ganó el premio APT como Mejor actor, entre muchos otros.
Externó que como persona era muy noble, estimable y cálido, y por esas y más razones le fue dado un reconocimiento, pero cuando fue la entrega, el histrión no pudo estar presente y en una de sus funciones de teatro, se dio la oportunidad de entregárselo.
Asimismo, Bernal expuso que en los 51 años de carrera artística de Obregón, siempre fue un profesional y era de los pocos actores que no necesitó de un micrófono para sus presentaciones.
"Hará falta un Claudio Obregón para la nueva oleada de histriones y no como ahora que se les enseña a las nuevas generaciones a usar aparatos electrónicos, apenas lo vi en Coyoacán y me gustó el desempeño limpio y sincero para convencerlos en el escenario".
Y agregó: "Cuando lo veía anunciado para alguna obra o proyecto, iba con la garantía de que apreciaría verdadero arte".
Claudio Obregón murió a consecuencia de un paro cardiorrespiratorio en el Hospital de Nutrición de la Ciudad de México; su último trabajo para teatro fue en la obra "Endgame", de Samuel Beckett, en el papel de "Ham", bajo la dirección de Abraham Oceransky.
OTORGAN A POBLANO PREMIO NUEVA DRAMATURGIA
Por: Tonatiuh Muñoz
Marcelo Romero Hernández, joven de 24 años oriundo del municipio de Atlixco, fue galardonado con el premio “Nueva Dramaturgia 2010” , que otorga la Asociación de Periodistas Teatrales (APT) de la Ciudad de México.
El atlixquense se hizo merecedor al premio por su trabajo “Las ánimas benditas”, texto de su autoría que forma parte de una trilogía que el dramaturgo ha nombrado como “teatro para obreros”, debido a que sus personajes principales son obreros de las antiguas fábricas textiles de la región de Puebla. Las otras dos obras que forman parte de la saga son: “Hilados y Tejidos”, y “¡Bienvenidos! Burdel El Averno”.
La mención fue dada en el Sexto Encuentro Nacional de las Artes Escénicas y Alternativas 2010 (ENAEA), que organiza la Compañía JADEvolucion-arte A.C., también del Distrito Federal.
Romero Hernández recibió el premio de manos de los miembros de la mesa directiva de la ATP presidida por Benjamín Bernal, y del organizador general de la ENAEA 2010, Donnovan Santos, quien calificó a “Las ánimas benditas” como “el texto más completo de todos los que participaron en el certamen”. Los otros textos que compitieron fueron: "Mural" de la morelense Juana Noriega y " La Puta Piadosa " de Arturo de la Cruz , del Distrito Federal.
El joven dramaturgo apenas alcanzó a expresar su emoción al recibir el premio: "No pude dejar de temblar cuando subí al escenario y dijeron mi nombre, el nombre ganador. Es la primera vez que mi dramaturgia gana algo (…) sencillamente gracias", dijo Marcelo.
En esta sexta edición del ENAEA, también fueron laureadas otras categorías como Artista Contemporáneo, premio que fue otorgado a Fernando Vega; Promoción y Difusión Cultural, que se llevó el Grupo Informativo A Escena” de Aguascalientes; Mejor puesta en escena, otorgado a Grupo Teatral “Cempoa” por la obra "Hierro y Memoria"; Mejor Propuesta Musical, dado a grupo "Toral"; y el permio “Jóvenes Artistas”, que se llevó Canelo Kot.
EL AMOR FUENTE DE LA QUE EMANAN LAS DESGRACIAS EXISTENCIALES EN:
FRAGMENTOS DE UN DISCURSO EXPRESS
Por Alejandro Laborie Elías, crítico ce teatro
El amor, sublime sentimiento que en principio todo lo puede, todo lo soporta y todo lo perdona, puede ser, y es, la fuente de la que emanan todas las desgracias existenciales que llevan a la persona a sucumbir en el laberinto de la desgracia sentimental.
Este es el tema fundamental de la puesta en escena Fragmentos de un discurso express, tratado sobre el amor, híbrido basado en Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes y en Chungking Express , de Wong Kar Wai, adaptados para el teatro en una versión libre por Laura Uribe.
La trama gira en torno a un policía, He-Quiwu, y una aeromoza, May. El primero, después de un encuentro circunstancial, se prende de la mujer de una forma fatal, amor que durará por siempre, con la salvedad de que no será correspondido. El infeliz ve en todas las mujeres a su amada y se va relacionando con otras que, curiosamente, llevan por nombre el mismo que lo perturba.
El infeliz queda a la espera de un cambio de actitud de su amada, mientras tanto se dedica a comprar latas de piñas en almíbar con la fecha de caducidad 1º de mayo, que es el postre favorito de May, además de que es el día en que festeja su cumpleaños: “Si May no ha cambiado su decisión cuando haya comprado 30 latas, entonces su amor también habrá caducado”. De la misma forma los actores-personajes se preguntaran si el sentimiento ha caducado.
Una historia de amor volátil, sin bases sólidas, un amor espontáneo que se aferra a lo que no es, a lo que se cree debería ser, a la estupidez en la que se hunden y la lucha en la que se enfrascan todos aquellos que viven para el ser amado, esperando una correspondencia que nunca se dará. Un hombre que deambula por el mundo sin más ilusión que la que su propio engaño alimenta, una historia fragmentada como la vida de su protagonista.
Laura Uribe asume una adaptación peculiar, en el fondo toma las ideas, las interpreta y reinterpreta para el escenario, para un espectáculo alternativo donde lo parte plástica es esencial.
A partir de un espacio vacío, los dos actores –la actriz caracteriza varios personajes- se regodean en una danza de cortejo amoroso, las coreografías, al menos en principio, son el alma de la propuesta y las palabras sólo sirven para expresar ideas vagas pero con el suficiente contenido para ubicar el contexto, todo apoyado en una multiplicidad y diversidad de géneros musicales (pareciera que los temas salen de una rocola de cantina).
Marianella Villa y Rodolfo Guillén son los responsables de dar vida escénica a la tormentosa relación. Ella, una mujer bajita de estatura sin mayores atributos físicos, explota de manera sorprendente su gracia y talento, enriquece el espectáculo alternativo con su agilidad y dotes para el baile – las coreografías no siguen los cánones estrictos de cada uno de los géneros que se interpretan-, lo que a la postre redunda en que Marianella sea el alma de la propuesta de Laura. Rodolfo denota deficiencias actorales, falta de condición física y regular expresividad, sobretodo si se parte del desgarramiento emocional que padece su personaje.
Laura se inclina por una literatura del movimiento, por la sensualidad corporal, por el soporte de quienes están en escena no por lo que está en el escenario, por una pantomima descriptiva. Una iluminación sencilla y provocar la imaginación del espectador.
Un detalle interesante es que la obra concluye, al menos es lo que se pensaría. Los actores dan las gracias e invitan a quienes deseen retirarse a hacerlo y a los que decidan quedarse unos minutos más… hay otra historia, un epílogo que…
Una adaptación y una propuesta alternativa para adentrarse en las penalidades del amor, misma que se representa en el Centro Cultural de la Diversidad (Colima 267, Col. Roma), de la Ciudad de México, los miércoles a las 20:30 horas.
TEATRIKANDO
Por Benjamín Bernal, presidente de la APT
Hidalgo
¡Qué texto logró Miguel Sabido! y logró deslumbrar en el Teatro Hidalgo este mes de noviembre, para recordar que se cumplen cien años de la Guerra de Independencia. Como se dijo esa noche, es un conjunto actoral de excelencia el que da vida a “El Juicio de Hidalgo, denominado humildemente “espectáculo”, cuando en realidad es un drama histórico con toda la barba. Fue un lleno total para uno de los recintos con más butacas en México, con todo y que deseaban demolerlo hace un par de años, en un acto criminal al que todos los teatristas se unieron para evitarlo.
Roberto Sosa, Angélica Aragón, Eduardo Santamarina, Juan Ignacio Aranda, Manuel Ojeda, Roberto Damico, acompañan al padre de la patria, encarnado en Jorge Ortiz de Pinedo. Siempre se acerca el aficionado a los teatros para ver a su figura televisiva ante un reto formal y serio como el que reseñamos, así que podemos comunicar el resultado placentero de ver un gran texto, interpretado con limpieza en cada uno de los detalles. La materia prima de un montaje es la parte literaria, la selección de los actores (Rafael Inclán, en El Avaro fue otro acierto de Sabido hace pocos meses) el desempeño de cada uno, escenografía, multimedia, vestuario y cada detalle para servir al mensaje del autor. Y cumple con amplitud.
Nos recibe un discurso fuerte de Roberto Sosa, al fondo se ve una pirámide, momentos después estará el escenario vacío. Nos informan sobre la discusión de la época “ser gente de razón o indio”, “había prohibición para que montaran caballo, tener armas” ser como los demás y vivir con leyes distintas. Hidalgo enseñaba todas las ideas nacidas en la Revolución Francesa con Voltaire y Montesquieu. Falsamente se acusó a Hidalgo de Ateo, ¿no vieron que usó a la Virgen de Guadalupe como baluarte? Hay parlamentos que mueven a profunda reflexión a quienes estudiamos historia, era necesario ver esos textos representados para una vivencia total. ¿Cómo debían llamarse? ¿Novohispanos? Estados Unidos de América nos ganó el nombre, que era el más exacto. Además recriminan haber dado acceso al bautismo a los naturales de América.
Califican a Miguel Hidalgo y Castillo de afrancesado organizador de obras teatrales de Moliere, y que tuvo cuatro hijos con sus feligresas. Nos comunican que Nepantla quiere decir “entre dos”, ¿un sacerdote o un libertino? Hay toda una lección acerca de las castas que existían, saltapatrás, chirrión… también la diferencia entre los españoles de nobles intenciones y los gachupines que eran quienes comerciaban con seres humanos, innobles que abusaban y explotaban a los indios. ¿Era una guerra santa? ¿Los dioses antiguos contra los dioses recién conocidos en América?
Hay aplausos a los textos que monologan la Corregidora , protagonizado por Angélica Aragón, a Damico, Roberto Sosa, Manuel Ojeda y por supuesto Ortiz de Pinedo. Tonantzin Guadalupe es mostrada en múltiples ocasiones para dar sentido a los momentos de efervescencia, con uso de la video proyección para completar la narración con close ups. Logra emocionar ante 300 años de odio acumulado contra los gachupines. Dirige el mismo Miguel Sabido y dará funciones sólo 12 semanas, acuda, una lección en todos los sentidos.
Alegría y nostalgia: A Chorus Line
Las comedias musicales consideradas “Clásicas” son Oklahoma (1943), West Side Story (1961) y A Chorus line (1976), la primera porque usa las coreografías como parta de la narración, si se eliminaran quedaría trunca la historia; la segunda por introducir el jazz bailado, habla de Hamlet en Nueva York y la obra que nos ocupa A Chorus line , interesante para todos, especialmente para quien vaya a tomar el riesgo de ser bailarín en éste género.
Mary Poppins era un proyecto próximo de Ocesa, implica enorme inversión, bueno, pues tendrá que seguir esperando, porque entró A Chorus line , con excelente promoción y difusión. Empezó con la presentación del elenco, luego ensayo para prensa y un flashmob (destello en la multitud) y en pocas semanas asistimos al estreno. A pesar de los tiempos breves el resultado es cien por ciento profesional.
El hispano Paco Morales es Zach el director que mantuvo una relación con Cassie, realizado con gran calidad por Estibalitz Ruiz, Sheyla es la talentosa bailarina que toma a broma la sesión, suelta frecuentes ironías, pero es finalmente contratada, lo interpreta María Filippini, Mauricio Salas gusta enormidades al público, relata con desenfado su ingreso al show business. El elenco es numeroso, Gabriela Albo, Ana Cecilia Anzaldúa, Cecilia de la Cueva , Alma Escudero, Roberto Hernández, Humberto Ramos, entre otros, hay varios personajes destacados, por la personalidad que adoptan o la historia que narran.
La anécdota es atractiva para el público en general, pues descubrirá que bailar es una forma de fuga sicológica, aunque la edad les marque una frontera absoluta; los contratos dependen de aprobar una sesión como esta y habrá un director que analiza si debe aceptar a alguien, además, cuando visten el traje dorado del número final, todos son anónimos, la persona se anula, visualmente es poderosa: si, el glamour de las grandes producciones implica piezas intercambiables. La prueba más grande de un musical es analizar al salir, ¿hay alguna tonada que recuerde? ¿Un momento o un personaje ha dejado huella imborrable? Créame, al salir recordará múltiples imágenes y notas con brillos dorados.
Montezuma
Antes de viajar a Guanajuato me toco ver del Festival Internacional Cervantino Montezuma , opera de Carl Henrich Graun (alemán), burlona, exagerada, pretenciosa, dura más de 3 horas, hablan de pirámides y las tiran con una coca cola, al entrar nos reciben vendedores (llévelo, llévelo) , sale un perro que ladra con entusiasmo, vemos mascara del Santo, playera de marca conocida, por eso digo, si tenía algo importante que decir ¿Por qué no escribir su propia opera Claudio Valdez Kuri? Cada quien sabe por qué fue a presentar a España esta propuesta que se podría juzgar asistemática. Pero tienen buenas voces, impresionante calidad actoral, puesto que cantan, obedecen y ni chistan de que el público se burla de los juegos irónicos (mas allá de la calidad interpretativa) que en una ocasión fue premiada una actriz-cantante con un gran aplauso, solo una vez.
Ironías negras, bellas escenas, me hubiera gustado ver la opera que deseaba mostrar Kuri, sin que le interrumpiera un texto que realmente no atendí para esperar la próxima puntada del director. Si él deseaba indignar porque vivimos una invasión y no como le han llamado conquista, la religión,, la barbarie y el saqueo, sin duda lo consigue, voy a buscar la versión original de la opera para entender esta interpretación. Todo me gusto solo que hubiera preferido verlos dos niveles en dos fechas diferentes (la de Graun y la de Valdez) Comparemos opiniones, si usted la vio.
Amantes en la Gruta del Helénico
Julio Mannino y Raquel Garza se presentan en el Helénico, cada viernes a las 8 pm, es una obra creación de Aida Andrade quien también dirige, para inventar una estrategia que se nos antoja a muchos, jugar a ser otro: llamarse con diversos nombres, pertenecer a varias actividades, nacionalidades, para volver a encender la llama de la pasión, el interés, el juego. Así avanzan las acciones hasta que llegan a un momento crucial, no les contare los personajes ni los motivos de disgusto, el desencuentro, parece una condena eterna que hombre y mujer deben llegar a un momento de escasa aventura. Han visto influencias de algunos cineastas en su propuesta, yo creo que es difícil salvarse de comparaciones influencias en este momento, basta con ver TV para tener infinitas tramas y soluciones. Destacare la música de Rodrigo Flores y Fernando Alatorre, le da sabor a filme europeo.
Muertos sin sepultura
Me llama la atención que sigan montando un existencialista de la post guerra, cuando el mundo está invadido de problemas nuevos, en fin, en nombre de la universalidad se provocan muchos bostezos. Acabamos de ver un grupo de jóvenes, de talentosos muchachos que sinceramente dan vida a dos horas con un buen trabajo. Hay quien dice que Jean Paul no era filosofo sino solo novelista, usted debe verlo y opinar, sobre esta obra que dirige Paola Pérez-Rea, el elenco Juan de la Loza , José Concepción Macías, Bertha Vega, Simón Guevara, José Carriedo, Arturo Adriano, Felipe Rodríguez, Marco Aurelio Nava, Ernesto, García, Rubén Elizalde y Yafté Arias, todos los miércoles a las 20:30 horas. En la Gruta del Helénico.
FINALIZÓ EXITOSAMENTE EL SEXTO ENCUENTRO NACIONAL DE LAS ARTES ESCÉNICAS Y ALTERNATIVAS (ENAEA) MÉXICO 2010
Texto: http://jadevolucionarte.com/
Foto: Sylvia M. Ríos Casanova
El pasado 30 de octubre finalizo exitosamente el ENAEA 2010 en el Centro Cultural José Martí, con las presentaciones artísticas de Canelo Kot, Toral, Iz.Saru y la proyección del video performance “Sin Titulo” de Edgard Gomez-Farias Castillo.
Con la conducción de Donnovan Santos y Christian Morales (organizadores del evento), cada uno de los espectadores disfrutaron plenamente el espectáculo; durante la ceremonia de clausura se entregaron varios premios especiales a personalidades del medio artístico y cultural, junto con los reconocimientos a los artistas participantes del ENAEA 2010.
A continuación, los premios y reconocimientos otorgados en el Sexto Encuentro Nacional de las Artes Escénicas y Alternativas México 2010:
• Artista Contemporáneo 2010: Fernando Vesga (Comediante, orador, actor y director escénico).
• Jóvenes Artistas 2010: Canelo Kot (Cantautor y actor).
• Promoción y Difusión Cultural 2010: Grupo Informativo “A Escena” (Aguascalientes).
• Mejor Propuesta Musical-ENAEA 2010: Toral.
• Mejor Puesta en escena-ENAEA 2010: Compañía Teatral Cempoa por “Hierro y Memoria”.
• Nueva Dramaturgia 2010 (Premio otorgado por la Asociación de Periodistas Teatrales): “Las Animas Benditas” por Marcelo Romero Hernández.
Para concluir la ceremonia, los organizadores del evento invitaron a todos los participantes del ENAEA 2010, a subir al escenario para cerrar con broche de oro esta sexta edición. Dando la primera llamada para el Séptimo Encuentro Nacional de las Artes Escénicas y Alternativas México 2010.
ELLAS A BORDO.TROLEBUS ESCENICO LA OTRA NAVE.
Texto y foto de Ana Leticia Romo
Ellas a bordo , es una serie de “divertidas o reflexivas” puestas escénicas donde las mujeres, son colocadas en situaciones límite y aun así, sobreviven en una sociedad que las reprime constantemente.
Con el trolebús escénico La otra nave (un trolebús estacionado por foro), la obra Ellas a bordo (conjunto de cinco historias de origen estadounidense pero adaptada a México), nos narran una serie de historias sobre mujeres que abordan desde su perspectiva, la violencia de género o intrafamiliar en sus diferentes modalidades, lo que incluye una violación a bordo, un suicidio, un encuentro entre lesbianas quienes aun no se asumen como tal, el mágico “asesinato o desaparición por estallido” de un perpetrador de violencia, simplemente con palabras, por el simple hecho de revelarse, o una guía de turistas quien pierde su empleo y salud, por no satisfacer las necesidades de su jefe y amante, y finalizando con la muerte de una mujer que aun no sabe que se murió, por no procesar el duelo de su violación hace tiempo. Y así, con la cercanía del público en el lugar, es casi imposible que éste no tenga una participación activa y constante ya que el foro acerca al público con el actor de una manera mágica propiciando la intimidad.
En definitiva la acertada dirección de Silvia Ortega y el excelente elenco de María Fernanda García, Laura de Ita, Sheila Flores, Salvador Hurtado, Luis Domingo González y Raúl Morquecho, hacen de esta obra una experiencia única la cual es posible disfrutar los viernes y sábados, donde la entrada es gratuita pero la salida es de donativo voluntario consciente. Asimismo, se agradece la función especial que se brindó para la décima reunión de la Red Nacional de Refugios, donde sus integrantes luchan desde hace diez años, por una vida libre de violencia hacia las mujeres.
Autor: Basado en textos de Brooke Berman, Lynn Notage, David Lyndsay-Abaire, Cathy Celesia, Shirley Lauro
Adaptación y Dirección: Silvia Ortega Vettoretti
Elenco: María Fernanda García, Laura de Ita, Sheila Flores, Salvador Hurtado, Luis Domingo González y Raúl Morquecho
Lugar: Parque México esq. Sonora, Col. Condesa, Tel. (55) 1824-3415 y (55) 3444-9285
Funciones: |
Viernes y Sábado 21:00 Hrs. |
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COLUMNA TEATRIKANDO
Por Benjamín Bernal, presidente de la APT
De cómo la Novicia Rebelde llegó a ser Doña Inés
Doña Inés
-Me pareció ver a un lindo machito-
No podré resistir, mucho tiempo sin el equipo entregar
Ante tremendo galán que aparece en canal Dos
Don Juan Tenorio
Cuan gritan estos malditos pero mal rayo me parta si terminando el decreto no pagan caros sus gritos
Ciutti
Don Juan, Amenazan con otra influenza en 2012
Cómo haremos para llenar taquilla,
Don Juan
No hagáis caso a Marcelo, inventará más torpezas para su imagen agrandar
Antes, este pliego ha de llegar a manos de Ludwika, que quiere un Dios salvaje
Para que se vaya al convento y ahí doña Brígida se haga guaje
Mientras hago con ella como que soy mi propia esposa
Ahora que el Comendador Morris está distraído con mítines en el Angel
Y los de un partido chafa quisieron lucirse en la Chorus line
Capitán Centellas
(entra de repente) Ando buscando una Gorda, que me quedó a deber una lana
Ciutti
Os equivocais de persona, fue en otro teatro la houdinesca faena
Capitán Centellas
Mamma mía por mis barbas que lo he de encontrar ágora
Don Juan Tenorio
Yo a los Orgasmos subí
39 Escalones bajé
Y en todas partes dejé recuerdo amargo de mí
Ciutti
¿Por qué no la ves el próximo año a la misma hora? Es una dama de negro.
Pasará al púlpito para hacer sus confesiones para mujeres de treinta
Hasta Claudia se quiere volver loca, por los ataques del pelón en sus tiempos de cólera
Anda infartado el cavernícola pues descubrió que los hombres aman a las cabronas
El primero se formó, mas perdió lugar por andar espiando los Monólogos de la vagina
Capitán Centellas
Sí, todos eran mis hijos y se hacen que están viendo un campo de estrellas
El tiempo vuela, iré a atrapar al que da un chupe infernal para rendir a doncellas
Doña Brígida
Y llegaron las brujas, ándele que se me hace tarde pa recibir Amantes
El mambo de oz anda bailando, en lo que se echan en el árbol una Orestiada
9 Días de guerra en Facebook, es absolutamente un Atentado
Buttarelli
Juré Todo sobre mi madre, lo dejaré bailando peor que Zoot Suit
Si lo encuentro en los Musicales de Broadway de Ana Collado
Les doy en toda su Timbiriche
Doña Brígida
Hombre tenías que ser, en tu encuentro en el parque peligroso
Y por tus hallazgos en penealogías, olvidaste examinar a Doña Inés
Cinco mujeres usando el mismo vestido, que oso
Y doña Inés llegó vestida como la Güera Rodríguez
Don Juan Tenorio
De una vez por todas, ¿acabarás Deshaciendo cuentos?
Y de hacer Toc Toc en las venas que no sé si cortármelas
Acabad, vive Dios, ¡que me impaciento!
Doña Brígida
Oh, me pluguiera que todo se cumpliera
Y que Doña Inés en persona apareciera
Pero la que habéis conocido, de la que os habéis enamorado
Salió del teatro Insurgentes y era Labogue, esa noche de jolgorio
Esa fue la ocasión más alegre y el evento más notorio
Es la única persona que nunca habéis olvidado
Faltaba un travesti en vuestra lista, Juan Tenorio y os ha dejado escamado.
Don Juan Tenorio
Antonia, llamad a Tartufo, de inmediato un sms, twitt o facebukazo
Desmentid los hechos en Ventaneando, mandad unos comunicados
Que digan “Solo quiero hacerte feliz” entregadme la verdadera doña Inés, no seáis cargados
Ciutti
Pues Laura dice que “no seré feliz pero ya agarré marido”
Don Juan Tenorio ( Enloqueciendo)
Roxana ¿No es verdad, ángel de amor,
que en esta apartada orilla, os habla este villano
Roxana
Nunca es tarde, pero, Cálmate estáis en otra obra don Juan, os crecerá la nariz cual Cyrano
Don Juan
Más pura la luna brilla
Ciutti
Comendador, llamad al manicomio, no ha resistido el Tenorio
El video escándalo que retrata su jolgorio
Doña Brígida
Ahí viene con su hábito de Novicia Rebelde la Talancón
Ana De la Reguera llega y de ropa le da fuerte arrancón
Diego y Gael salen corriendo porque huele a casorio
Sólo uno queda y ese será el cumplidor ¡Juan Tenorio ¡
Brígida
Vienen por la otra calle, en pos de usted mi señor
Por esa calle encontrará a Edith González, no hace la Retirada
Y por la otra se topará a Alejandra Labogue, se lo cargará la… fregada
No, por las butacas no puede salir, ¡ prohibido cruzar la cuarta pared¡
Don Juan Tenorio
Me quedan doce meses para volver a escribir el libreto,
Contrataré a Nailea, Hiromi, Carmen Salinas y una bailaora de rumba
Revisaré a todos en el vestidor, seré bien discreto
Primero dirán aquí corrió, que aquí cavó su tumba.
Y esas dos pálidas perlas, que desprenden tus radiantes mejillas
Invitándome a empeñarlas, enajenarlas, venderlas
¿No es verdad hermosa mía que darán para un jaibol?
* Calaverita 2010
LA CIUDAD DE MÉXICO SE CONSTRUYE, DESTRUYE Y RECONSTRUYE EN EL ESCENARIO TEATRAL
Por: Alejandro Laborie Elías
Fotos: Zvi Ziman
La Ciudad de México es la protagonista de una puesta en escena sui géneris, donde una serie de personajes la viven, la gozan, la padecen y la sufren, mediante imágenes en que aquella se construye, se destruye y se reconstruye a través de las experiencias y emociones que retroalimentan a la gran urbe y a sus moradores.
La obra, intitulada La Maqueta –inspirada en un texto de Paul Auster llamado La música del azar -, surgió a partir de un laboratorio escénico donde un grupo de creadores-actores aportaron sus vivencias y las trasladaron al espacio escénico, que con sus limitadas posibilidades (entiéndase recursos) se abre al infinito espacio que abarca la capital de la República Mexicana.
Con el mínimo de elementos u objetos, surgen sus edificios, sus casas, sus monumentos, sus calles, sus habitantes y todo aquello que en su conjunto dan forma a aquello que es intrínseco a los que, para bien o para mal, somos quines, en un especie de sentimientos encontrados, la amamos y la odiamos en forma simultánea.
Seis intérpretes apoyados en una especie de testimoniales van narrando sus vidas; lo curioso e interesante es que los personajes inician por narrar cómo murieron, esto es, muertos que cobran vida frente a los espectadores; fantasmas que involucran a quien esté interesado en conocer las circunstancias existenciales de sus intrascendentes vidas que pasan sin pena ni gloria en una ciudad que los lleva al anonimato, donde la personalidad sólo le incumbe al propio interesado.
Uno murió en el Hospital de Xoco, otro en el barrio de San Pancho; quien por correr dejó de existir en forma estúpida, una más practicando artes marciales y el mexicano que falleció en el aeropuerto de Ámsterdam.
Estos fantasmas que deambulan por el mundo urbano recuerdan la cotidianidad de sus vidas, la genealogía derivada de sus nombres, sus adicciones y una serie de emociones y causalidades.
Lo más relevante de la propuesta escénica a cargo de Katia Castañeda es que aprovecha al máximo la personalidad de cada uno de los intérpretes y, más destacado aún, la riqueza hilarante del texto que se desarrolla en el humor negro, en el sarcasmo, en la ironía, en la risa que se produce cuando el sujeto es al mismo tiempo el objeto de que se ríe.
Un sin fin de cajitas de madera se convierten en los edificios, monumentos, calles. La “escenografía” la manipulan los propios intérpretes, ellos crean, destruyen y reconstruyen, más con su imaginación que con el realismo, más con la creatividad que con la formalidad, apoyados con el video en tiempo real, con efectos sonoros y con coreografías que representan lo alocado del transcurrir urbano.
Un homenaje a la Ciudad de México, si bien es cierto que con algunos reclamos, algunos ingeniosos como sostener que “los microbuses son una prueba de que la anarquía funciona”.
Juan Pablo Márquez, Marcelino Champo, Tomás Alzogaray, Ruth Mendoza, Iván Ontiveros y Nadia Lartigue, llevan a su máxima expresión la hilaridad que produce el texto. Con un vestuario informal, una iluminación sencilla, el video y, fundamental, una entrega física y emocional, que los lleva a hacer del teatro no convencional y de pocos recursos económicos un deleite para quien se atreve a descubrir y vivir nuevas alternativas, más allá del teatro comercial, cultural o institucional que ahoga al Distrito Federal.
La maqueta –que es lo que en realidad contiene el escenario- se representa en el Teatro El Milagro, de La Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas, hasta el 30 de noviembre.
Noviembre 2010
EL AMOR FUENTE DE LA QUE EMANAN LAS DESGRACIAS EXISTENCIALES EN FRAGMENTOS DE UN DISCURSO EXPRESS
Por: Alejandro Laborie Elías
El amor, sublime sentimiento que en principio todo lo puede, todo lo soporta y todo lo perdona, puede ser, y es, la fuente de la que emanan todas las desgracias existenciales que llevan a la persona a sucumbir en el laberinto de la desgracia sentimental.
Este es el tema fundamental de la puesta en escena Fragmentos de un discurso express, tratado sobre el amor, híbrido basado en Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes y en Chungking Express , de Wong Kar Wai, adaptados para el teatro en una versión libre por Laura Uribe.
La trama gira en torno a un policía, He-Quiwu, y una aeromoza, May. El primero, después de un encuentro circunstancial, se prende de la mujer de una forma fatal, amor que durará por siempre, con la salvedad de que no será correspondido. El infeliz ve en todas las mujeres a su amada y se va relacionando con otras que, curiosamente, llevan por nombre el mismo que lo perturba.
El infeliz queda a la espera de un cambio de actitud de su amada, mientras tanto se dedica a comprar latas de piñas en almíbar con la fecha de caducidad 1º de mayo, que es el postre favorito de May, además de que es el día en que festeja su cumpleaños: “Si May no ha cambiado su decisión cuando haya comprado 30 latas, entonces su amor también habrá caducado”. De la misma forma los actores-personajes se preguntaran si el sentimiento ha caducado.
Una historia de amor volátil, sin bases sólidas, un amor espontáneo que se aferra a lo que no es, a lo que se cree debería ser, a la estupidez en la que se hunden y la lucha en la que se enfrascan todos aquellos que viven para el ser amado, esperando una correspondencia que nunca se dará. Un hombre que deambula por el mundo sin más ilusión que la que su propio engaño alimenta, una historia fragmentada como la vida de su protagonista.
Laura Uribe asume una adaptación peculiar, en el fondo toma las ideas, las interpreta y reinterpreta para el escenario, para un espectáculo alternativo donde lo parte plástica es esencial.
A partir de un espacio vacío, los dos actores –la actriz caracteriza varios personajes- se regodean en una danza de cortejo amoroso, las coreografías, al menos en principio, son el alma de la propuesta y las palabras sólo sirven para expresar ideas vagas pero con el suficiente contenido para ubicar el contexto, todo apoyado en una multiplicidad y diversidad de géneros musicales (pareciera que los temas salen de una rocola de cantina).
Marianella Villa y Rodolfo Guillén son los responsables de dar vida escénica a la tormentosa relación. Ella, una mujer bajita de estatura sin mayores atributos físicos, explota de manera sorprendente su gracia y talento, enriquece el espectáculo alternativo con su agilidad y dotes para el baile – las coreografías no siguen los cánones estrictos de cada uno de los géneros que se interpretan-, lo que a la postre redunda en que Marianella sea el alma de la propuesta de Laura. Rodolfo denota deficiencias actorales, falta de condición física y regular expresividad, sobretodo si se parte del desgarramiento emocional que padece su personaje.
Laura se inclina por una literatura del movimiento, por la sensualidad corporal, por el soporte de quienes están en escena no por lo que está en el escenario, por una pantomima descriptiva. Una iluminación sencilla y provocar la imaginación del espectador.
Un detalle interesante es que la obra concluye, al menos es lo que se pensaría. Los actores dan las gracias e invitan a quienes deseen retirarse a hacerlo y a los que decidan quedarse unos minutos más… hay otra historia, un epílogo que…
Una adaptación y una propuesta alternativa para adentrarse en las penalidades del amor, misma que se representa en el Centro Cultural de la Diversidad (Colima 267, Col. Roma), de la Ciudad de México, los miércoles a las 20:30 horas.
Noviembre 2010
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