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El artista francés Louis Jacques Mandé Daguerre (1789-1851) se había especializado en pintar cortinas que servían como fondo de escenarios teatrales. Puesto que poseía una gran creatividad, Daguerre buscó innovaciones llamativas para que sus escenarios fueran más impactantes, y así inventó el diorama: una cortina transparente en cada uno de cuyos lados pintaba una escena distinta y, mediante efectos de iluminación, lograba que los espectadores vieran imágenes diferentes. El efecto que la luz ejercía sobre las sales de plata, tornándolas más oscuras, ya era conocido. Niepce, que trabajaba con Daguerre, había realizado algunos modelos, pero sin utilidad práctica. Daguerre usó placas de cobre recubiertas de sales de plata, que se oscurecían por incidencia de la luz en las zonas de mayor luminosidad. Después mojaba la superficie con tiosulfato de sodio, y los granos de sal que no habían sido ennegrecidos eran eliminados, con lo que se formaba una figura permanente. Pero el proceso era prolongado y engorroso; harían falta otros hallazgos antes de que la fotografía empezara a abrirse camino. Sin embargo, las imágenes de aquella época —llamadas daguerrotipos— siguen siendo admiradas hoy.
Resumen de la historia que la obra pone en escena, conteniendo las principales indicaciones de los acontecimientos que se sucederán, su ubicación y personajes. Está dado antes del comienzo de la obra para informar al público acerca de la historia que será desarrollada. También llamado 'fábula' o 'historia'; las secuencias de acciones o sucesos que ocurren en una narración. Consiste en la serie de hechos principales que constituyen el resumen de la historia relatada. Por ejemplo, en Cien años de soledad, del colombiano Gabriel García Márquez, el tema es la soledad; es la historia de las generaciones de la familia Buendía a lo largo de cien años personajes Fuente: http://www.teatro.meti2.com.ar/diccionarios/glosarioteatral/diccionarioA/ Imagen: http://dandelionentresombras2.blogspot.com/2010_04_01_archive.html
Se denomina etimología (del latín etymologia), al estudio del origen de las palabras, cuándo son incorporadas a un idioma, de qué fuente y cómo su forma y significado han cambiado.1 En idiomas con una larga historia escrita, la etimología es una disciplina relacionada con la lógica y la lengua histórica que estudia el origen de las palabras investigando su significación originaria y su forma, así como los posibles cambios sufridos a lo largo del tiempo. Además, utilizando métodos de lingüística comparativa, se puede reconstruir información de lenguas que son demasiado antiguas como para obtener alguna fuente directa como la escritura. Así, analizando otros idiomas relacionados, los lingüistas pueden establecer inferencias acerca de la lengua de la que son originarias y su vocabulario. Fuente texto: http://es.wikipedia.org Fuente imagen: http://josamotril.wordpress.com/2009/10/05/la-palabra-hijo-etimologias/
Se le llama Mester de juglaría al conjunto de la poesía —épica o lírica— de carácter popular difundida durante la Edad Media por los juglares, que eran quienes las cantaban o recitaban para recreo de nobles, reyes y público en general. En castellano se menciona por primera vez la palabra juglar en 1116, época en que aparecen los juglares en León. Según Ramón Menéndez Pidal en su estudio Poesía juglaresca y orígenes de las literaturas románicas, Madrid, 1957, la palabra juglar viene del latín jocularis, joculator, que significa 'bromista u hombre de chanzas'. Por su parte, la palabra mester viene de la palabra menester que procede del latín ministerium que significa ministerio que a su vez significa 'oficio'. Había dos tipos: los juglares épicos: que recitaban poesía narrativa, y los juglares líricos, que se dedicaban a cultivar la poesía sentimental y a difundir composiciones poéticas como serranillas, coplas, poemas compuestos por trovadores etc. En la primera Edad Media (X,XI,XII y XIII) eran más numerosos los primeros; a partir de la segunda mitad del siglo XIII y en el XIV dominan más los líricos. Los juglares eran unos personajes de humilde origen, cómicos ambulantes que se dedicaban, además, a ejercicios circenses, haciendo juegos malabares, actuando como volatines y saltimbanquis o como bufones que cuentan chistes o tañen instrumentos sencillos, o bailan y cantan representando piezas sencillas de mimo o títeres y, es lo que importa para la historia de la literatura, recitando versos que componían otros autores, llamados trovadores, bien en los lugares públicos (las plazas de los pueblos, sobre todo), bien en castillos de señores feudales por los cuales eran alojados; muchas veces se ayudaban con dibujos. Fuente texto: http://es.wikipedia.org Fuente imagen: https://www.ucm.es/info/especulo/numero42/dejuglar.html
(De tras y apunte.) En el teatro, apuntador que previene a cada actor cuando ha de salir a escena, y le apunta las primeras palabras que debe decir. Imagen de Apuntador abucheado (1847). Fuente: http://www.acanomas.com/Diccionario-Espanol/133885/TRASPUNTE.htm Imagen: http://parnaseo.uv.es/ars/imagenes2/xix/cecilio/actor/actor4.htm
La Comedia del arte (Commedia dell'arte) es la comedia hecha por actores profesionales, y se contrapone a la commedia erudita cuyo texto se escribía íntegramente. De ahí que se considere como teatro de improvisación. En realidad cada actor tenía un repertorio de frases y bromas a partir de las cuales construía su papel. La comedia del arte nace aproximadamente en el siglo XVI, cuando compañías como 'Los Celosos' comienzan a difundir por toda Europa este tipo de teatro, en el cual había un Cannovaccio, es decir, una estructura de sucesos predefinida, y lo que se improvisaba era el texto en sí. Las obras se dividían en tres actos, tenían una trama definida y una serie de personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los actores podían improvisar. Los temas solían ser enredos amorosos, los celos, etc. La proporción de texto y gesticulación podía variar en función del país donde estuviera actuando la compañía, en países extranjeros había menos gags verbales y más visuales. Los personajes masculinos llevan máscaras, no así los femeninos (Colombina). Aún así la Comedia del Arte es un teatro de media máscara, por lo que permite al comediante poder hablar. De hecho en las compañías de comedia del arte había actrices, mientras que por aquellos tiempos en las compañías de teatro inglesas sólo estaban formadas por hombres, que hacían los papeles de mujer en travesti. Fuente texto e imagen: http://es.wikipedia.org
Según la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, la American Film Institute, y el British Film Institute se denomina largometraje a una película con duración de cuarenta minutos o superior.Debieron transcurrir 25 años desde los innovadores cortometrajes para la aparición de los primeros largometrajes. Estos consistían en la reproducción de una película con una duración total mayor a treinta minutos (actualmente tienen un promedio de noventa minutos). Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Largometraje Foto: http://ficg.nexos.com.mx
Elemento de escena de poca importancia que no aportan nada a la acción o a la escena. Contrariamente a la teoría de Stanislavsky que propiciaba el uso de la utilería diciendo que si hay un fusil colgado en escena, indefectiblemente antes que termina la obra debe dispararse. Consideraba que la futilería no debe existir en el teatro. Fuente: http://www.teatro.meti2.com.ar/diccionarios/glosarioteatral/diccionarioF/diccionarioF.htm Foto: http://www.ecosregionales.net
1-Transformación de una obra o un género en otro (adaptación de una novela para la escena). Este tipo de adaptación es generalmente la traslación de contenidos narrativos en contenidos dramáticos. El relato sigue siendo el mismo, al igual que el código actancial. Sólo cambian la eficacia de la obra y la especificidad de las técnicas artísticas. 2-Operación dramatúrgica sobre un texto destinado a ser escenificado. Todas las maniobras textuales imaginables están permitidas: rupturas, reorganización del relato, reducción del número de personajes, concentración dramática en ciertos momentos intensos, incorporación de textos exteriores, montaje y collage de elementos externos, modificación de conclusión, etc. Se goza de tal libertad que se llega a modificar el sentido de la obra original o hacerle decir lo contrario Fuente: http://www.teatro.meti2.com.ar/diccionarios/glosarioteatral/diccionarioA/diccionarioA.htm Foto: http://silviapelaez.wordpress.com/talleres/adaptacion-teatral/
Del latín actus, acción. Cada una de las partes en las que se divide una obra teatral, respondiendo a necesidades temporales o narratológicas de la misma. La distinción entre actos, y el paso del uno al otro, son señalados de muy diversas maneras en la historia del teatro occidental. Lo mismo ocurre con los medios para señalar el cambio de acto: intervención del coro (Gryphius), caída del telón (a partir del siglo XVII), cambio de iluminación u 'oscuridad', estribillo musical, carteles, etc. también llamado jornada, es cada parte importante de la obra dramática; se anuncia con la subida (inicio) y bajada (final) del telón. Fuente: http://www.teatro.meti2.com.ar/
En las fiestas de homenaje al dios griego del vino, Dionisos, llamadas komos, solían presentarse grupos de cantores (en griego aoidós 'aeda', 'cantor', del verbo áoidiein 'cantar') que entonaban canciones burlescas o de sátira política. Con el tiempo, estos cantantes —que a partir de cierta época fueron llamados komoidós— representaban breves piezas teatrales, generalmente comedias o poesías satíricas, que se llamaron komoidía, palabra que pasó al latín como comaedia y de éste, al latín medieval bajo la forma de comedia. En las lenguas modernas, la palabra aparece en francés en el siglo XIV como comédie, que luego pasó al italiano en la Divina Commedia, de Dante Alighieri (1265-1321), de donde fue tomada por el español como comedia. Puede llamar la atención el hecho de que la obra de Dante no sea precisamente lo que hoy llamamos comedia, pero lo cierto es que en italiano se usó inicialmente con el sentido de 'poema alegórico', mientras que en francés se aplicó al teatro en general, al punto de que la compañía oficial de teatro de Francia se llama Comédie Française. Fuente www.letracastellana de Ricardo Sosa
Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad. Fuente: http://es.wikipedia.org/
Es el único que no participa directamente en el desarrollo de la obra, de la escena... Pero es su trabajo en el cual se basa la escenificación. Naturalmente, hay que tener en cuenta que el dramaturgo coloca en el guión los siguientes elementos: - Acotaciones: Indican movimientos, gestos y entrada/salidas de personajes o incluso el cambio de escena. Naturalmente es el director quién acaba decidiendo todo eso y las acotaciones son únicamente indicativas, no normativas. Las acotaciones definitivas las suele imponer el director. Por eso se dice, que el guión no está acabado hasta que se representa. - Diálogo: El dramaturgo redacta un diálogo o los parlamentos que realizan los personajes, denominadas replicas. Ejemplo: o María: ¿Qué tal estas? o Pablo: Bien. o María: ¿Bien? ¿Qué has hecho esta vez? o Pablo: Nada. o Pablo sale. En este ejemplo, Cada personaje tiene dos réplicas y una acción tiene el personaje masculino que es el de abandonar la escena. Pero hay réplicas más amplias y réplicas más breves. La intención: Es el discurso interno del personaje, lo que quiere expresar pero no lo que forzosamente expresa. Ejemplo: Discurso interno: ¡Está buenísima! Discurso externo: ¡Eres muy guapa! El discurso interno a veces difiere respecto al discurso externo. Público: La escenificación escénica va dirigida al público, por lo que ha de oír, entender y ser atraída su atención. Es decir: Se tiene que tener un volumen de voz que llegue desde el escenario al último asiento, la voz no tiene que ser monótona, tienen que verse matices, tiene que verse la acción, gestos... Al ver a los actores, tiene que percibirse ese discurso interno (La intención). Es decir, no hay que olvidarse nunca del público, pero eso no tiene que destruir la lógica de la escena. Básicamente, la norma respecto a esto sería. El público ha de ver la cara de los personajes, las acciones, oír y entender lo que dicen los actores y no aburrirse de monotonía. Fuente: http://iusi.blogspot.com/2008/01/conceptos-bsicos-del-teatro.html
Son tres los tipos de espacios donde se pueden realizar las actividades teatrales: abiertos, alternativos y cerrados. Los espacios alternativos son aquellos que fueron diseñados para que en ellos se realizaran espectáculos teatrales y que cuentan con paredes y techos, aparte de otras instalaciones como pueden ser la sala de butacas, el lobby, camerinos, etc. Como ejemplo están los teatros, carpas y los auditorios. Imagen Teatro propio del Circo del Sol en Tokio, Japón Fuente: Jiménez Izquierdo, Juan. Apuntes para acercarse al teatro, Alas y Raíces para los Niños.
Segiz o la historia del príncipe dormido en la torre del dragón Bodega 3, Universidad de las Artes. Son tres los tipos de espacios donde se pueden realizar las actividades teatrales: abiertos, alternativos y cerrados. Los espacios alternativos son aquellos que no están hechos para hacer espectáculos teatrales, pero se le hacen adaptaciones. Estos pueden ser abiertos o cerrados, como el patio de una escuela, una calle, una bodega, el salón de clases, la plataforma de un tráiler etc. Fuente: Jiménez Izquierdo, Juan. Apuntes para acercarse al teatro, Alas y Raíces para los Niños.
Son tres los tipos de espacios donde se pueden realizar las actividades teatrales: abiertos, alternativos y cerrados. Los espacios abiertos son aquellos que carecen de paredes y techos, pero están construidos para que en ellos se realicen espectáculos teatrales, como por ejemplo están las conchas acústicas y los teatros al aire libre. Fuente: Jiménez Izquierdo, Juan. Apuntes para acercarse al teatro, Alas y Raíces para los Niños.
Es el espacio que hay entre la primera fila de butacas y el límite del proscenio. Se le conoce también como orquesta porque antes ahí se colocaban los músicos a tocar durante la representación. Es un nivel más bajo, de manera que no tapen los músicos a los actores o cantantes, y el público tenga una óptima visibilidad. Fuente: Jiménez Izquierdo, Juan. Apuntes para acercarse al teatro, Alas y Raíces para los Niños.
Espacio que sirve como sala de espera. En él se encuentran dulcerías, los servicios sanitarios, y sobre sus paredes es común encontrar publicidad de la obra y las placas de las obras que en ese teatro llegaron a tener temporada. Fuente: Jiménez Izquierdo, Juan. Apuntes para acercarse al teatro, Alas y Raíces para los Niños.
En la actualidad el término 'villancico' se ha convertido exclusivamente en sinónimo de canción de Navidad, preferentemente de origen popular, que puede estructurarse de cualquier forma y que también podemos utilizar para referirnos a una canción navideña de cualquier nacionalidad. No hemos de olvidar pues que en su origen el villancico fue un género exclusivamente español y que tuvo muy diversos usos a lo largo de su historia. A pesar de todo, en los villancicos actuales perviven algunas características del antiguo villancico, como es la estructura de estribillo y coplas, la frecuente aparición de personajes populares y la inclusión en algunas ocasiones de textos relativamente atrevidos (véase, por ejemplo: 'En el portal de Belén han entrado los ratones......'). En conclusión, podemos decir que el villancico actual mantiene algunos elementos básicos desde sus orígenes, si bien ha perdido su antiguo esplendor para convertirse en un género popular. Breve historia En sus orígenes, en el siglo XV, villancico es un término empleado para designar a una composición poética de carácter popular. Literariamente consiste en un estribillo de tres versos, unas coplas de cuatro, uno o dos versos de enlace y repetición de los últimos versos del estribillo, que reciben el nombre de vuelta. La temática del villancico, distaba mucho de tener un carácter religioso. Entre las composiciones conservadas en el Cancionero de Palacio, una de las fuentes musicales más antiguas del género, aparecen villancicos con los contenidos más dispares, desde textos amorosos a violentas e irreverentes sátiras, pasando por composiciones que celebran algún destacado acontecimiento, así como cantos en alabanza de Cristo o la Virgen María. Por lo tanto, se trata de un género en el que no hay restricciones de contenido y cuya finalidad, aunque tenga tema religioso, no es nunca una ceremonia litúrgica. Durante la segunda mitad del siglo XVI coexisten dos tipos de temática en el villancico: la profana y la religiosa. Posteriormente, adquiere una importancia cada vez mayor los asuntos religiosos. Y ello debido a que las autoridades eclesiásticas empiezan a considerar la conveniencia de introducir en la liturgia composiciones en castellano, compuestas en el estilo sencillo y directo del villancico, como una forma de acercar al pueblo a los misterios de la Fe católica, especialmente durante las celebraciones correspondientes a la Navidad y al Corpus Christi. En el siglo XVII, la interpretación de villancicos se hace cada vez más frecuente a pesar de las censuras de que es objeto por parte de las instituciones conservadoras. Ya en 1596 Felipe II había ordenado que no se cantaran villancicos en la Capilla Real, prohibición que como veremos, no tuvo ningún efecto. La razón de estas censuras radicaba en lo siguiente: se convierte en una práctica cada vez más habitual la composición de villancicos en forma de diálogo, especialmente en Navidad, para recrear la sorpresa de los pastores ante el anuncio del Nacimiento del Mesías. El siglo XVIII es el triunfo definitivo del estilo operístico italiano, el cual se adueña de todos los países europeos. En España sucede lo mismo, y no sólo en el terreno de la ópera y de la zarzuela, sino también en otros géneros, como es el caso del villancico. Frente a la estructura uniforme de coplas y estribillo existente durante los siglos anteriores, los villancicos del siglo XVIII pueden llegar a tener una complejidad tal de secciones que en muchos casos no serán sino una alternancia de recitativos y arias da capo, al estilo de la ópera seria italiana. Hoy en día los villancicos son canciones populares alusivas a la navidad y que se cantan especialmente en diciembre y en la Navidad. Fuente: http://www.iesgaherrera.com/musica/Villancico/
Un festival es un acontecimiento o celebración, efectuado generalmente por una comunidad local o por un municipio, que se centra en un cierto tema o un cierto aspecto único de la comunidad. Fiesta, especialmente musical, conjunto de representaciones dedicadas a un artista o a un arte. En este caso, se trata de aquellas reuniones donde más de 10 personas se congregan con un mismo fin. En la mitología, un festival es también un conjunto de celebraciones, en el honor de Dios o de dioses. La raíz de la palabra Fest deriva del alemán fest'. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre, Foto:http://2.bp.blogspot.com/_wcPYMLP6Xrw/SQtEv7ipO-I/AAAAAAAAEjM/TsxRU14ZKls/s1600-h/Festival_Cultural_de_Calaveras_2008+(17).jpg
Teatro en atril significa la presentación integra de un texto con actuación leída, también se dice lectura dramatizada. Es mucho más que una simple lectura en voz alta. Es actuación sin movimiento casi. Eso es teatro en atril. Y según la dirección puede o no usar atriles. En ocasiones se ponen unos movimientos muy simples para que el público pueda entender mejor el texto. Todos los géneros pueden ser utilizados para el teatro en atril. Fuente: http://mx.answers.yahoo.com/question/index?qid=20090402173737AAQP8oM
Un anuncio es un mensaje destinado a dar a conocer un producto, suceso o similar al público. Actualmente los anuncios están relacionados con un propósito persuasivo y están encauzados a la promoción de artículos, productos y servicios. El mayor ámbito de actuación de los anuncios son los medios de comunicación, especialmente los audiovisuales, por tener un efecto más fuerte sobre el espectador. También puede decirse que es un soporte visual, auditivo o audiovisual de breve duración que transmite un mensaje que se limita a un hecho básico o a una idea, generalmente de carácter publicitario, entendiendo con esto último a que forma parte de la publicidad. Como se puede apreciar en el aserto anterior, un anuncio puede estar constituido exclusivamente por sonidos, por imágenes o por ambos en conjunto. En algunos países de habla hispana, comerciales es el nombre coloquial con que se le denomina a los anuncios de radio o televisión. Un término que se puede prestar a discusión puesto que no todos los anuncios que se emiten tienen fines comerciales (el ejemplo son los anuncios utilizados por la publicidad de servicio público, la publicidad de instituciones u otros tipos de publicidad no comercial). También los anuncios pueden estar al servicio de la llamada publicidad política (no confundir con propaganda). Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre.
Un sketch es una escena cómica que dura entre uno y diez minutos aproximadamente. En ella participan actores o comediantes y puede ser montada en un teatro o transmitida por televisión. Los sketches, que solían usarse en los vodeviles, han sido incorporados a espectáculos de variedades, programas cómicos, entretenimiento para adultos, talk shows y algunos shows infantiles, como Plaza Sésamo. A menudo, el sketch es improvisado por los actores la primera vez que se realiza y el resultado de esto es posteriormente transcrito a modo de libreto. No obstante, la improvisación no se practica necesariamente en todas las ocasiones. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre.
El espectador es quien asiste a una obra o espectáculo. Por definición es el sujeto que el autor de una obra construye para que la aprecie. El papel del espectador está predefinido según la voluntad del autor, sin embargo el sujeto que en la realidad percibe la obra puede no ajustarse a lo que el autor de la obra esperaba. En el teatro en particular, el espectador reviste una importancia fundamental no solo como destinatario de la representación sino también por la comunicación privilegiada que se establece entre él y el actor en escena. En un espectáculo en vivo, la condición óptima para el éxito del mismo es la empatía entre el que actúa y el que mira, haciendo que la persona del público participe en la narración. Según Peter Brook, el espectador es una de las tres cuerdas que el actor debe siempre mantener equilibradas. Inclinarse a favor del espectador hace preponderante el aspecto de exhibición de la representación teatral mientras una escasa atención al destinatario de la representación puede llegar a hacerla débil y privada de sentido, si no en la elaboración privada de quien lo ejecuta. El teatro del siglo XX ha modificado profundamente la concepción clásica del espectador. Visto en el pasado como un elemento pasivo, importante solo porque era necesario para una representación (de la que constituye el destinatario), varios directores y autores han subrayado en cambio la importancia del mismo como elemento activo. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre.
El concepto de puesta en escena es un concepto utilizado por los teóricos del teatro, cine y la televisión. En resumen, se puede decir que es el momento que coincide con la entrada y salida de los personajes al marco de escena. Literalmente, la puesta en escena se refiere a la composición del escenario (en teatro) o del plano (en cine y TV), es decir: en qué lugar del escenario (en teatro) o del encuadre (en cine y TV) se coloca cada elemento y cada intérprete, además de los movimientos que efectúan los actores dentro del escenario o del encuadre. Este conjunto de movimientos, que se orquestaría como una coreografía, puede ser labor del director o del ayudante de dirección (en cine y TV) si se trata de secundarios y figurantes. Con lo que «puesta en escena» vendría a ser un sinónimo de composición pero aplicado al entorno audiovisual. Por extensión y por influencia del idioma francés (que, en ocasiones y de forma arcaizante, utiliza la expresión metteur-en-scène para referirse al director de cine) se utiliza hoy en día para hacer referencia al hecho de que todo lo que aparece en imagen está supeditado a la voluntad del director o realizador. Para ser más exactos, la palabra que se debería utilizar para incluir todo esto es «realización». Según esta definición más extensa, la puesta en escena hace referencia a la conjugación de esos elementos que conforman la imagen, a saber: decorados o escenografía; iluminación; vestuarios y caracterización; interpretación; sonido. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
El verismo literario es una tendencia surgida entre 1875 y 1896 en Italia y operada por un grupo de escritores -principalmente narradores y comediógrafos- que constituyeron una verdadera y propia escuela fundada sobre principios precisos. Viene aunada fundamentalmente para referirse a un tipo personajes, situaciones y emociones reales (incluso de la vida de las clases sociales bajas). Se caracteriza por sus tramas sórdidas y violentas. Imagen de Giovanni Verga, el más destacado autor verista italiano. Verismo también denomina a una tradición operística post-romántica italiana, asociada a compositores tales como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo y Giacomo Puccini, quienes defendían traer el naturalismo de escritores como Émile Zola y Henrik Ibsen a la ópera. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre.
De Latín Pagliacci, es un personaje estereotípico representado comúnmente con vestimentas extravagantes, maquillaje excesivo y pelucas llamativas. Generalmente se le asocia con un artista de circo, cuya función es hacer reír a la gente, gastar bromas, hacer piruetas y en ocasiones trucos divertidos. Sin embargo, en algunas culturas, la vestimenta y el maquillaje del payaso denotan una jerarquía, desde el maquillaje de vagabundo hasta la cara blanca. El artista puede hacer uso de maquillaje de base aceitosa o de agua. Asimismo, en algunas sociedades los payasos se relacionan con otros ámbitos y temas, sobre todo de la televisión, donde aparecen representados incluso como personajes malvados. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
El guiñol pertenece al mundo de los títeres y marionetas pero tienen sus características propias que le diferencian en gran medida. Su origen es francés, de la ciudad de Lyon. Se cuenta que el creador del guiñol fue un hombre llamado Laurent Mourguet, de profesión dentista en la ciudad de Lyon. Para entretener a sus pacientes y hacerles olvidar el dolor, se inventó unas historias que se representaban en su gabinete, con marionetas de guante que se movían detrás de un mostrador. Esto ocurría hacia el año 1795, poco después de haber estallado la Revolución francesa. Mourguet llegó a ser muy querido por sus contemporáneos y fue perpetuado su recuerdo con un busto levantado en una placita de la vieja ciudad de Lyon. Los personajes de aquel guiñol eran representaciones de gente del pueblo, con sus aspiraciones, calamidades y problemas, todo ello puesto en tono festivo y crítico para animar y entretener a los espectadores, grandes y chicos. El personaje central se llamaba Guiñol (Guignol), que prestó su nombre a perpetuidad para este tipo de representaciones. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre.
Según la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, la American Film Institute, y el British Film Institute se denomina largometraje a una película con duración de cuarenta minutos o superior. Debieron transcurrir 25 años desde los innovadores cortometrajes para la aparición de los primeros largometrajes. Estos consistían en la reproducción de una película con una duración total mayor a treinta minutos (actualmente tienen un promedio de noventa minutos). Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre.
Cada uno de los lienzos pintados o cortinas que cuelgan de uno a otro lado del escenario y que están en la parte superior del teatro. Las cortinas que cuelgan a los lados se llaman entrepiernas.
  
Escenotecnia se entiende como equipo, materiales y normas para la arquitectura, mecánica, carpintería, decorado, iluminación, vestuario, utilería y cuanto contribuye al ambiente y clima en teatro, danza, cine y televisión. Lo que caracteriza al término son las técnicas, el conjunto de reglas prácticas, procedimientos, maneras y modos de resolver las artes de aquellos medios escénicos, el uso de cuantos elementos intervienen en ella y los métodos que establecen un orden en su ejecución. Las técnicas son la puesta en práctica de conocimientos acumulados; sin técnicas ni métodos todo arte u oficio resulta una actividad arriesgada y con dificultad cada vez mayores... montar un espectáculo sin conocer a fondo la escenificación es una aventura de riesgo múltiple, difícil, agotadora y abierta siempre al fracaso. Estas especulaciones técnicas, aunque las desarrolle un equipo, son dirigidas y coordinadas por un director de escena del que por su principalidad vamos a referirnos también aquí con la extensión que merece (aunque en la actualidad, las grandes compañías de baile tienen su propio director de escena, escenógrafo, iluminador; en su ausencia son los propios directores del ballet o coreógrafos los que tienen que ocupar ese papel, de ahí la importancia de tener breves conocimientos escenotécnicos).
La palabra performance, de la expresión inglesa performance art, arte vivo comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta. La historia del performance art empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo realizaban, por ejemplo, las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Trisan Tzara. El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto, puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. Involucra cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre éste y el público. Esta expresión artística se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
La taquilla es el sitio donde se venden las entradas para acceder a un evento público, por ejemplo al cine, al teatro o al estadio. El término taquilla se utiliza normalmente para indicar el éxito económico que tiene un espectáculo. De manera particular, en la industria cinematográfica, taquilla y el equivalente en inglés Box Office se usan indistintamente para referirse a la recaudación económica de una película, medida a través del número de espectadores o de dinero obtenido en las salas de cine. Las salas de cine que disponen de un sistema de venta electrónica de entradas envían en tiempo real (de manera automática y electrónica) el número de entradas vendidas para cada sesión. La suma de estos datos permite conocer el valor real de la taquilla de cada película en todo el país. Conjuntamente, se suelen realizar cada semana sondeos fuera de diferentes salas de cine para averiguar datos demográficos de los espectadores de cada película, como la edad media, el sexo y la nacionalidad. El análisis conjunto de estos datos permite comprender mejor el negocio del cine a nivel sociológico y económico, y hacer previsiones sobre las recaudaciones que tendrán las nuevas películas a estrenar. Este tipo de análisis es muy habitual en los medios de comunicaciones americanos, que suelen disponer de datos de taquilla más detallados que en otros países.
Melodramático Adjetivo de melodrama (obra melodramática). Que produce un efecto de exageración y exceso de sentimientos en el texto, la actuación o la puesta en escena. El texto melodramático abunda en construcciones retóricamente complejas, en términos raros y afectados, locuciones que manifiestan la emotividad y la inorganicidad estructural de la frase. El actor tiende a prolongar y acentuar el gesto, a dejar adivinar más que a expresar. La puesta en escena inmoviliza los momentos patéticos en cuadros vivientes, favorece la identificación provocando la emoción; contribuye, en la escena ilusionista, a la fascinación del espectador gracias a la acción rica en resurgimientos.
Cásting o castin (de la voz inglesa casting) en teatro, cine, televisión, etc., es el conjunto de actores que intervienen en la acción escénica. También se suele denominar cásting al proceso de elección de actores, de presentadores o azafatas de televisión, de modelos fotográficos o de moda. Cuando se buscan actores, modelos, entre otros, que tengan algo especial, en medios profesionales suele denominarse typecasting.
 Foto: www.todoarquitectura.com El director de escena dirige la producción de la obra entre bastidores. Coordina todos los aspectos de la representación, comunica a los actores y a los técnicos cuándo tienen qué entrar, qué luces y sonidos poner, y en qué momento y cuándo cambiar los decorados. El director de escena habla con los responsables de cada tarea siguiendo el libro de contraseñas, un guión que contiene todas las entradas de la representación. La consola delante de este director le ayuda a comunicarse y dar pie. La pantalla de televisión es un monitor de infrarrojos que le permite ver lo que ocurre en la oscuridad. Mirándolo con atención evita encender las luces si el cambio de escena no es completo. Los botones en la base de la consola controlan los diferentes canales por los que se comunican entre sí los técnicos. A la izquierda, la mano descansa sobre la consola que controla las luces de contraseña, que se usan para dar pie a un actor o técnico que no está conectado a los auriculares. Cuando una luz de contraseña se enciende, la persona ha de prepararse. Cuando la luz se apaga, ejecuta la acción.
 Un dramaturgo es un escritor de dramas, y, por extensión, quien escribe obras de teatro u obras dramáticas, si bien ambos conceptos (drama y teatro) no son sinónimos ni siempre son coincidentes.La dramaturgia surge, creen los especialistas, de la tradición oral antigua, en la que rapsodas y aedos griegos iban de ciudad en ciudad relatando a los pueblos fragmentos de la Ilíada y La Odisea. Se cree que estos narradores orales son los primeros dramaturgos de la tradición helénica. Más enfocados a la palabra hablada, el rito y la celebración, que a la palabra escrita, más cercana a la fijación de la ley. Los primeros dramaturgos de los que se tiene referencia en la literatura occidental fueron los antiguos griegos, con algunas de las más antiguas presentaciones (datadas en el siglo V a. C.). Estas obras son consideradas clásicos y todavía son leídas como puntos de referencia. Notables entre ellos son Esquilo, Sófocles, Eurípides y Aristófanes. Shakespeare es considerado un dramaturgo por haber escrito tragedias y comedias que han ofrecido temáticas a otras obras.
La iluminación escénica es el fluido de la luz selectiva, atmosférica y dimensional, apropiado al estilo de una determinada producción; que sea suficiente para alcanzar una visibilidad segura, es decir, lo más básico es que por medio de la iluminación se vea lo que hay en el escenario. La intensidad de luz es el comienzo del proceso de iluminación. Después de obtener la iluminación básica, la luz puede empezar a jugar un papel como instrumento dramático. Selectividad: Es muy efectivo utilizar el balance en la iluminación para ayudar a concentrar la atención del público sobre el área de acción apropiada. Atmósfera: quizás lo más fascinante del uso de la luz sea la posibilidad de influir sobre el estado mental del público. La luz puede indicar si la acción se produce en una tarde de julio o en octubre, pero también puede ayudar a controlar que el público sienta felicidad o tristeza, extroversión o introversión, agresividad o sumisión. Una de las principales formas de transmitir estas emociones es mezclando la luz cálida y fría. Cálida, dorada, feliz, alegre, a un extremo de la escala; fría dura, miserable, en el otro, pero con una completa gama de tonos intermedios con los que se pueden conseguir un amplio número de emociones. Otros recursos incluyen el equilibrio de luces y sombras: los contrastes exagerados pueden inducir un sentimiento de aprensión, de terror. Interacción: los fines de la iluminación escénica (iluminación, dimensión, selectividad, y atmósfera) están interrelacionados. De hecho esta interacción de unos y otros llega al punto de crear un verdadero conflicto la atmósfera frecuentemente es obtenida por una falta parcial de iluminación. La selección de un estrecho área controlada se consigue más fácilmente usando un solo foco; sin embargo, la iluminación dimensional requiere una serie de ángulos, desde varios focos, cuyos haces de luz terminen en el suelo del escenario, aumentando el tamaño del área seleccionada. Iluminar para dar dimensión puede llevarnos a una pérdida de visibilidad, a menos que el equilibrio sea controlado muy delicadamente. Estilo: En una producción naturalista, donde el diseño pretende un realismo con todo detalle, el objetivo es hacer que la iluminación parezca coherente en términos de sol, luna, lámparas u otras fuentes de iluminación. Si la obra es romántica se puede jugar con el ocaso, con la salida de la luna, o el encendido de lámparas finamente filtradas. Si la obra es una farsa una iluminación intensa para una visibilidad total. Una obra realizada sobre tarimas negras contra un ciclorama, probablemente tratará la selectividad como elemento primario. Concebir la obra en términos de gasas, humo, música, la atmósfera saltará al tope. Fuente: http://www.titerenet.com/2004/05/01/apuntes-sobre-iluminacion/
La zarzuela es una forma de música teatral surgida en España. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera. ARGUMENTO Se usa para expresar el resumen del contenido de una puesta en escena, novela, película o serie de televisión, como visión coherente del desarrollo de la obra con el fin de que el lector conozca el tema de una manera general suscitando en él un interés por la misma. COREOGRAFÍA Coreografía, arte de componer danzas; también, los movimientos y esquemas de una composición dancística. El término se puede utilizar además para los dibujos anónimos de los bailes campesinos y para las danzas clásicas no occidentales, pero se utiliza preferentemente para las danzas creadas para el teatro. ÓPERA La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que, a diferencia del oratorio, se representa en un espacio teatral ante un público. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera, como son el musical, la zarzuela y la opereta. La ópera tradicional consiste en dos modalidades de canto: recitativo, declamación y aria; esta última se refiere a composiciones para voz solista. Composiciones cortas para voz solista también se denominan "ariosos". Cada tipo de canto tiene acompañamiento orquestal. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
El bastidor son los lienzos pintados que, en los teatros, se pone a los lados del escenario. Entre bastidores Sin la callada labor de los técnicos de escena, gran parte de la acción teatral no podría llevarse a cabo. Los técnicos pasan mucho tiempo a oscuras, ayudando a los actores a cambiar rápidamente el atrezo, acercándoles objetos y ayudándolos a salir a escena. Los bastidores de un teatro tienen que estar a oscuras y en silencio, ya que el ruido o la luz podrían alcanzar el escenario y estropear la cuidadosamente construida ilusión teatral. Para comunicarse con el resto de los técnicos que trabajan en otras partes del teatro utilizan auriculares. Como a veces han de cambiar rápidamente el decorado en la oscuridad, ellos, al igual que los actores, coreografían y ensayan sus movimientos. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
El vestuario es uno de los elementos articuladores de la puesta en escena y se lo considera un elemento más de atrezzo que hay que tener en cuenta para no saltarse la continuidad. Un personaje no puede llevar un sombrero en una escena y no en la siguiente, si se considera que la acción se continua. (Por ejemplo, un personaje sale de un bar a la calle. Si en el bar lleva sombrero y en la calle, no se ha producido un error de continuidad). El vestuario contribuye a definir y caracterizar a los personajes. Denota su status social, su contexto socio-histórico y puede realzar la apariencia física del actor. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Conjunto de instrumentos, herramientas, muebles y todo tipo de objetos que se usan en la decoración de una determinada escena. Es un sinónimo de utilería. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
La comedia musical o también llamado teatro musical, es el género de teatro que combina música, canciones, danza y diálogos hablados. Es muy cercano a la ópera; el teatro musical se distingue por el variado uso de música popular y la presencia de diálogos hablados (a pesar de que algunas obras de teatro musical estén completamente cantadas y algunas óperas incluyan diálogos hablados). Los musicales han salido de su ámbito anglosajón original y se ha exportado y adaptado a países del todo el mundo, como Alemania, Austria, Francia, Canadá, Japón, Australia, o España, donde la tradición del teatro lírico ya existía en forma de zarzuela, ópera, opereta y revista musical. Suelen ser representados en grandes escenarios, como los Teatros de West End en Londres o en Broadway en Nueva York. Producciones con un presupuesto menor son estrenadas en teatros más pequeños, los llamados COF-Broadway, e incluso se ha creado una categoría pero recoger a las pequeñas salas en los que se representan musicales con presupuesto mínimo, el Off-Off-Broadway. Muy recientemente países como España han empezado a crear sus musicales propios, sin partir de adaptaciones de musicales de Londres o Nueva York. Algunos famosos musicales de todos los tiempos son Jesucristo Superstar, Grease, West Side Story, Cats, El Fantasma de la Ópera, Les Misérables, o Rent. En cuanto a los musicales creados en España, cabe destacar Mar y Cielo de Dagoll Dagom. Últimamente proliferan espectáculos con canciones de grupos famosos con tintes de teatro musical como Hoy No Me Puedo Levantar (con canciones del grupo Mecano), Mamma Mia! (del grupo ABBA) y We will rock you (de Queen); son buenos espectáculos pero no musicales realmente puesto que las canciones no se han compuesto para la historia sino al revés. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Por lo general, existen separadamente camerinos masculinos y femeninos, y a menudo también camerinos especiales para la 'estrella' del espectáculo. Los camerinos disponen generalmente de una gran cantidad de enchufes para los accesorios como los secadores de pelo, pinzas eléctricas y planchas. También cuentan muchos espejos que se iluminan con bombillas en su marco exterior. Los lavabos están presentes para retirar el maquillaje llegando a tener incluso duchas y zonas de descanso anexas. Los armarios, o las barras de trajes se utilizan generalmente para el almacenaje del vestuario. En algunos espectáculos, los camerinos se utilizan como cuarto de espera secundario debido a la limitación del espacio o el ruido. Especialmente, se da para los actores con lapsos largos entre las apariciones en el escenario. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
La utilería o el atrezo, tanto en el teatro como en el cine y la televisión, son los elementos físicos que representan objetos de la vida real. Son utilizados por los personajes para interactuar durante una representación artística. Junto con el vestuario y la escenografía, la utilería forma parte de los recursos necesarios para la representación teatral. Entre algunos ejemplos de utilería se encuentran objetos de uso cotidiano, como lo son mesas, sillas, tazas, platos, armas, monedas, etc. Dependiendo de la trama del elemento artístico, mas comúnmente la obra teatral, la utilería se basa en el ambiente del texto, que pueden ser objetos comunes o creados por el autor. Así mismo, la utilería puede ser elaborada por el equipo de producción de una obra. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
La tramoya es el conjunto de máquinas e instrumentos con los que se efectúan, durante la representación teatral, los cambios de decorado y los efectos especiales. Se le llama tramoyista a la persona que atiende la tarea del manejo de ésta. En el teatro grecolatino se usaban grúas para hacer descender y ascender a los dioses, plataformas de madera móviles para transportar decorados, elementos percusivos para Simular truenos, antorchas para simular con su movimiento los rayos... En la Edad Media, sobre todo para los misterios, eran necesarias máquinas similares. En el Siglo de Oro se contaba con máquinas que consistían en un juego de poleas, en una grúa y en un artefacto con cuerdas con los que se podía levantar o descender a los actores o sustraerlos a la visión del público a través de los escotillones perforados en el escenario. La escenografía se va haciendo más compleja a lo largo del siglo XVII, deslumbrante en ocasiones gracias a los tramoyistas de origen italiano. En el siglo XVIII, la tramoya es esencial en los teatros populares para las comedias de magia y también en las de santos, usándose artefactos de cuerdas, grúas para elevar o trasladar a los actores en sus vuelos o apariciones y desapariciones. A esto se unen en las comedias heroicas, máquinas pesadas y poleas para situar las murallas. En el transcurso del siglo, se renueva la tramoya mediante la introducción de recursos como la linterna mágica, efectos ópticos, las sombras chinescas, la máquina real, etc. En el siglo XIX la escenografía y tramoya son especialmente cuidadas en el montaje de los dramas románticos. En el XX, con los adelantos de la técnica se incrementan las posibilidades de innovación en la tramoya: la introducción del disco y foro giratorio, el uso de pantallas móviles, de aparatos especiales para lograr efectos sonoros y de iluminación, la introducción de recursos escenográficos derivados de otras artes como el cine, el circo, la televisión, etc. Sin embargo, con la especialización de funciones, pasan a primer plano las del escenógrafo y del director de escena, que a lo largo del siglo han contando con nombres muy relevantes. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
La función del director es asegurar la calidad y realización del producto teatral. El director trabaja con individuos y con su otro staff, coordinando investigación, tramoya, diseño de ropa, iluminación, actuación, diseño del set, diseño del sonido para la producción. El director puede también trabajar con el dramaturgo mientras se avanza. En el teatro contemporáneo, el director suele ser el visionario, tomando decisiones de los conceptos artísticos e interpretativos del texto. Diferentes directores han ocupado distintos planos de autoridad y de responsabilidad, dependiendo de la estructura y filosofía de las compañías de teatro. Los directores utilizan una gran variedad de técnicas, filosofías, y niveles de colaboración. El director, en posición para sí y para los otros, es algo relativamente innovador en la historia del teatro, con los primeros modelos a fines de 1800s, haciéndose cada vez más popular a principios del siglo XX. Antes de esto, los actores o los dramaturgos eran responsables de la presentación de la pieza, y coordinaban los esfuerzos. En cambio, aunque algunas producciones y grupos aún operan sin un director, éste es considerado una figura vital en la creación de una presentación teatral. Hasta la puesta en escena (con premieres antes de las audiencias regulares), el director de teatro es generalmente considerado el máximo responsable. Luego, aparece el manager de stage, que se pone a cargo de todas las cuestiones esenciales. El término francés regisseur es a veces usado para abarcar al manager de stage, aunque esto es más común en ballet. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Es la música que acompaña una obra teatral, un programa de televisión, un programa radial, un videojuego y otras formas que no son en principio musicales. El término es menos frecuentemente aplicado a la música de cine, pues a ésta se le llama más a menudo música cinematográfica o soundtrack. La música incidental es con frecuencia "música de fondo", y crea una atmósfera para la acción. Puede incluir obras que agreguen mayor interés al público, por ejemplo obertura, o música que se interprete entre los cambios de escena. También puede requerir músicos que la interpreten en vivo en el escenario. El uso de música incidental data de la antigüedad del drama griego. Varios compositores de música clásica han compuesto música incidental para varias obras teatrales, los ejemplos más famosos son:
Parte de todas de estas musicalizaciones a menudo se interpretan en concierto fuera del contexto de la obra para la que se creó. Más recientemente, la música incidental ha sido escrita para videojuegos como las de Michael Giacchino (las series de Medal of Honor), Richard Jacques (Sega Dreamcast), Jack Wall (Myst III) y James Hannigan (Catwoman). Una de los compositores de música incidental más conocidos en la televisión británica es Howard Goodall, quien escribió música para The Gathering Storm, La Víbora Negra y Enano Rojo además para la película Mr. Bean. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Lienzo grande que se pone en el escenario de un teatro de modo que pueda bajarse y subirse. Se distinguen varios tipos de telón: Corto: El que sustituye al de boca y oculta parcial o pasajeramente la escena durante entreactos o mutaciones, en los que, a veces, pueden representarse ante él breves escenas. De foro: El que cierra la escena formando el frente de la decoración. Griego: En el teatro, doble cortina que se abre y se cierra lateralmente, mediante rieles situados en el peine. Metálico: El que, hecho de metal, se destina en los teatros a aislar el escenario de la sala para evitar o limitar los siniestros. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
El Cine (abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica consistente en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento. La palabra cine designa también las salas o complejos de salas en los cuales se difunden las películas. La palabra "cine" proviene del griego; etimológicamente, significa "movimiento". Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Hay cuatro tipos de escenarios que varían en cuanto a su uso y en relación con el público. La forma más común en Occidente es el escenario tipo proscenio. En este tipo, el público se localiza a un lado del escenario con el resto de los lados ocultos y utilizados por los intérpretes y los técnicos. Los escenarios centrales son similares a los tipo proscenio, pero con una plataforma o área de interpretación que se extiende hacia el público de manera que éste se sitúa en tres lados. En un teatro redondo, el público se localiza en los cuatro lados del escenario. Un cuarto tipo de escenario es aquel que se construye específicamente para una representación o que involucra un espacio preexistente y adaptado como escenario. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
El ballet es una arte escénica, también llamado danza clásica, es un género dramático cuya acción es representada por medio de pantomimas y danzas. Es, también, el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica, texto y música (de orquesta y coral), decorados y maquinaria. También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza. El bailarín debe conocer y manejar a la perfección su propio cuerpo, desarrollar el tono muscular adecuado, fuerza y resistencia, además de una postura adecuada para mantener en condiciones su estructura ósea. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
El monólogo, soliloquio, o escena unipersonal es el género dramático en el cual una persona reflexiona en voz alta haciendo ver sus pensamientos y emociones al público. Constituye la parte de una pieza dramática que sirve para caracterizar a los personajes y por tanto, posee un gran valor psicológico en tanto que es una herramienta o forma de introspección. En ese sentido, son famosos los monólogos de las obras de Shakespeare, como la de Hamlet, que empieza con la famosa frase de Ser o no ser. El monólogo puede encubrir un diálogo que efectúa un personaje consigo mismo o con un ser inanimado o desprovisto de razón: una mascota, un cuadro, etc... De esa forma el personaje proyecta sus emociones fuera de sí. El monólogo, en el teatro del Siglo de Oro español, solía encomendarse a los sonetos o a las décimas y así, en comedias donde existe un gran juego de caracteres, aparecen muchos sonetos (el ejemplo característico sería El perro del Hortelano, de Lope de Vega). Existen varios tipos de monólogo. Existen varios tipos de monólogo:
Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Dramaturgo es quien escribe dramas y, por extensión, quien escribe obras de teatro, si bien ambos conceptos (drama y teatro) no son sinónimos ni siempre son coincidentes, también puede cultivar otros géneros literarios. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Del griego pantómimos "que todo imita", es la parte de las artes escénicas que utiliza la mímica como forma de expresión artística. Se llama mimo al agente de la acción, al que practica el arte de Mimo. Los mimos renuncian al uso del lenguaje hablado en sus actuaciones, rechazando con frecuencia el uso de cualquier tipo de sonido u objeto. Tiene elementos comunes con la danza y las artes circenses. Es una forma frecuente de arte callejero, generalmente de forma individual. Los mimos suelen simular con sus gestos sonidos, cosas o personas que no existen realmente. Esto puede dar lugar a coreografías muy elaboradas. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros dias. Como los demás géneros dramáticos, a la comedia lo determina la acción dramática del personaje protagonista; de ahí que no sea extraño encontrar personajes con tono trágico en dramas cómicos, siempre y cuando estos sean, por decirlo de algún modo, personajes secundarios. Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje. La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Según la definición griega clásica, drama es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. El tono de la obra dramática puede ser tanto trágico como cómico. Básicamente, esta definición coincide con el concepto actual de teatro, aunque existe una confusa tendencia a considerar dramático únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos, especialmente cuando se da el llamado "final trágico". Por ello, una tendencia generalizada apuesta a identificar, por un lado, al drama como género literario (el texto) y, por otro, al teatro como el fenómeno de puesta en escena del propio texto dramático; pues, según esta posición, el texto dramático no es teatro hasta que se lleva a escena para ser visto por el público. Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba menos importante que el. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba menos importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena dan también en llamar actores a los cantantes de ópera. Es común que a las mujeres dedicadas a estaS actividades se les llame actriz, en lugar de actor Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Se denomina teatro (del griego Theatrón, "lugar para contemplar") a la rama del arte escénico, relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas en un escenario, ante un público. El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Las artes escénicas son el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo del Teatro, la Danza y la Música; así como el espectáculo y la Organización Espacial. Este espacio, aparte de notables diferencias producidas por los distintos conceptos que del teatro se han tenido a lo largo de la historia, mantiene inalterable una cierta disposición de ámbitos dependiendo de la utilización que de ellos se haga. Nos referimos a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el hecho teatral se produzca: los actores y el público. Cada uno de dichos elementos, necesita de su propio espacio, delimitado y privado, para desarrollar con la mayor comodidad posible la actividad para la que está destinado. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
En la actualidad se entiende por escenografía todos los elementos visuales que conforman una escenificación. Sean estos corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre
Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logra recibir el mensaje en su totalidad. Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre |
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El vestuario es el conjunto de trajes (vestidos), complementos, calzados, etc., utilizados en una representación escénica.
El vestuario es el conjunto de trajes (vestidos), complementos, calzados, etc., utilizados en una representación escénica.
Un camerino o camarín es una parte de un teatro, estudio de televisión o sala de espectáculos que proporciona a los actores y otros participantes el espacio necesario para vestirse, peinarse y maquillarse.
El director de teatro es el conductor en el campo 
En el teatro, el escenario es el espacio destinado al público para la interpretación de producciones teatrales u otros acontecimientos. Sirve como espacio para los actores o intérpretes y como un punto focal para los miembros del público. Como rasgo arquitectónico, el escenario puede consistir en una plataforma (a menudo elevada) o una serie de plataformas. En algunos casos, pueden ser temporales o ajustables, pero en los teatros y otros edificios dedicados a este tipo de producciones, el escenario es a menudo un elemento estable y permanente.